Os Primeiros Anos:

Samuel (Sammy) Davis, Jr. nasceu em Harlem, Nova Iorque, em 08 de dezembro de 1925. Seu pai, Sammy Davis, Sr, e sua mãe, Elvera Sanchez, foram bailarinos. Sammy foi criado por sua avó paterna. Quando ele tinha três anos de idade, seus pais separaram.

Sammy Davis, teve a custódia de seu filho e levou-o ao longo de uma turnê.

Sammy aprendeu a dança com seu pai e seu tio, Will Mastin. Aos quatro anos de idade, Sammy se juntou ao seu pai e seu tio em um ato, “Gang Will Mastin, caracterizando Little Sammy.” Mais tarde os três ficaram conhecidos como o “Will Mastin Trio”.

Preconceito Racial:

Sammy serviu no Exército dos Estados Unidos durante a Segunda Guerra Mundial, mas foi confrontado pelo preconceito racial forte.

Esse preconceito racial continuou durante toda sua carreira, mas ele aprendeu que estar no centro das atenções fez com que alguns dos preconceitos fossem desaparecendo.

 Ele disse uma vez: “Meu talento era a arma, o poder, o caminho para me combater. Era a maneira para eu conseguir afetar o pensamento de um homem.”

Após seus anos no exército, Sammy começou a alcançar o sucesso com sua carreira como artista.

Em 1959, tornou-se um membro do “Rat Pack”, liderado por Frank Sinatra, e incluia artistas como Dean Martin e Shirley MacLaine.

Sucesso:

A carreira de Sammy  deslanchou em meados dos anos 1950. Ele apareceu na Broadway em 1956, Mr. Wonderful, um grande sucesso. Ele também fez aparições no Ed Sullivan Show.

Em seguida, ele estrelou em dois dramas de Anna Lucasta (1958) e A Man Called Adam (1966).  Apareceu novamente em 1964 na Broadway Golden Boy. Em 1972, Davis fez um No. 1 hit no Top 40 charts com “Candy Man”.

Sammy também gostava de televisão e, ocasionalmente, aterrou papéis na televisão, incluindo aparições na série de sucesso, “All in the Family”.

Acidente de carro:

Sammy quase morreu em um acidente de carro em 1954 na Califórnia. Ele estava retornando para Los Angeles de uma viagem a Las Vegas. Ele perdeu seu olho esquerdo no acidente, obrigando-o a usar um tapa-olho durante vários meses.

Mais tarde ele colocou um olho de vidro, que ele usou para o resto de sua vida.

Enquanto esteve no hospital após o acidente, um amigo compartilhou com ele as semelhanças entre as culturas judaica e negra. Davis converteu ao judaísmo depois de ler “Paul Johnson, A História dos Judeus”, enquanto esteve no hospital.

Casamento:

Sammy se casou com sua primeira esposa, Loray Branco, em 1958, mas os dois se divorciaram no ano seguinte. Em 1960, ele causou polêmica ao se casar com May Britt, uma atriz branca. (Ele recebeu mensagens de ódio, enquanto estrelava Golden Boy).

O casal teve uma filha e adotaram dois filhos. O casal se divorciou em 1968,  Sammy admitir ter tido um affair com a cantora Lola Falana.

Logo após seu segundo divórcio, Sammy começou a namorar Altovise Gore, uma  bailarina. Eles adotaram um filho, e permaneceram casados até Sammy morrer em 1990.

Mais tarde, a vida e a morte:

Sammy teve bom desempenho em 1980, mas sua saúde piorou devido à bebedeira e uso de drogas. Ele atuou em dois filmes com Dean Martin e também no filme “Tap”, com Gregory Hines. Ele viajou em turnê com Frank Sinatra e Dean Martin.

Sammy foi diagnosticado com câncer na garganta, mas recusou-se a uma cirurgia, que poderia ter salvado sua vida. Davis disse aos médicos que ele preferia manter a sua voz do que ter uma parte de sua garganta removida. Ele morreu em 1990.

Dia 14 de setembro de 2009, perdemos Patrick Swayze.

Patrick começou sua carreira como bailarino. Sua mãe, Patsy Swayze era professora num estúdio de dança, em Simi Valley, CA. Patrick freqüentou aulas há anos e tornou-se um excelente bailarino. Ele adorava dançar, e isso significa muito pra ele. Junto com a dança, veio a vontade de interpretar. Todos nós assistimos cada papel no filme escolhido, assistimos atentos a sua paixão, determinação e talento.

