Paul Taylor

Paul Taylor nasceu em 1930 em Wilkinsburg, Pensilvânia. Ele viveu uma infância solitária, já que ele foi por muitas vezes separado de seus pais. Ele participou do Syracuse University, onde recebeu duas bolsas de estudo para a natação e pintura, mas logo depois decidiu retomar a dança na Juilliard School e da American Dance Festival no Connecticut College.

Em 1952, ele ganhou uma bolsa de estudos para o American Dance Festival. Ele chamou a atenção de Martha Graham, que o convidou para integrar a Martha Graham Dance Company. Ele também dançou para vários outros grandes coreógrafos modernos, incluindo Merce Cunningham e George Balanchine.

A Companhia de Dança Paul Taylor:

Em 1954, Paul Taylor fundou sua própria companhia de dança. O Paul Taylor Dance Company que tem uma história longa e distinta, tendo atuado em mais de 500 cidades em 62 países.

Ainda hoje, a cia passa a maior parte da temporada de desempenho em turnê pelas cidades americanas. Muitos bailarinos famosos surgiram a partir da cia, incluindo Twyla Tharp, Laura Dean e Dan Wagoner. Taylor coreografou mais de 90 danças para sua cia.

Dança Expressão de Paul Taylor:

Para distinguir a sua coreografia, Paul Taylor incorporava gestos cotidianos, em vez de movimentos de dança. Através de sua linguagem corporal, ele é capaz de transmitir suas emoções e imaginação.

Obras de Taylor são conhecidas por sua inteligência, simpatia, musicalidade e emoção. Suas obras tendem a ser sobre as pessoas, com foco em seus sentimentos e interações individuais com os outros.

Uma de suas obras mais famosas, “Esplanada”, é definida como música de Johann Sebastian Bach. Taylor coreografou a famosa peça ao receber uma contribuição do National Endowment for the Arts.

Paul Taylor continua a inspirar:

Paul Taylor embrulhado seus anos de realização durante a década de 1970. Suas contribuições para a dança moderna permanecem vivas. Agora, se aproximando de seu 80 anos, Taylor continua a inspirar as pessoas e bailarinos de todo o mundo. Embora ele não dance mais, Taylor continua se dedicando a direção de sua cia e ensinando outras pessoas a beleza e os rigores da dança.

Mikhail Baryshnikov

Mikhail Baryshnikov Nikolaevitch nasceu em 27 de janeiro de 1948 em Riga, na URSS. Ele começou a estudar balé em 1960, aos 12 anos. Em 1964 ingressou na Escola Vaganova para continuar os seus estudos de ballet.

Ele logo começou a ganhar honras e os papéis de liderança em grandes ballets. Ao vê-lo dançar na União Soviética, Clive Barnes, um crítico do New York Times, chamou-o de o mais perfeito bailarino que já tinha visto.

Partindo da Rússia:

Baryshnikov decidiu se mudar para o oeste. Primeiro ele desertou para o Canadá, em seguida, fez o seu caminho para os Estados Unidos. Durante seus primeiros dois anos longe da Rússia, ele dançou com 13 coreógrafos diferentes.

Ballet da Cidade de Nova York:

Em 1978, Baryshnikov se tornou o principal bailarino do New York City Ballet, sob a direção de George Balanchine. Com seu estilo distinto ele ganhou muitos papéis principais, embora nunca Balanchine tenha criado um novo trabalho para ele.

Em 1980, ele mudou seu papel de intérprete a diretor, tornando-se diretor artístico do American Ballet Theatre.

Carreira na televisão e no cinema:

Baryshnikov começou a dançar para a televisão americana em 1976. Em 1977, a CBS trouxe a produção do Quebra-Nozes, no American Ballet Theatre para a televisão.

A produção continua a ser a famosa produção televisiva mais popular e mais frequentemente mostrada do Ballet Quebra-Nozes.

O DVD é um sucesso de vendas durante a época de Natal. É também uma das únicas duas versões de “O Quebra-Nozes”, a ser nomeada para um Emmy Award.

Ele também retratou um famoso bailarino russo em 1977 no filme The Turning Point, recebendo uma indicação ao Oscar. Mais tarde, ele estrelou o filme de 1985 White Nights, e Sex and the City.

Vida em família:

Baryshnikov tem três filhos com a ex-bailarina Lisa Rinehart, embora permaneçam solteiras. Ele também tem uma filha de um relacionamento anterior com a atriz Jessica Lange.

