Sabia mais sobre a Dança Irlandesa

Originária da Irlanda, dança irlandesa é uma forma de dança tradicional, que inclui tanto as oportunidades sociais e de desempenho. A dança irlandesa inclui grande variedade de estilos para o solo, dupla, e danças de grupo. Muitas pessoas quando pensam nessa modalidade de dança, logo vem na cabeça o Riverdance. No entanto, dança irlandesa inclui muitas danças e variações destas danças que podem ser apreciadas começando em uma idade muito jovem.

Dança Social Irlandesa

A dança social irlandesa pode ser dividida em dois estilos, Ceili e Dança Set. Dança set são dançadas por quatro casais, ou quadrilhas, em uma formação de quadrado. Ceili são dançadas por grupos de dançarinos composto de dois a 16 membros em várias formações. A dança social irlandesa é extremamente tradicional, com variações de danças encontradas em todas as comunidades de dança irlandesa.

Tap Irlandês / Sapateado Irlandês

Tradicionalmente conhecido como “Tap Irlandês”, performance de dança irlandesa se tornou popular em 1994 com a criação do mundialmente famoso “Riverdance”. Performance de dança irlandesa é reconhecida pelos movimentos da perna rápida acompanhada por um corpo duro.

As competições de Tap Irlandês são muito populares em todo o mundo.

Ceili dança irlandesa

Ceili dança irlandesa é uma forma popular de dança folclórica na Irlanda. O termo “ceili” refere-se a um encontro social com música irlandesa e dança.

Ceili dança irlandesa pode ser realizada nas linhas de frente para o outro, formações circulares, as formações de linhas longas e quadrilhas. Uma dança ceili pode ser realizada com apenas duas pessoas, ou como muitos como 16.

Lyrical Dance

O Lyrical Dance é um estilo de dança que mistura ballet e jazz. Lyrical é geralmente mais suave e um pouco mais rápido que o balé, mas não tão rápido como o jazz. Um bailarino lyrical usa o movimento para expressar emoções fortes como amor, alegria e raiva.

Bailarinos de Lyrical costumam dançar músicas com letras, e as letras da canção escolhida serve de inspiração para os movimentos e expressões. As músicas usadas para lyrical são geralmente carregadas de emoção e expressivas.

A música pode consistir de vários gêneros, incluindo rock, pop e hip hop. Poderosa, músicas são freqüentemente usadas na dança lyrical para dar aos bailarinos a oportunidade de expressar uma gama de emoções fortes através da sua dança.

Movimentos da dança lyrical são caracterizados pela fluidez e graça, com a bailarina que flui sem problemas de um movimento para outro, segurando as etapas de acabamento tanto tempo quanto possível.

Saltos são excepcionalmente elevados e crescentes, e são fluidos e contínuos.

Como são os véus usados na Dança do Ventre?

Os acessórios são utilizados na dança do ventre para adicionar mistério, interesse e variedade para uma performance.

Um dos acessórios mais usados na dança do ventre é o véu. Dançando com um véu acrescenta um toque de elegância a um espetáculo de dança, especialmente quando o véu flui graciosamente com os movimentos da dançarina. Dançando com um véu enfatiza a graça de certos movimentos.

Muitas dançarinas do ventre, usam um véu como uma abertura da coreografia, uma música lenta, em seguida, graciosa e respeitosamente desfaz  do véu depois de alguns minutos, ou quando o ritmo da música muda.
Véus pode ser arredondados ou retangulares. O véu é apenas um pedaço de tecido leve medindo cerca de 2 a 4 metros.  Opções de tecido para véus incluem variedades como chiffon, organza e seda.

Ao comprar um véu, certifique se é  do tamanho correto. Um véu deve ser longo o suficiente para dançar, mas não tão longo para não te atrapalhar. Para medir, segure o véu com as duas mãos com os braços esticados para os lados
Pratique em frente a um espelho com seu véu. Use uma música suave. Ao dançar com o véu, tente criar a ilusão de que é uma extensão natural do seu corpo.