Patrick casado com a bailarina Lisa Niemi, que ele conheceu na escola de artes cênicas. Lisa realmente foi a bailarina principal da escola que a mãe de Patrick dava aulas. Não muito tempo depois de conhecer Lisa, ele decidiu se mudar para Nova York para se tornar um bailarino. Mais tarde, ela foi para Nova York também e eles foram morar juntos. Swayze pediu Lisa em casamento não muito tempo depois. Ele sempre dizia que ela era uma bailarina muito melhor do que ele …

Foi Lisa que o convenceu a assumir o papel de “Dirty Dancing”, filme que o lançou para o estrelato. Ele trouxe a dança ao público através de Dirty Dancing, e foi amplamente recebido diferentemente pelos produtores, que não achavam Patrcik tão talentoso assim. E em apenas uma semana depois da estreia do filme foi feita a versão para o teatro que se transformou em um sucesso de bilheteria.

Em 1990, Patrick estrelou no papel principal do filme “Ghost”, contracenando com Demi Moore. Ele também escreveu a canção para o filme Dirty Dancing “She’s Like the Wind”, que atingiu o topo das paradas também. Então, em 1994, Patrick e sua esposa Lisa, interpretaram uma coreografia montada por eles no World Music Awards. Patrick e Lisa enquanto dançavam eram extremamente graciosos, sinceros e tecnicamente perfeitos – eles se tornavam um em suas danças.

Todo este tempo Patrick e sua esposa Lisa sonhavam em fazer juntos um filme de dança. Eles decidiram colocá-lo em produção em 2003 e foi “A Última Dança”. As coreografias de Patrick e Lisa foi o grande destaque nesse filme. E até antes de sua morte Patrick participava de seriados na TV.

Infelizmente perdemos o bailarino, o artista e a pessoa Patrick Swayze. O seu trabalho mudou o mundo da dança e vai continuar influenciando esse mundo por muito tempo. Todos os nossos corações estão com o bailarino, elegante e talentoso, e viúva de Patrick Lisa Niemi. Podemos apenas esperar que seu coração viva na dança de cada um de nós. Descanse em paz Patrick Swayze.

Aqui um momento inesquecível do nosso ídolo Patrick. Cena final do filme “Dirty Dancing”.

Quando um cinéfilo pensa em Vincente Minnelli, a primeira palavra que lhe vem à cabeça é “estilo”. O estilo desse diretor foi espetacular, visualmente muito rico, mas sem ser vulgar, e extremamente detalhista. “na verdade, tudo me inspira”, afirmou em diversas ocasições. Entretanto, a maior de suas influências foi a pintura, especialmente a surrealista, a que recorreu tanto para a valorização dos objetos como para a descrição dos perswonagens; também vem daí o uso expressivo das cores e temas. Um bom exemplo é a utilização que faz dos sonhos, comuns em seus filmes.

Vincenti Minnelli herdou da família o gosto pelo espetáculo. Os pais e o tio possuíam uma companhia de teatro itinerante (The Minnelli Brothers Tent Show), que sobrevivia graças às apresentações pelo meio-oeste dos EUA. Nascido em Chicago no dia 28 de Fevereiro de 1910, Minnelli atuou como Little Willie em vários espetáculos familiares, até que, em 1925, a família se instalou em Delaware, onde o futuro cineasta estudou enquanto trabalhava, como aprendiz, para um pintor publicitário. De volta a sua Chicago natal, começou a trabalhar, ainda muito jovem, como diretor de arte e figurinista para a rede de teatros Baladan e Katz, quando chega a diretor de cena. Aos 21 anos, nocomeço da década de 30, mudou-se para Nova York para trabalhar, primeiro no Radio City Musica Hall e, a partir de 1935, na Broadway. Foi lá que se especializou em musicais.