Os Primeiros Anos:

Samuel (Sammy) Davis, Jr. nasceu em Harlem, Nova Iorque, em 08 de dezembro de 1925. Seu pai, Sammy Davis, Sr, e sua mãe, Elvera Sanchez, foram bailarinos. Sammy foi criado por sua avó paterna. Quando ele tinha três anos de idade, seus pais separaram.

Sammy Davis, teve a custódia de seu filho e levou-o ao longo de uma turnê.

Sammy aprendeu a dança com seu pai e seu tio, Will Mastin. Aos quatro anos de idade, Sammy se juntou ao seu pai e seu tio em um ato, “Gang Will Mastin, caracterizando Little Sammy.” Mais tarde os três ficaram conhecidos como o “Will Mastin Trio”.

Preconceito Racial:

Sammy serviu no Exército dos Estados Unidos durante a Segunda Guerra Mundial, mas foi confrontado pelo preconceito racial forte.

Esse preconceito racial continuou durante toda sua carreira, mas ele aprendeu que estar no centro das atenções fez com que alguns dos preconceitos fossem desaparecendo.

 Ele disse uma vez: “Meu talento era a arma, o poder, o caminho para me combater. Era a maneira para eu conseguir afetar o pensamento de um homem.”

Após seus anos no exército, Sammy começou a alcançar o sucesso com sua carreira como artista.

Em 1959, tornou-se um membro do “Rat Pack”, liderado por Frank Sinatra, e incluia artistas como Dean Martin e Shirley MacLaine.

Sucesso:

A carreira de Sammy  deslanchou em meados dos anos 1950. Ele apareceu na Broadway em 1956, Mr. Wonderful, um grande sucesso. Ele também fez aparições no Ed Sullivan Show.

Em seguida, ele estrelou em dois dramas de Anna Lucasta (1958) e A Man Called Adam (1966).  Apareceu novamente em 1964 na Broadway Golden Boy. Em 1972, Davis fez um No. 1 hit no Top 40 charts com “Candy Man”.

Sammy também gostava de televisão e, ocasionalmente, aterrou papéis na televisão, incluindo aparições na série de sucesso, “All in the Family”.

Acidente de carro:

Sammy quase morreu em um acidente de carro em 1954 na Califórnia. Ele estava retornando para Los Angeles de uma viagem a Las Vegas. Ele perdeu seu olho esquerdo no acidente, obrigando-o a usar um tapa-olho durante vários meses.

Mais tarde ele colocou um olho de vidro, que ele usou para o resto de sua vida.

Enquanto esteve no hospital após o acidente, um amigo compartilhou com ele as semelhanças entre as culturas judaica e negra. Davis converteu ao judaísmo depois de ler “Paul Johnson, A História dos Judeus”, enquanto esteve no hospital.

Casamento:

Sammy se casou com sua primeira esposa, Loray Branco, em 1958, mas os dois se divorciaram no ano seguinte. Em 1960, ele causou polêmica ao se casar com May Britt, uma atriz branca. (Ele recebeu mensagens de ódio, enquanto estrelava Golden Boy).

O casal teve uma filha e adotaram dois filhos. O casal se divorciou em 1968,  Sammy admitir ter tido um affair com a cantora Lola Falana.

Logo após seu segundo divórcio, Sammy começou a namorar Altovise Gore, uma  bailarina. Eles adotaram um filho, e permaneceram casados até Sammy morrer em 1990.

Mais tarde, a vida e a morte:

Sammy teve bom desempenho em 1980, mas sua saúde piorou devido à bebedeira e uso de drogas. Ele atuou em dois filmes com Dean Martin e também no filme “Tap”, com Gregory Hines. Ele viajou em turnê com Frank Sinatra e Dean Martin.

Sammy foi diagnosticado com câncer na garganta, mas recusou-se a uma cirurgia, que poderia ter salvado sua vida. Davis disse aos médicos que ele preferia manter a sua voz do que ter uma parte de sua garganta removida. Ele morreu em 1990.

Durante uma carreira dançando abrangendo mais de 30 anos, Enrico Cecchetti dançou extensivamente em países como os Estados Unidos, Inglaterra, Dinamarca, Noruega, Alemanha e Rússia. Ele criou o duplo papel de Carabosse e o Bluebird em “A Bela Adormecida” e foi considerado uma revolução para a imagem do bailarino na Rússia nas duas últimas décadas do século XIX.