O véu deve ser como ondas suaves em casa movimento do seu corpo. Com um pouco de prática, o véu irá adicionar um toque especial de magia a sua dança do ventre.

A Dança do Ventre é baseada em uma das mais antigas danças sociais da história do mundo, originária do Norte de África, Ásia e Oriente Médio. Dança do Ventre é simultaneamente uma forma bonita de dança e uma ótima maneira de se exercitar. Isso vai ajudá-la a ficar em forma e permitir-lhe expressar a sua criatividade pessoal. Dança do Ventre é apreciado por muitas pessoas em todo o mundo. Talvez a característica mais marcante da dança do ventre são os movimentos isolados realizados pelo abdômen.

Dança do Ventre e suas formas
Vários estilos de dança do ventre são populares hoje. Existem duas formas básicas de dança do ventre: “raqs baladi” e “raqs sharqi”. Raqs baladi é a dança do ventre social realizada para a celebração de machos e fêmeas de todas as idades. Estas danças do ventre são normalmente realizadas durante eventos sociais como casamentos e festas. A segunda forma de dança do ventre, raqs sharqi, é uma versão mais teatral e é a forma mais popular da dança do ventre executada hoje. É também desempenhada por homens e mulheres.
Movimentos da Dança do Ventre
Embora possa parecer que apenas a área abdominal está em movimento, a dança do ventre envolve várias outras partes do corpo também. Enquanto a dança do ventre, uma dançarina deve isolar grandes grupos musculares e trabalhá-los isoladamente ou em oposição a outras partes do corpo. Dança do Ventre geralmente é realizada como uma dança solo, mas os grupos também podem dançar juntos em uma coreografia com muita sensualidade.

Os trajes da Dança do Ventre
A dança do ventre é normalmente realizada usando saias longas ou calças harém. Algumas dançarinas do ventre, preferem simplesmente vestir uma malha ou um top para as aulas. Enquanto a dança do ventre, muitas vezes é desejável manter a barriga descoberta, permitindo que os movimentos de definição do abdômen sejam vistos.
Apesar de alguns dançarinos escolherem dançar de pés descalços, os sapatos são por vezes necessários, quando for dançar fora de casa ou da academia. sapatos ou sandálias confortáveis com solas flexíveis, como sapatilhas de balé, são boas escolhas.
Dança do Ventre e as Músicas

A música tende a ser um poderoso motivador. Dependendo dos objetivos do seu treino de dança do ventre, no entanto, escolher a música certa é importante. Se a dança do ventre for para um treino aeróbico, uma meditação pessoal, ou uma rotina de alongamento, a escolha da música inspiradora vai ajudar você a aproveitar a experiência ainda mais. Sinta-se livre para usar qualquer estilo ou gênero de música para dança do ventre.
Se você é sério sobre a aprendizagem verdadeira da dança do ventre, no entanto, a tradicional música do Médio Oriente continuará a ajudar você a entender como fazer corretamente o mover dos quadris e o abdômen.
História da Dança do Ventre
Muito se debate sobre as origens da dança do ventre, provavelmente devido à pesquisa acadêmica limitada. Várias teorias existem sobre o verdadeiro desenvolvimento desta forma de dança única. Ao longo dos anos, diferentes estilos de danças do ventre tem evoluído a partir de várias culturas. Dança do Ventre popularizou por diversos motivos, incluindo entretenimento, ritual cultural, preparação para o parto, aptidão física, e de celebração. Porque a dança do ventre parece ser uma combinação de vários estilos de dança diferentes, por isso, tem uma variedade de origens.

Como Iniciar Dança do Ventre             
Se você estiver interessado em tentar a dança do ventre, o primeiro passo será encontrar uma professora qualificada. Se você prefere aprender dança do ventre na privacidade da sua própria casa, considere investir em um DVD de aulas.
Seu traje para praticar a dança do ventre não precisa ser elaborado, mas deve servir de inspiração.

Ana Pires

O flamenco é a arte da expressão através da dança, do canto e da música. O nome deriva do árabe jelah mengu, que significa camponês foragido. Essa arte reflete a história dos povos ciganos e é uma mistura de influências espanholas, judaicas e muçulmanas. Surgiu há muito tempo, aos poucos e clandestinamente, por onde passavam os povos perseguidos no sul da Espanha, região de Andaluzia, no tempo da Inquisição.