Foi a Hollywood pela primeira vez em 1937, com um contrato de produção junto a Paramount. Este seria seu primeiro contato com o cinema, que terminaria com o retorno à Broadway depois de brigar com os produtores do estúdio e ver seu amigo George Gershwin morrer de um tumor cerebral descoberto tardiamente. Em Nova York, a carreira de Minnelli continuou em ascensão, e três anos mais tarde recebeu uma proposta da Metro Goldwyn Mayer, por intermédio do produtor Arthur Freed (união que duraria mais de duas décadas). Mudou-se definitivamente para Hollywood, e durante os dois primeiros anos trabalhou em diversos setores do estúdio, até que finalmente dirigiu seu primeiro filme em 1942: “Uma Cabana no Céu”.

Apesar de ser lembrado especialmente pelos seus musicais “Agora Seremos Felizes” (1944), “Ziegfeld Follies” (1946), “Sinfonia de Paris” (1951), “A Roda da Fortuna” (1953) e “A Lenda dos Beijos Perdidos” (1954), a obra de Minnelli é uma das mais variadas do cinema hollywoodiano. Nela encontramos comédias como “O Pai da Noiva” (1950), “Teu Nome é Mulher” (1957), “Um Amor de Outro Mundo” (1964); os dramas – “Chá e Simpatia” (1956), “Deus Sabe Quanto Amei” (1958), “A Herança da Carne” (1960), “Os Quatro Cavaleiros do Apocalipse” (1961), “Adeus às Ilusões” (1965); biografias como “Sede de Viver” (1956) -, crônicas de Hollywood em “Assim Estava Escrito” (1952), “A Cidade dos Desiludidos” (1962); adaptações de clássicos literários “A Sedutora Madame Bovary” (1949), “Gigi” (1958) e até mesmo thrillers como “Correntes Ocultas” (1946) e “Paixões sem Freios” (1955).

Casou-se quatro vezes, a última delas em 1980. de seu relacionamento com a atriz Judy Garland, o mais famoso, turbulento e comentado dos quatro, nasceu em 1946 a também atriz e cantora Liza Minnelli.

De pai francês e mãe americana, Leslie Claire Margaret Caron nasceu em Boulogne-sur-Seine, perto de Paris, no dia 1º de Julho de 1931, e começou a dançar aos dez anos. Estudava dança no Conservatório de Paris quando foi descoberta por Gene Kelly, no Ballet dês Champs Élysées. Kelly posteriormente lhe proporia ser seu par em “Sinfonia de Paris” (1951), e graças a essa estreia espetacular assinou pouco depois um contrato com a MGM.

Delicada e encantadora, imediatamente conseguiu protagonizar musicais e comédias: “Escravo de um Segredo” (1952). “Lili” (seu primeiro trabalho com o diretor Charles Walters e que lhe valeu uma indicação ao Oscar, em 1953), “A História de Três Amores” (1953), “Papai Pernilongo” (1955), “O Sapatinho de Cristal” (1955), e “Gigi” (1958). Na década seguinte ampliou seu repertório com interpretações fortes de dramas como “Os Subterrâneos da Noite” (baseado no romance de Jack Kerouac, 1960), e “Fanny” (versão hollywoodiana de uma peça do francês Marcel Pagnol) e “A Mulher que Pecou” (feito em 1962, provavelmente seu melhor trabalho e sua segunda indicação ao Oscar, na cerimônia de 1964). No começo dos anos 70 regressou à Europa, onde trabalhou durante duas décadas com diretores do prestígio de François Truffaut (“O Homem que Amava as Mulheres”), Ken Russell (“Valentino, o Ídolo e o Homem”), Louis Malle (“Perdas e Danos”) e Krzysztof Zanussi (“Contrato”). Em 1996 saiu de seu retiro para participar de “Rir É Viver” (1995), com Jerry Lewis e Oliver Reed, “Chocolate” (2000), “À Francesa” (2003) e “Cris & Don, Uma História de Amor” (2007).

Comprou o hotel La Lucarne aux Chouettes, em Villeneuve-sur-Yonne (a uns cem quilômetros de Paris) em 1997 e o gerencia desde então, distante definitivamente do mundo do cinema. Entre seus múltiplos amores, conta-se também o furação Warren Beatty.

Nasceu em Tacoma, Wa. em 2 de maio de 1903.

Bing Crosby permanece hoje sendo um dos mais bem sucedidos artistas da música de todos os tempos com recorde de vendas estimadas em centenas de milhões de pessoas em todo o mundo. Crosby teve inúmeras filiações incluindo jazz com seu primeiro grupo vocal, The Rhythm Boys, mas é normalmente classificado como uma figura da música pop. Seja como for, ele continua associado com jazz através de suas muitas aparências com jazz greats, através do seu amor à música de jazz, e através do seu cantar em várias swinging jazz.