Cecchetti em 1887 foi nomeado mestre de balé do Ballet Imperial Russo e em 1892 assumiu o cargo de professor da Escola Imperial de Dança em São Petersburgo. Ele se tornou mestre de ballet da Escola de Dança Imperial, Varsóvia em 1902 e, posteriormente, se juntou ao Ballets Russes de Serge Diaghilev como professor e mestre de ballet.

A influência do Maestro foi significativa e ele trabalhou com bailarinos e coreógrafos de renome, como Mathilda Kchessinska, Preobrajenska Olga, Anna Pavlova (a quem ele ensinou privadamente 1907-1910), Tamara Karsavina, Michael Fokine, Adolf Bolm, George Balanchine, Nijinsky e Leonide Massine.

Em 1918 Cecchetti começou a se cansar das viagens e, juntamente com sua esposa, fundou uma escola em Londres. Sua formação foi fundamental para as obras de Ninette de Valois, Marie Rambert, Frederick Ashton e Antony Tudor e ainda é reconhecível em obras de David Bintley e outros coreógrafos de ballet contemporâneo. Alicia Markova era uma de seus muitos alunos.

Cecchetti retornou à Itália e em 1925, a pedido do maestro Arturo Toscanini, dirigiu a escola de balé do Teatro La Scala, em Milão, onde tinha dançado cinqüenta e cinco anos antes. Aqui ele ensinou Serge Lifar, que se tornaria uma figura de destaque na evolução do ballet moderno francês.

Enrico Cecchetti morreu em arreios, ensinando no La Scala, de Milão, na sua Itália em 1928 – deixando sua herança para a dança – o seu método de treinamento.

O método Cecchetti foi codificado e publicado em 1922.

Escola Vaganova

Uma das instituições mais prestigiadas do mundo no ensino da dança clássica acadêmica. Ela foi fundada no ano de 1.741, em São Petersburgo (Rússia) pela Imperatriz Anna e dirigida pelo maestro Jean Baptiste Lande. Outros professores foram Franz Esciela Hilferding e Giovanni Canzanni.

O primeiro professor foi o russo Ivan Valverg mas como destaque também estão os mestres franceses Charles Louis Didelot, Jules Perrot e Saint Arthur-Leon. Em 1847, a escola alcançou o francês Marius Petipa, que teve influência na evolução da escola para criar mais de 46 ballets originais, muitos dos quais permanecem até hoje no repertório da companhia. Bailarinos e professores italianos também foram muito importantes para a escola, como Enrico Cechetti, Carlotta Brianza e Pierina Legnani.

Todo ano a escola faz testes para receber novos alunos. As provas são muito exigentes, realizada em junho e os candidatos têm entre 9 e 10 anos. Os testes são divididos em três blocos:

Habilidades físicas (proporções, impulsão, en dehors …)

O exame médico: a saúde física e mental é fundamental para um bom bailarino.

Musicalidade, ritmo, coordenação e talento artístico.

Depois de passar estes testes são iniciados 8 anos de estudo, em que a educação inclusiva lhes dá. O currículo é complementado por disciplinas como francês, piano, história da dança, dança caráter, danças históricas, pas de deux ou mímica. O elenco é composto por professores qualificados de dança, piano, educação geral e pianistas. Ao final de oito anos de estudo os alunos de graduação fazem um exame completo no palco do Mariinsky.

Dia 14 de setembro de 2009, perdemos Patrick Swayze.

Patrick começou sua carreira como bailarino. Sua mãe, Patsy Swayze era professora num estúdio de dança, em Simi Valley, CA. Patrick freqüentou aulas há anos e tornou-se um excelente bailarino. Ele adorava dançar, e isso significa muito pra ele. Junto com a dança, veio a vontade de interpretar. Todos nós assistimos cada papel no filme escolhido, assistimos atentos a sua paixão, determinação e talento.

Patrick casado com a bailarina Lisa Niemi, que ele conheceu na escola de artes cênicas. Lisa realmente foi a bailarina principal da escola que a mãe de Patrick dava aulas. Não muito tempo depois de conhecer Lisa, ele decidiu se mudar para Nova York para se tornar um bailarino. Mais tarde, ela foi para Nova York também e eles foram morar juntos. Swayze pediu Lisa em casamento não muito tempo depois. Ele sempre dizia que ela era uma bailarina muito melhor do que ele …

Foi Lisa que o convenceu a assumir o papel de “Dirty Dancing”, filme que o lançou para o estrelato. Ele trouxe a dança ao público através de Dirty Dancing, e foi amplamente recebido diferentemente pelos produtores, que não achavam Patrcik tão talentoso assim. E em apenas uma semana depois da estreia do filme foi feita a versão para o teatro que se transformou em um sucesso de bilheteria.