O flamenco é uma das maiores manifestações da cultura espanhola. Tendo incorporado toda a história dolorosa de seu surgimento, o flamenco é, antes de tudo, expressão. Cada movimento significa um estado de espírito do povo cigano que, apesar da tristeza, também compartilhava momentos de intensa alegria.

Intensidade é a palavra chave do flamenco. Nos sapateados mais ligeiros ou nos taconeos mais pausados, está o compasso do coração do bailarino. Bater os pés é ganhar coragem através da energia e da força da terra. A fluidez dos movimentos de mãos e braços contém a paixão e a alegria que se misturam à melancolia e à tristeza, de acordo com os significados de cada música. As palmas marcam os compassos e chamam a vida para acender a dança. Na postura firme e decidida do corpo, na expressão do olhar, o bailarino flamenco demonstra a vitória dos povos que, por mais que sofressem, conseguiram viver a sua arte e trazê-la aos dias atuais.

Atualmente, o flamenco continua sendo a manifestação da alma da cada pessoa. É colocar para fora os sentimentos, compartilhar as emoções através da música, do canto e da dança. Flamenco é a dança da beleza, da energia e do prazer. Com a dança flamenca, pode-se trabalhar a desinibição e a autoconfiança, além de liberar as tensões do cotidiano. A sua prática também traz benefícios para o corpo, com o fortalecimento dos músculos, a melhora da capacidade aeróbica, da postura, da mobilidade, agilidade e consciência corporal.

Ser flamenco é saber se expressar, é saber manifestar as diversas emoções da vida através da dança.

Texto de Ana Pires – bailarina e professora do Soleá Tablao Flamenco, em Belo Horizonte.

A dança flamenca é altamente expressiva, é uma forma de dança espanhola. O flamenco é uma dança caracterizada por palmas, passos de percussão, e fortes movimentos de mão, braço e corporais.

A técnica do Flamenco
Com raízes indiana, árabe, espanhola, a dança flamenca é conhecida por seus movimentos grandes e fortes de braços e pisoteando os pés com sons rítmicos. A Os bailarinos de Flamenco gastam uma grande parte do tempo praticando e aperfeiçoando os movimentos, muitas vezes difícil. Embora não exista uma única dança flamenca, os bailarinos devem seguir um quadro rigoroso de padrões rítmicos. Os passos que um bailarino executa são dependentes da tradição da música sendo tocada. Talvez a maior alegria de dançar flamenco está nas expressões e emoções pessoais da bailarina, que mudam várias vezes durante uma performance única.

A bailarina de Flamenco
Os bailarinos de flamenco, conhecidos como Bailaores e bailaoras, são sérios e apaixonados. Típicos da dança flamenca, uma bailarina, muitas vezes, deve estar imóvel e livre de expressão para os primeiros momentos de uma canção. Quando ele ou ela começa a sentir a música, os movimentos começam a surgir, uma batida constante de palmas ruidosamente é a característica dos primeiros momentos da coreografia. Então, quando constrói a emoção, a bailarina vai começar uma dança apaixonada. A dança muitas vezes é um pisoteado feroz, e os movimentos do braço são graciosos e firmes. Castanholas às vezes estão nas mãos para tocar, e leques são usados ocasionalmente para o impacto visual.

Para aprender o Flamenco
Provavelmente a coisa mais importante que você precisa para começar a dança flamenco é a paciência e dedicação. A arte da dança flamenca é muitas vezes difícil de dominar nos primeiros momentos. Além de aprender os passos e movimentos trincados, você também precisa aprender a se comunicar verbalmente com um músico ou um cantor. Será ensinado como mostrar corretamente suas emoções e sentimentos mais íntimos para ter uma bela interpretação. No entanto, com um bom professor e um pouco de paciência, até mesmo uma bailarina inexperiente pode aprender. É uma ótima modalidade para treino de coordenação motora.