O apelido “Bing” veio desde a mais tenra idade e é apelido para “Bingo”, um personagem do desenho “As Bingville Corneta”, que ele gostava de ler como uma criança. Crosby nunca estudou música a sério. Ele foi abençoado com uma naturalmente quente, profunda, ressonante voz, e aprendia as músicas que quase por osmose.  No início dos anos 30′s Crosby’s volta com o jazz greats.  

O talento das pessoas que ele admirava definitivamente afetava o seu estilo. Ralph Gleason um escritor observou o Jazz de Bing uma vez e descreveu como “a personificação de todo o movimento Jazz – a descontraída, casual, natural, desinibida abordagem à arte.” O mesmo se aplica a descrição parecia Crosby o como homem também.

Crosby participou Colégio Gonzaga, em Spokane brevemente conseguiu uma graduação. Enquanto estava na faculdade ele conheceu Al Rinker, meio irmão de Mildred Bailey. Os dois formaram um grupo com Bing tocando tambores e cantando. Eles visitaram o vaudeville circuito de LA em 1927 e ingressou na banda Paul Whiteman, onde os dois foram logo tocar com outro vocalista masculino Harry Barris. Como o trio vocal conhecido como The Rhythm Boys logo foi alcançado a popularidade nacional através das suas gravações não só com a orquestra Whitman, mas com Bix Beiderbeck e Frankie Trumbaur em 1928 e os irmãos Dorsey orquestra em 1929. O trio ainda cortar um recorde em 1930 com a Duke Ellington Orchestra chamados Três Pequenas Palavras.

Depois de fazer o filme “O Rei do Jazz”, com Whiteman, Crosby deixou a banda para trabalhar sozinho. Ocasionais gravações de jazz, pop, entre sessões, trabalhos em rádio e cinema , seguido com Don Redman, em 1932, Louis Armstrong e Jimmy Dorsey, em 1936, Jack Teagarden em 1941, irmão Bob Crosby em 1942, Louis Jordan, em 1944, Eddie Heywood em 1945 e, mais tarde muitas sessões e aparências novamente com Louis Armstrong e com bandas Dixieland liderado por Bob Scobey, Bob Haggart et al.

Ele se tornou uma sensação overnight de perto com carreira solo, em 1932 através de uma série de aparições na rádio e quebrando um recorde em Nova Iorque no palco da famosa Paramount Theatre. 1932 também trouxe com ele a sua aparição em um filme chamado “The Big Broadcast”, onde apresenta o seu tema musical, uma na qual ele co escreveu, chamado “Onde o azul da Noite atende O Ouro do dia.” A canção se tornou a sua música de identificação e foi ouvida por muitos anos.

Pouco antes do envolvimento americano na Segunda Guerra Mundial Crosby começou um dos capítulos mais populares da sua carreira. Após três grandes sucessos musicais, no início 1940 ele fez o primeiro dos sete clássicos “Road”, uma das mais bem sucedidas da história da série em filmes, começando com “The Road to Singapore” também estrelando Bob Hope e Dorothy Lamour.

Bing gravou o maior hit de todos os tempos, na Primavera de 1942. “White Christmas” foi lançado em outubro do ano e se manteve no topo das tabelas durante o período de 1942. “White Christmas” foi reeditada em torno do Natal de cada ano, para quase 20 anos e a canção se tornou a mais vendida de todos os tempos, realizando um inédito 30 milhões de cópias, um marco inigualável durante quase 50 anos.

Bing ganhou um Oscar de Melhor Ator por seu retrato do Padre O’Malley em “Going My Way”, em 1944. Ele se tornou o primeiro cantor popular ao alcançar o prêmio. Ele foi nomeado novamente para “os sinos de Saint Mary’s” em 1945 e “The Country Girl”, em 1954. “Verdadeiro amor”, com Frank Sinatra e Grace Kelly foi outro golpe.  Lançada em 1956 a trilha sonora continha o Armstrong – Crosby dueto de “Agora você tem Jazz”.