Em 1990, Patrick estrelou no papel principal do filme “Ghost”, contracenando com Demi Moore. Ele também escreveu a canção para o filme Dirty Dancing “She’s Like the Wind”, que atingiu o topo das paradas também. Então, em 1994, Patrick e sua esposa Lisa, interpretaram uma coreografia montada por eles no World Music Awards. Patrick e Lisa enquanto dançavam eram extremamente graciosos, sinceros e tecnicamente perfeitos – eles se tornavam um em suas danças.

Todo este tempo Patrick e sua esposa Lisa sonhavam em fazer juntos um filme de dança. Eles decidiram colocá-lo em produção em 2003 e foi “A Última Dança”. As coreografias de Patrick e Lisa foi o grande destaque nesse filme. E até antes de sua morte Patrick participava de seriados na TV.

Infelizmente perdemos o bailarino, o artista e a pessoa Patrick Swayze. O seu trabalho mudou o mundo da dança e vai continuar influenciando esse mundo por muito tempo. Todos os nossos corações estão com o bailarino, elegante e talentoso, e viúva de Patrick Lisa Niemi. Podemos apenas esperar que seu coração viva na dança de cada um de nós. Descanse em paz Patrick Swayze.

Aqui um momento inesquecível do nosso ídolo Patrick. Cena final do filme “Dirty Dancing”.

Martha Graham mudou a dança para sempre. Ela Trouxe ao mundo da dança uma era do movimento moderno e realismo. Martha é considerada uma das principais pioneiras da dança moderna. Graham preparou um caminho para o mundo da dança como nenhum outro. Ela dançou e coreografou para toda sua vida e recebeu vários prêmios como a chave da cidade de Paris e o Imperial Ordem da Coroa Preciosa no Japão. Ela foi a primeira bailarina a se tornar uma embaixadora cultural, a realizar na Casa Branca e ao ser atribuídas a Medalha da Liberdade, o maior prêmio civis.

Martha Graham nasceu dia 11 de maio de 1894 em Allegheny, Pensilvânia em uma família Presbiteriana. Martha era a mais velha dos seus irmãos, seu pai trabalhava no campo da psiquiatria e sua mãe sempre cuidando da família. Quando Martha completou 14 anos, sua família decidiu mudar para a Califórnia para a cidade de Santa Barbara em busca de uma cura para suas crises respiratórias.

Dois anos mais tarde, com 16 anos, Martha encontrou por interesse próprio a dança. Ela viu um cartaz de uma Cia de Dança em Los Angeles por Ruth St. Denis e ela foi assistir. A performance foi uma revelação para ela, ela decidiu naquele momento que queria dedicar sua vida a dança. Sua família não ficou feliz com a notícia, que esperavam que sua filha exercesse uma maior ocupação, como um médico, advogado ou cientista. Ela não teve escolha, porém, ela teve que dançar.

Neste momento, o alto perfil da dança no mundo consistia principalmente de balé e burlesco / vaudeville e folclore. Mas Marta não estava interessada nessas disciplinas, ela só lembrava de Ruth St. Denis, uma dança que foi pioneira começa a redefinir o conceito de dança americana. Denis na dança tinha um fluxo natural, e ela dançava com pés descalços. Como Isadora Duncan foram construindo as bases do que viria a adaptar Graham. No entanto as suas influências foram importantes para o desenvolvimento da Martha; os seus progressos na dança foram pequenos em comparação com o que viria a criar Martha.

Com 20 anos, Martha se matriculou na própria Denishawn Dance School, e começou a estudar com Ruth St. Denis e Ted Shawn. Quando ela entrou na escola, escutou que estava velha para começar. Martha não se deixou desanimar com dedicação em sua arte e sua paixão, a levou para um trabalho extremamente difícil, e ela foi capaz de formar o seu corpo com grande precisão.

Graham foi uma das melhores dançarinas e foi aceita na sociedade. Eles visitaram, durante anos, e ela decidiu então, a certa altura, que era para ir para Nova York para mais oportunidades. Ela se tornou uma dançarina da Broadway com Greenwich Village Follies. Na idade de 30 anos ela tomou uma posição de instrutora na Eastman School of Music, onde se tornou um diretor de sua marca a nova dança. Ela teve prazer em ensinar, mas teve problemas com a burocracia da escola.