Um método reflete no currículo de formação técnica e considerando que o “estilo” reflete uma tendência da época, conceitos e imagens. As escolas mais antigas e famosas do balé defendem alguns métodos religiosamente estudados pelos bailarinos, e refletindo suas sutilezas e técnicas divergentes. A companhia de dança invoca o método escolhido para assegurar que todos os bailarinos tenham a mesma formação (assim as obras coreográficas ficarão limpas e precisas).

Método Cecchetti Ballet
Enrico Cecchetti desenvolveu seu próprio método de treinamento de ballet em Londres (1918). Vindo da Itália, Enrico e sua esposa, abriram uma escola de dança e ballet britânico influenciado ao longo dos tempos. Muitos novos métodos foram criados a partir do método de treinamento Cecchetti. Depois de dançar em Milão, Enrico Cecchetti migrado para a Rússia, acabou trabalhando para Diaghilev pela sua escola de formação de bailarinos. Lecionou na Escola Imperial de São Petersburgo. Quando o Ballet Russo começou a turnê pelo mundo, os estudantes não queriam deixar a aulas diárias de Cecchetti que lhes oferecia essa formação requintada.

A técnica Cecchetti era de muito envolvimento para o aluno, ele é treinado em seguida, testado em etapas e avaliado finalmente. Cada instrutor de Cecchetti, deve ser registrado pela qualificação pela Sociedade Imperial de Professores de Dança. Cada aluno passa por rígidos testes antes de passar para o nível seguinte, o curso todo dura seis anos. Cada aluno só é permitido fazer o exame uma vez por ano.

A técnica Cecchetti tem um regime de treinamento rigoroso, os exercícios de barra são memorizados e feitos sem mudar por um tempo. Há uma barra específica para cada dia da semana. Cada um dos lados do corpo é trabalhado alterando de semana para semana. A técnica Cecchetti tem oito posições de braço, e cerca de quarenta adágios que os alunos desenvolvem o equilíbrio e a graça. No fim da aula é feita uma nova combinação de movimentos para o aluno a compreender rapidamente e executar.

A bailarina do método Cecchetti move como um instrumento, os braços e as pernas todos com uma entidade de trabalho. A energia é focada através dos pés indo até a cabeça em uma linha continua infinitamente. Este método ensina a qualidade sobre a quantidade, era melhor executar o movimento de direita uma vez a não ser capaz de fazê-lo várias vezes desleixada. Para cada aluno é ensinado a essência da técnica, de modo que este método é algo que transpira ao invés de um talento específico, como nos Bournonville e a técnica russa. Ele ensina uma bailarina a ser auto-suficiente e não imitando o instrutor. Esta técnica utiliza um estilo clássico com mais freqüência e desenvolve um equilíbrio para os bailarinos, um ótimo porte, altura, vigor e agilidade.

Enrico refez ballets já encenados, tais como Coppelia e desenvolveu as funções de Bluebird e Carabosse em A Bela Adormecida.

Um método reflete no currículo de formação técnica e considerando que o “estilo” reflete uma tendência da época, conceitos e imagens. As escolas mais antigas e famosas do balé defendem alguns métodos religiosamente estudados pelos bailarinos, e refletindo suas sutilezas e técnicas divergentes. A companhia de dança invoca o método escolhido para assegurar que todos os bailarinos tenham a mesma formação (assim as obras coreográficas ficarão limpas e precisas).

Coppelia

Método Russo de Ballet

O método russo de balé veio direto da Escola Imperial de Ballet (Imperial School of Ballet) de São Petersburgo, na Rússia, no século XIX. Imperial na época, significava que era de propriedade do ditador no comando. Ballets Imperiais eram originalmente “encomendados”. As obras, neste momento eram encomendadas por Sergei Diaghilev, que mais tarde fundou o Ballet Russes, bem como desenvolvidos por Vaslav Nijinksky, Anna Pavlova e George Balanchine, entre muitos outros.