Bing encontrava-se na invejável posição de fazer dois de seus passatempos favoritos mais do que simples recreação. Sua paixão pelo golfe fez com que ele construisse Crosby Golf Tournament, que ele fundou em 1937, continua a gerar milhões de dólares para caridade hoje.

Os registros de 1600 músicas feitas por Crosby, durante o seu cinqüenta e um anos de carreira como vocalista, nunca foram paralelo. Bing vendeu 500 milhões de cópias durante sua carreira perdendo  apenas para Elvis Presley. Cantou em 4000 mostra de rádio de 1931 a 1962 e apareceu em 100 filmes. Ele apareceu em 300 programas de televisão a partir de 1948 através de 1977. Gravou um especial de Natal antes de seu colapso e morte súbita em 14 de outubro de 1977!

O seu nome, Cole Porter, é o sobrenome de seus pais, Kate e Sam Cole Porter.

Kate Cole nasceu em 1862. Kate sempre teve a melhor roupa, a melhor educação, e a melhor formação em dança e música. O pai de Kate queria que ela casasse com um homem com uma forte experiência empresarial, uma forte personalidade, e do potencial de uma boa carreira. Mas Kate casou com alguém que foi muito pelo contrário – um tímido droguista da sua pequena cidade do Peru, Indiana.

O casal casou sem o pleno consentimento dos pais, mas ele apoiou financeiramente o seu casamento. Como um dos homens mais ricos de Indiana, ele não queria que sua filha fosse vista fazendo e usando as coisas certas sem temores financeiros. Então os pais de Kate financiaram o resto da vida de Sam e Kate, bem como a de seu filho nascido em 9 de junho de 1891: Cole Porter.

Cole aprendeu piano e violino aos seis anos de idade. Ele se tornou muito bom em ambos, mas ele do som áspero do violino e por isso a sua energia era mais voltada para o piano. Durante seus anos formativos, tocou piano duas horas por dia. Para Cole praticar, ele e sua mãe faziam paródias musicais populares sobre o piano, a fim de aumentar a paciência de Cole com essas longas sessões práticas.

Quando tinha 14 anos, seu empenho na escola era brilhante “para a sua idade” porque a sua idade foi mentida, ele tinha um ano a mais. Mas Kate queria que ele fosse sucesso sempre orquestras e financiava estudantes em troca de garantias de Cole Porter ter solo de violino. Ela também investia na publicação precoce das composições de Cole.

Cole compôs canções logo em 1901 (quando ele tinha dez anos), com uma canção dedicada à sua mãe, no piano, uma peça chamada Canção do Aves, divididos em seis seções com títulos como The Young Ones e The Cuckoo. A mãe garantiu que cem exemplares foram publicados para que a música pudesse ser enviadas para amigos e parentes.

Ele foi matriculado na Worcester Academy em 1905, onde foi louvado como o jovem que se tornou precoce. Há Cole reuniu uma influência importante na sua musicalidade, Dr. Abercrombie. Seu professor lhe ensinou sobre a relação entre as palavras e o interprete, e entre palavras e músicas em canções. Cole depois da citação do Ambercrombie nas aulas: “As palavras e a música deve ser tão inseparavelmente unido uns aos outros que eles são como um”.

A sua passagem pela escola de música reúne muitas aventuras, muitos musicais, bem como o estabelecimento de relações que ele desenvolveu para o resto de sua vida.

Foi durante os anos de Cole na Yale que ele descobriu sua homossexualidade, que provavelmente se tornou uma poderosa, se não totalmente pública, arma parte da sua vida. O Nas biografias de Cole Porter não revela provas convincentes de sua vida sexual gay depois colégio, para alguns isso pode ser parcialmente baseado em conclusões sobre Cole nas suas ligações gays logo após a faculdade. E talvez o número sobre o futebol da Yale que ele escreveu em sua faculdade e pós-colégio tendo se referindo aos grandes homens fortes, não eram inteiramente coincidência. Cole compõe várias produções por ano completo, além de canções individuais. Estes shows foram destinados principalmente para uma platéia da Yale.

Cole escreveu musicais para os clubes e associações de antigos alunos, o que permitiu Cole e seus amigos de visitarem o país e mostrarem o trablho. Algumas dessas ligações na escola foram útil quando ele começou sua carreira na Broadway. Ele deixou um legado na Yale com cerca de 300 canções, incluindo seis escala completa produções.