Ela decidiu então coreografar algumas danças e criou uma cia de dança. Em 1926 estreou seu primeiro show. Como ela continuou a coreografar, suas danças começaram a ficar cada vez mais revolucionárias. Sua descoberta foi em 1929 com “Heretic” e em 1930 em “Lamentation”.

O trabalho inicial de Graham não foi bem recebido pelo público. Eles desejavam ir para a Broadway ou o balé para animá-los, para se divertir, não para pensar e sentir. Marta não estava fornecendo o tipo de dança que divertia o público. Ela estava usando a dança mais como uma terapia ou uma cobaia em seu mundo de caos emocional e paixão. O estilo de Martha foi infundido com fortes, precisos e circulação da energia cobrada contrações abdominais, bem como controlados caindo e subindo. Ela realmente desprezou o termo “dança moderna”, que preferia que ela preferiu o termo “dança contemporânea”. Sua idéia era que o conceito de “moderno” era constantemente em evolução e, portanto, não era correto como uma definição.

Martha, em seguida, dirigiu o departamento de dança na Universidade de Nova York e mais tarde se tornou uma das fundadoras da Julliard, agora uma proeminente Universidade das Artes.

Graham casou em 1948, com Erick Hawkins Então a mãe dela faleceu em Santa Barbara, em 1958.

Durante a maior parte da sua vida Graham não permitia a filmagem ou fotografia das suas danças. Raramente ela autorizava e é por isso que somos capazes de ver suas obras hoje.

Martha continuou dançando bem até os seus 60 anos, mas ela ficou deprimida com o seu corpo e se afundou em álcool, em desespero.

Graham era tão apaixonada pela dança que ela não deixou o palco embora os críticos disseram que ela já estava ultrapassada. Quando a voz dos críticos cresceu, Graham se aposentou dos palcos. Seu desempenho final foi quando ela tinha 76 anos.

Matha Graham faleceu no dia 1 de abril de 1991.

Merce Cunningham, nascido em Centralia, Washington, começou suas aulas de dança e teatro na Escola Cornish (agora Cornish Colégio das Artes), em Seattle. De 1939 a 1945, ele era um solista da companhia de Martha Graham. Ele apresentou o seu primeiro solo com a Nova Iorque John Cage, em Abril de 1944. Merce Cunningham Dance Company foi formada no Black Mountain College, no Verão de 1953. Desde então Cunningham coreografou quase 200 obras de sua empresa. Em 1973 ele coreografou Un jour para o Ballet da Ópera de Paris, com música de John Cage e design por Jasper Johns. O Ballet da Ópera de Paris foi também realizado um revival em 1990. Seu trabalho também foi apresentado pelo New York City Ballet, American Ballet Theatre, Ballet Boston, White Oak Dance Project, Pacific Northwest Ballet, Pennsylvania Ballet, Ballet Zurique, e Rambert Dance Company (Londres), entre outros.

Cunningham trabalhou extensivamente em filme e vídeo, em colaboração com Charles Atlas primeiro e mais tarde com Elliot Caplan. Em 1999, com a Atlas foi retomado com a produção do documentário Merce Cunningham: Uma Vida de Dança. Em 2004/2005 eles colaboraram novamente em uma nova peça cuja forma final é, em duas versões. Esta foi financiada por uma subvenção de The Andrew W. Mellon Foundation; novos projetos ao abrigo deste subsídio inclui filmes de Split Sides (2003) e Oceano (1994, reviveu 2005). Cunningham tem interesse na tecnologia contemporânea, levou-o a trabalhar com o programa de computador DanceForms, que ele tem usado na tomada de todas as suas danças desde Trackers (1991). Em 1997 ele começou a trabalhar no movimento captura com Paul Kaiser e Shelley Eshkar de leito de rio Media para desenvolver a decoração para bípede, com música de Gavin Bryars, realizados pela primeira vez em 1999 no Zellerbach Hall, Universidade da Califórnia em Berkeley. Outro grande trabalho, Interscape, em 2000, Cunningham reunificado com o seu início colaborador Robert Rauschenberg, que projetou tanto decoração e figurinos para a dança, que tem música de John Cage.

“Se um dançarino-dança que não é o mesmo que ter teorias sobre dança ou que desejam dançar ou está tentando dançar ou recordar em seu corpo de outra pessoa, mas dança-se a dançarina dança, está tudo lá. . . Nossa dança em êxtase vem do possível dom da liberdade, o emocionante momento em que esta exposição nua da energia nos pode dar. O que se entende não é licença, mas liberdade. . “.