A técnica Imperial Russo reflete um estilo clássico de ballet. Este método é tecnicamente desafiador. Os saltos são mais longos e mais ousados, são mais elevados, e as voltas duram “dias”. Cada bailarino russo treina até o seu limite. De acordo com este método de ballet, pantomima pouco usada. Bailarinos estavam agora e aqui para mostrar ao mundo do ballet como foi difícil e impressionante chegar ao que foi apresentado. Eram espetáculos de força bruta e talento. Os ballets já não contam uma história, mas exibem o brilho da técnica.

A distinção especial do bailarino russo inclui numa formação muito confiante, um pouco orgulhoso no seu comportamento. Distinções de técnica incluem em colocar as mãos nos quadris, e lançar a mão no final de uma seqüência difícil, ou durante ela. O bailarino russo tem uma linha corporal impecável. A formação técnica russa é muito intensa, os arabescos esperam que sejam mais elevados e os saltos mais poderosos.

Bailarinos russos são escolhidos em uma idade muito jovem e, literalmente, moldados com o método de ballet russo. Essas crianças que são escolhidas geralmente têm pernas longas e pescoço alongado, um tronco curto, um rosto bonito e muito talento. Muitos dos nossos maiores bailarinos vieram da escola russa de ballet. Muitos desertaram da Rússia, devido à falta de liberdade criativa e por causa do treinamento árduo.

Alguns dos melhores clássicos do ballet surgiram do Método Imperial Russo. Estes bailados mostram movimentos virtuosos e grandes espetáculos. Esses ballets ainda são muito conhecidos e companhias de balé ainda hoje trazer uma audiência enorme para eles: La Bayadère, Coppelia, A Bela Adormecida, Quebra Nozes, Romeu e Julieta e O Lago dos Cisnes.

Um método reflete no currículo de formação técnica e considerando que o “estilo” reflete uma tendência da época, conceitos e imagens. As escolas mais antigas e famosas do balé defendem alguns métodos religiosamente estudados pelos bailarinos, e refletindo suas sutilezas e técnicas divergentes. A companhia de dança invoca o método escolhido para assegurar que todos os bailarinos tenham a mesma formação (assim as obras coreográficas ficarão limpas e precisas).

La Sylphide

Método Bournonville Ballet

O método Bournonville de dançar ballet não é apenas um método de treinamento e técnica, mas uma escola coreográfica desenvolvida por August Bournonville (1805 – 1879). August foi o coreógrafo do Ballet Real da Dinamarca, uma companhia de ballet que continua a usar suas coreografias e métodos de ensino até hoje. Este método concentra-se especificamente sobre o estilo romântico desde que nasceu na era romântica do ballet. August Bournonville não só preferiu um tom mais romântico para sua coreografia, como preferiu contar histórias de amor em suas criações. Bournonville sabia muito sobre teatro musical, então ele incorporou uma rica variedade de expressão em suas obras.

Bournonville disse que “a dança deveria ser uma expressão de alegria”. Este método apresenta o movimento aparentemente fácil, mas é muito difícil tecnicamente. No método Bournonville a bailarina transpira fluidez, uniformidade e musicalidade. A técnica é requintada, com detalhes delicados. Não é só expressiva e romântica, mas toca o coração com a pantomima dramática.

A técnica Bournonville começa na forma e na maciez dos braços. Este método tem distintivo e específico enquadramento do tronco levantado. As pernas devem definir o ritmo musical, enquanto os braços definem a melodia, esta combinação exala musicalidade. A técnica Bournonville também depende muito dos epaulements, e muitos movimentos começam e terminam na quinta posição. No método Bournonville piruetas são executadas com um baixo developé. Muitas poses são reconhecíveis como Bournonville, incluindo tendu derriere,  ter um braço na quinta posição e o outro para baixo ao lado (com um toque de épaulement é claro).

Os ballets Bournonville mostram papéis tecnicamente desafiadores, mas normalmente na reversão do que estamos acostumados o método Bournonville estabelece a importância do personagem masculino enquanto que outros métodos são mais centrados no feminino. Este método de ballet é um estilo tão honesto e revelador que os movimentos usados são puros e precisos. A coreografia faz uma harmonia ao contar uma história. Alguns dos balés Bournonville foram La Sylphide, Napoli e Flower Festival in Genzano.