Seu primeiro show foi Broadway See America First, em 1916 foi um fiasco. Um crítico americano definiu como uma “classe alta do colégio mostra parcialmente tocada por profissionais”. Cole quis se esconder após o fracasso do show, mas ele realmente foi destaque no New York na cena social e continuou a viver no Yale Club, em Nova Iorque.

Em julho de 1917, mudou para Paris. Paris era um lugar onde Cole floresceu socialmente e conseguiu estar no melhor dos mundos possíveis. Isto permitiu-lhe viver seus dias e as noites como um rico americano em Paris, um socialite, e ainda ser considerado um “herói” ao voltar para casa, um “oficial” da história que incentivou todo o resto de sua vida. Mentindo servir o seu país na guerra como um militar.

Em 1919, Cole foi passar um tempo com a americana divorciada Linda Thomas. Os dois ficaram amigos rapidamente. A sua situação financeira e posição social também os fez candidatos ideais para o casamento – como um contrato de negócios, não por paixão. O fato do o ex-marido de Linda ser abusivo e Cole ser gay  fazia o arranjo ainda mais saboroso. Linda foi sempre uma das melhores defensoras da Cole e ser casado aumentou sua chance de sucesso, e Linda Cole permitiu isso para manter elevado o estatuto social para o resto da sua vida. Eles casaram em 19 de dezembro de 1919 e viveu uma feliz amizade, um relacionamento bem sucedido, mas um casamento assexuado até Linda morrer em 1954.

Após um início de sucesso com músicas como Don’t Fence Me In, que foi re-lançada em uma Guerra Mundial no musical chamado Hollywood Cantina, Cole assinou alguns contratos com a indústria cinematográfica. O primeiro filme com uma canção de Cole Porter foi A Batalha de Paris de 1929, mas suas duas músicas do filme tiveram pouco impacto sobre a sua carreira por causa do filme não ter sido muito bom no geral.

Em 1937, Cole foi envolvido em um acidente a cavalo e teve ambas as pernas fraturadas. Esta foi uma tragédia pessoal de um homem vaidoso que colocou um enorme valor no aspecto social e sexual para ambos os motivos. Sua energia vibrante e obsessão de manter a sua aparência não podia (na opinião dele) compensar um tal golpe em sua saúde e seu ego. Ele ficou no hospital durante meses, mas a sua saúde mental e física diminuiu. E pioraram com a eventual amputação de uma das suas pernas. Isto não impediu Cole de escrever música. Durante este período Cole escreveu canções populares como: Mais Cavalheiros, Não gosto de amor, De agora em diante, e Sair da cidade.

Em 1945, ele emprestou a sua permissão, mas mínima energia criativa para o filme Night in Day, supostamente sobre a vida de Cole Porter. Embora grande para o seu ego e, provavelmente engraçada para seus amigos, a história sofre uma vez que este filme tinha muito pouca relação com a própria vida de Cole Porter. O filme é propositalmente deixado de fora partes importantes da vida, como seu ser mimado e controlado na juventude, a sua vida homossexual, seu casamento assexuado de conveniência, o seu “negócio” casamento. Por exemplo, embora ele nunca tenha servido no Exército francês, o filme fielmente “mostrou” sua falsa guerra e lesões. Cole teve o privilégio de assistir Cary Grant desempenhar um a versão de si mesmo.

Após este ponto, ele tinha uma grande produção, Kiss Me Kate, que foi baseado no clássico Shakespeare. Cole foi muito cético dessa produção, mas acabou emprestado a sua mão para a produção e se tornou muito bem sucedido. Porter produzido menos bem produções bem sucedidas nos últimos dias, mas Cole escreveu canções para Can Can e Meias de seda durante este período.

Depois da sofrida amputação da perna direita em 1958. Cole teve uma baixa produtividade criativa, o seu poder social, e sua felicidade decairam. Ele faleceu em 15 de outubro de 1964. De acordo com seus desejos, os relatórios oficiais dizem que ele foi sepultado entre sua esposa Linda e seu pai Sam Porter. No entanto, talvez devido ao pouco relacionamento com seu pai no papel da sua educação, outros relatórios dizem que ele realmente foi enterrado entre sua mãe Kate e sua esposa Linda.