Merce Cunningham (1952)

Em Agosto de 2001 Merce retornou ao palco nas apresentações teatrais de John Cage, no Festival de Edimburgo, com compromissos em Berlim, Champaign-Urbana (Illinois), Berkeley, Califórnia, e Perth, Austrália Ocidental. No relançamento da Como Pass, Kick, Fall e Run (1965), realizados pela primeira vez no Lincoln Center Festival 2002 no New York State Theater, Merce Cunningham, juntamente com David Vaughan, lia as histórias de acompanhamento por John Cage. Na temporada 2002-03 a Merce Cunningham Dance Company celebrou o seu 50 º aniversário, começando com performances em 2002 o Lincoln Center Festival em Nova York, e terminando no Brooklyn Academy of Music’s Next Wave Festival, em outubro de 2003, quando um novo trabalho com música por duas bandas de rock, Radiohead e Sigur Ros, Split Sides, foi apresentada. A decoração foi feita por Robert Heishman os fotógrafos e Catherine Yass, com figurinos de James Hall e iluminação por James F. Ingalls. No Verão de 2005 MCDC novamente apareceu no Lincoln Center Festival, apresentando um relançamento do trabalho Oceano 1994. Cunningham do último trabalho, eyeSpace, foi apresentado no Joyce Theater em Nova Iorque, em Outubro de 2006.

Em outubro de 2005 recebeu o Merce Cunningham Praemium Imperiale em Tóquio. Outras homenagens e prêmios incluem: a Dorothy e Lillian Gish Prize (2000); o Handel Medalhão da Prefeitura da Cidade de Nova Iorque (1999); o Bagley Wright Fundo Instituído Artistas Award, Seattle (1998); a Nellie córnico Artes Achievement Award de sua alma mater, Cornish Colégio das Artes, Seattle (1996); o Golden Lion a Bienal de Veneza (1995); e os Wexner Prémio do Wexner Center for the Arts na Ohio State University, Columbus (com John Cage, postumamente, 1993). Cunningham também foi um destinatário da Medalha Nacional de Artes, em 1990, e do Kennedy Center Honors, em 1985, ano em que ele também recebeu um prêmio Laurence Olivier, em Londres, e um MacArthur Fellowship. Na França, ele foi feito Comendador da Ordem das Artes e das Letras em 1982 eo primeiro Chevalier (1989) e, em seguida, Officier (2004) da Légion d’Honneur. Cunningham tem colaborado em dois livros sobre sua obra: Changes: Notas sobre Coreografia, com Francisca Starr (Something Else Press, New York, 1968), e The Dancer e da Dança, entrevistas com Jacqueline Lesschaeve (Marion Boyars, Nova York e Londres, 1985). Este último, publicado originalmente em francês, também tem sido traduzido para o alemão e italiano. Merce Cunningham / Dançando no espaço e no tempo, uma coleção de ensaios críticos editado por Richard Kostelanetz (segunda edição), foi publicado em 1998 pela Da Capo Press. Merce Cunningham: Cinqüenta Anos, crônicas e comentários por David Vaughan, arquivista da Cunningham Dance Foundation, foi publicado em 1997 pela Aperture e tradução em francês por Edições Plume. Um suplemento digital (CD-ROM), intitulado Merce Cunningham: Cinqüenta Reencaminhar foi produzido pela Cunningham Dance Foundation, em 2005. Aperture publicado um livro de Cunningham’s desenhos e revistas, sob o título de outros animais, na Primavera de 2002.

Uma grande exposição sobre o seu Cunningham e colaborações, curadoria de Germano Celant, foi visto na Fundació Antoni Tàpies de Barcelona em 1999 e, posteriormente, na Fundação de Serralves, Porto, Portugal, 1999; o Museu Ludwig Stifftung Moderner Kunst, Viena, 2000; e o Museo d’Arte Contemporanea, Castello di Rivoli, Turim, 2000. Um trio de exposições dedicada a John Cage, Robert Rauschenberg, e Merce Cunningham, curada por Ron Bishop, foram mostrados na Primavera de 2002 na Galeria de Belas Artes, Edison College, Fort Myers, Flórida. Merce Cunningham: Dança na ponta, uma exposição de concepção recente para MCDC, aberta no Museu de Arte Contemporânea, North Miami, em janeiro de 2007. A maior exposição Invenção: Merce Cunningham & Colaboradores na Biblioteca Pública de Nova York para as Artes Cênicas será encerrada em 13 de outubro de 2007.