Quem já passou pela Broadway ou assistiu a algum espetáculo musical brasileiro pode provavelmente dizer-lhe que dança teatro musical está vivo e indo muito bem. Mas este estilo mudou muito ao longo dos anos. Durante séculos, o teatro e a dança eram ligados como meio de realização e de expressão. Dentro do reino do teatro musical, porém, estas duas formas de arte colidem com ainda maior vigor, criando novas possibilidades para o seu impacto sobre a cultura pop e da sociedade. O teatro musical tornou-se um ponto alto para os artistas e bailarinos que procuram novas formas de se expressar.

Definição de Teatro Musical
No nível mais básico, o teatro musical é composto por três elementos: música, letras e de texto (diálogo). Embora a dança não é sempre exigida, o movimento é quase sempre parte do espetáculo. Mesmo nos musicais que não tem uma coreografia avançada, o movimento e expressividade dos atores ajudam a criar o efeito visual da peça. Na maioria dos casos, porém, a coreografia no teatro musical é empregada para reforçar a narrativa, acrescentando valor diversão e o espírito de uma performance.

É impossível definir “dança teatro musical” como um estilo único de circulação. Isso ocorre porque o tipo de movimentos de dança ou empregados em qualquer peça de teatro que reflete o estilo de desempenho como um todo. Como o teatro musical descende de operettas bem como vaudeville e burlesco, o vocabulário usado em uma produção pode variar. Depende pesadamente sobre os tipos de música utilizada na pontuação, o estilo do conjunto e figurinos (também conhecido como a “mise-en-scene”), bem como a hora e o local em que a música está definida.

Tradicionalmente, o sapateado, jazz clássico, dança ou ballet têm sido associados com teatro musical. Isso ocorre porque essas danças eram bem adaptadas aos musicais, que cresceram a partir da música e de dança. Estas mostram um enredo coerente e mais sobre a capacidade de desempenho para entreter e divertir. Como resultado, os números de dança foram causando otimismo. Isto deu forma à comédia musical, sem dúvida a mais popular forma de teatro musical, que permaneceu otimista e divertido, embora respeitando um enredo mais concreto.

A trancos e barrancos
O teatro musical tem progredido sobretudo desde os finais do século 20, os novos ramos do teatro musical deram lugar à incorporação de diferentes formas de dança. Inovadores artistas como Jerome Robbins ( “West Side Story“, “On The Town”, “Violino no Telhado”), Bob Fosse ( “Sweet Charity”, “Chicago”, “Cabaret”) e Susan Stroman (“The Producers”) tornaram-se o teatro musical em um fórum para a demonstração de emocionantes coreografias. O mesmo é válido para produções musicais, que ganharam popularidade nas últimas duas décadas. Estes são baseados em musicais da música pop de artistas e músicas que já eram hits.

A fim de manter as coisas interessantes, no entanto, os coreógrafos foram autorizados a usar esta música como uma tela em branco para contar histórias. A subida dos musicais (como ‘Hedwig e do Angry Inch’, ‘Rent’, e ‘Tommy’) afetou também o papel do coreógrafo, dando uma produção mais “freestyled” olhar e uma ligação mais forte com a dança social. Entretanto, Broadway e do West End tem abraçado a dança baseada em musicais, tais como Stroman’s’ ‘e do sapateado fenômeno “Bring In Da’ Noise, Bring In Da ‘Funk’.  Estas produções fazem da dança a principal atração, o que significa que nestes dias, o teatro musical, e as coreografia são os protagonistas dessa história.

O que se tornou evidente ao longo dos anos é que o teatro musical, em todas as suas formas, utiliza a dança em excitantes e acessíveis formas. Abraçando o tom estabelecido por um escritor, compositor e coreógrafo, estas seqüências coreográficas e as performances ilustram o espetáculo. O teatro musical torna-se uma outra língua falada entre artista e platéia. Ele enfatiza a eficácia do movimento na narrativa e caráter permanente, enquanto desenvolvimento como um testemunho do modo em que dança pode ser simultaneamente exploratória e divertida.