A popularidade das suas canções individuais durou muito além do conhecimento comum do próprio homem. Muitas de suas mais famosas canções foram apresentadas ao público apenas no contexto da música ou filmes. Outras famosas canções vêm de Cole Porter ou de musicais que falharam miseravelmente, mas fez a sua exposição através de gravações de cantores populares como Louis Armstrong e Ella Fitzgerald.

Ela nasceu Johnnie Lucille Collier em Houston Texas E.U.A. em 12 de abril de 1923. Ela começou dançar quando tinha apenas três anos. Depois os pais dela se divorciaram quando ela tinha cerca de dez anos, Miller, que é da Irlanda, França e Cherokee de ascendência, se mudou com sua mãe Clara para a Califórnia. Um caça talentos descobri ela lá no clube onde se apresentava, e no final dos anos 30 ela fez alguns filmes para o estúdio, incluindo novos rostos de 1937, a vida do Partido, Fase Door. Em 1938 ela foi emprestada a Columbia para o Frank Capra comédia “Você não pode tomá-lo com você” que ganhou o Oscar de melhor fotografia. Um ano mais tarde ela entusiasmada com a Broadway e teve sucesso por dançar “O Mexiconga”, acompanhada do Loo Irmãs e Ella Logan em George White. Durante o início dos anos 40 do que ela uma das poucas artistas vale lembrar em uma série de alguns filmes que incluiu Melody Ranch, Time Out de Ritmo, Go West Young Lady, Reveille com Beverly, What’s Buzzin ‘Cousin?. Jam Sessions, Carolina Blues, e Eadie foi um Lady. Ela dedicou-se a marinha, marinha e exército durante a Segunda Guerra Mundial. Em 16 de fevereiro de 1946 ela casou com Reese Milner, mas se divorciaram menos de um ano mais tarde, quando ela se jogou para baixo pelas escadas. Ann estava grávida no momento e perdeu a criança depois de duas horas do nascimento. O nome da menina foi Mary Ann Milner.

Em 1948, ela foi para a MGM para Easter Parade, onde desempenhou, em frente Judy Garland e Fred Astaire, uma menina Ziegfeld, Nadine Hale. Lá,ela teve destaques no filme, a dança solo número “Shakin ‘The Blues Away”. Seu desempenho no filme merecia uns sete anos de contrato com a MGM, e após realizar um frenético “Dança do Fury” com Ricardo Montalban e Cyd Charisse em A Kissing Bandit, juntou Frank Sinatra, Gene Kelly, Vera-Ellen, Betty Garret e Jules Munshin em Sobre a Cidade, um dos maiores Musicais de todos os tempos. Ela levou-os a todos uma bela dança ao redor do Museu de Antropologia da inteligente e divertido “Prehistoric Man”. Já com 30 anos de idade, Miller continuou a brilhar durante o início dos anos cinquenta em filmes como Carnaval Texas, Dois ingressos para a Broadway, O olhar para Lovely e Small Town Girl no qual ela desempenhou um incrível papel. Em 1953 ela interpretou Bianca na Kiss me Kate. Seu desempenho memorável em Cole Porter é maravilhoso “Too Darn Hot”. Até agora, a era dourada da MGM Musicals estava quase no fim, e após salientando o quão boa ela ainda estava com uma coreografia de início em “A Dama da Bayou” no Hit o convés!, Ann Miller foi contratada em 1956 por The Great American Pastime. Em 22 de agosto de 1958 ela casou com seu segundo marido, Bill Moss, o casamento não durou muito. Como tantos outros artistas da década de 60 que ela virou-se para televisão e casas noturnas e excursionou com a mostra como a Hello Dolly, Panamá Hattie e Can-Can. Ela também fez um comercial de televisão de sopa em que ela dançou rodeada por bebedouros, uma grande orquestra, coro e um monte de meninas. Em 1969 ela voltou para a Broadway depois de 30 anos e assumiu o papel principal no musical Mame bateu a grande aclamação crítica.

No início da década de 70, em sua extensa turne com Anything Goes foi interrompida por mais de um ano enquanto Miller se recupererava de um acidente em que ela foi atingida por uma cortina de aço. Em 1979 ingressou Mickey Rooney em Sugar Babies, uma celebração da era dourada da American vaudeville que decorreu na Broadway com 1208 performances até 1988. Suas honras incluem George M. Cohan Award for Best Female Entertainer, a Sarah Siddons Prêmio de Melhor Atriz, e um prêmio de Melhor Dança atribuído a ela pela Dance Awards da América. Em 1999, ela voltou ao palco para o relançamento da Sondheim’s Musical Follies como Carlotta Campion no Papermill Playhouse, em Nova Jersey. Em 2000, ela apareceu novamente na tela do cinema do David Lynch Mulholland Drive como Catherine “Coco” Lenoix. Miss Miller morreu em 22 de janeiro de 2004, com 80 anos, em Los Angeles Califórnia de câncer de pulmão.

George Murphy  nascido em 4 de julho de 1902 foi um americano dançarino, ator e político.  Ele nasceu em New Haven, Connecticut, e estudou em Yale University. Ele trabalhou como um instrumento fabricante para a Ford Motor Company, como um mineiro, um agente imobiliário, e num clube noturno como dançarino.

Em 1927 ele apareceu na Broadway, fazer parcerias com sua esposa Julie Johnson dança como um ator. Quando Johnson decidiu se aposentar do show business em 1935, Murphy movido a família para Hollywood, apareceu em várias comédias musicais até 1952. Durante a II Guerra Mundial  apareceu em vários movimentos, fez filmes concebidos para aumentar a moral dos E.U.A, incluindo o que falava do exercito.

Ele era o presidente do Screen Actors Guild durante 1944-1946. Ele foi um dos Vice Presidente do Desilu Studios e do tecnicolor Corporation. Ele foi diretor de entretenimento para presidenciais inaugurações em 1952, 1956 e 1960.

Na década de 1950, Murphy entrou para a política como presidente da Califórnia. Em 1964 ele foi eleito para o Senado dos Estados Unidos, ele derrotou Pierre Salinger, que havia sido nomeado há vários meses para servir o restante do mandato do falecido Clair Engle .Murphy

serviu de 1 º de janeiro de 1965 a 3 de janeiro de 1971. Ele era um candidato à reeleição em vencida 1970, e posteriormente transferido para o Palm Beach, Flórida, onde morreu.

Durante o seu mandato no Senado, Murphy sofreu câncer na garganta, forçando-o a ter a sua laringe removida. Ele era incapaz de falar acima de um sussurro para o resto de sua vida.

George Murphy foi o tema de uma canção de satirista Tom Lehrer celebrando a sua nomeação em Lehrer, que declarou em escarnecessem vaudeville estilo:

“Ai, caramba é ótimo, finalmente temos um senador que pode realmente cantar e dançar.

Murphy  passou da tela para política e foi exemplo de sucesso nas transições dos atores tais como Ronald Reagan e, mais tarde Arnold Schwarzenegger.

Em 1951 ele recebeu um Oscar Honorário por seus serviços a industria do cinema.

Faleceu em 03/05/1992 aos 89 anos!

Filmografia

* Talk About a Stranger (1952)

* Border Incident (1950)

* Fronteiras G-Man (1950)

* Campo de batalha (1949 filme)

* Décima Avenida Angel (1948)

* O Arnelo Affair (1947)

* Cynthia (filme) | Cynthia (1947)

* Vai Maisie Up (1946)

* Ter um Wonderful Crime (1945)

* Show Business (1944 filme)

* Step Lively (1944)

* Broadway Rhythm (1944)

* Bataan (1943)

* Este é o exército (1943)

* Para mim e meu Gal (1942)

* A Navy Comes Through (1942)

* O presidente da Câmara Municipal de 44th Street (1942)

* A Girl, A e A Guy Gob (1941)

* Tom, Dick e Harry (1941)

* Ringue Maisie (1941)

* Broadway Melody de 1940 (1940)

* Little Nellie Kelly (1940)

* Público Deb No. 1 (1940)

* Duas meninas na Broadway (1940)

* Carta de Apresentação (1938)

* Little Miss Broadway (1938)

* Todos Sing / Little Nellie Kelly (1938)

* Mantenha que a co-ed (1938)

* Broadway Melody de 1938 (1937)

* Início da Cidade (1937)

* As Mulheres Homens Marry (1937)

* Noite de Londres (1937)

* Você é um Amor (1937)

* Kid Millions (1934)

* O Eddie Cantor Giftset Collection (1930)