A história da dança poderia ser tão longa quanto a história da humanidade e mesmo antes. A dança não deixa claramente identificáveis artefatos físicos, tais como ferramentas de pedra, utensílios de caça ou de pinturas. Não é possível dizer quando a dança tornou-se parte da cultura humana. A dança tem sido certamente uma parte importante da cerimônia, rituais, celebrações e entretenimento desde antes do nascimento das primeiras civilizações humanas. Arqueologia oferece vestígios de dança desde os tempos pré-históricos, como a 9.000 anos de idade abrigos sob rocha Bhimbetka pinturas na Índia e pinturas em tumbas egípcias descrevendo figuras dançantes de cerca de 3300 aC.

Um dos primeiros usos estruturados de danças podem ter sido no desempenho e na narração de mitos. Foi também por vezes utilizado para mostrar sentimentos para um do sexo oposto. Também está ligado à origem de “fazer amor”. Antes da produção de língua escrita, a dança era um dos métodos de passar essas histórias de geração em geração.

Outro uso precoce de dança pode ter sido como um precursor para os estados de transe extático em rituais de cura. A dança é ainda utilizada para esse fim por muitas culturas da floresta tropical brasileira para o deserto de Kalahari.

Danças do Sri Lanka remonta aos tempos mitológicos de aborígenes gêmeos yingyang e “yakkas” (demônios). Segundo uma lenda cingalesa, danças Kandyan originaram, 2500 anos atrás, a partir de um ritual mágico que quebrou o feitiço sobre um rei enfeitiçado. Muitas formas de dança contemporânea foram rastreada até históricos, tradicionais, rituais e danças étnicas.

Um manuscrito a descrever a dança é o Natya Shastra na qual se baseia a interpretação moderna da dança clássica indiana (por exemplo, Bharathanatyam).

A crônica antiga, o cingalês (Sri Lanka), os estados Mahavamsa quando o rei Vijaya desembarcou no Sri Lanka, em 543 aC, ouviu sons de música e dança a partir de uma cerimônia de casamento. Origem das Danças do Sri Lanka são datadas para as tribos. As danças clássicas do Sri Lanka, Kandyan Danças apresentam um sistema altamente desenvolvido de tala (ritmo), fornecido por pratos chamados thalampataa.

Na cultura européia, um dos mais antigos registros de dança é por Homero, cujo “Ilíada”, descreve coréia (khoreia). Os antigos gregos fizeram a arte da dança em um sistema expressivo, de todas as paixões diferentes. Por exemplo, a dança das Fúrias, representado, criaria completo terror entre aqueles que o testemunharam. O filósofo grego, Aristóteles, classificou a dançar com a poesia, e disse que alguns bailarinos, com ritmo aplicado e gestos, poderiam expressar costumes, paixões e ações. Os escultores gregos mais eminentes estudaram a atitude dos dançarinos de sua arte de imitar as paixões.

Século 20

Após a explosão da dança moderna no início do século 20, a década de 1960 viu o crescimento do pós-modernismo. Pós-modernismo virou em direção à simplicidade, a beleza das pequenas coisas, a beleza dos corpos não treinados, e o movimento simples. O manifesto rejeitando todos os costumes, histórias e aparência exterior, em favor do movimento bruto e rude foi talvez o extremo desta onda de pensamento.

Até 1980 a dança tinha um círculo completo e dança moderna (ou, por esta altura, dança contemporânea), foi ainda claramente um veículo altamente técnico e político para muitos praticantes. Existente ao lado do ballet clássico, as duas formas de arte foram até agora vivendo pacificamente ao lado uns dos outros com pouco da rivalidade e antipatia de épocas anteriores. O tempo presente há muita competição artística onde coreógrafos concorrem para produzir a obra mais chocante, no entanto, ainda há vislumbres de beleza, e muita dança boa em uma idade em que a técnica de dança tem progredido mais na força, experiência e flexibilidade do que nunca antes na história.

Na cultura, a mesma massa experimentou a expansão da dança de rua. Em 1974, o famoso grupo Jackson 5 realizou na televisão uma dança chamada Robot (coreografado por Michael Jackson). Este evento, e mais tarde performances Soul Train por bailarinos negros iniciou uma revolução cultura de rua, que mais tarde formaram a dança break dance. Para o surgimento da dança moderna do século 20 ver também: Mary Wigman, Gret Palucca, Harald Kreutzberg, Yvonne Georgi, e Isadora Duncan.

A dança Hip-hop começou quando Clive Campbell, foi a Nova York de Jamaica, em 1967. Carregando as sementes do reggae de sua terra natal, ele foi creditado como sendo o primeiro DJ a utilizar dois toca-discos e cópias idênticas do mesmo registro para criar. Resumidamente denominado b-boys e b-girls, as dançarinas fundaram o breakdancing, que agora é uma das facetas da dança hip-hop.

Em 1945, no final da guerra, a Alemanha foi julgada. A dança alemã tornara-se impopular devido ao Nazismo. A guerra acabara com o movimento expressionista. A derrota dos “nacional socialistas” foi a gota d’água. A dança expressionista ficou na obscuridade. Obrigada a dançar em condições cada vez difíceis Dore Hoyer cometeu suicídio.

Na Alemanha Oriental, Gret Palucca continuou trabalhando. Mas sua arte se estagnou sob as restrições da arte oficial. As últimas chamadas do Expressionismo arderam com os últimos trabalhos importantes de Mary Wigman. “The Rite of Spring” e “Orpheus”.

Em seu estúdio em Berlim Ocidental ela passou adiante toda a sua herança até a sua morte. O novo curso do mundo parecia ter aproveitado tudo, de uma extraordinária vida criativa. Jooss voltou à Alemanha em 1949, para se tornar mais uma vez, diretor de sua escola em Essen. Ele continuou a lecionar como havia feito Dartington onde treinara muitos novos artistas. Entre eles havia Birgit Cullberg. Esta coreógrafa e Estocolmo criaram um estilo satírico o qual sua peça: “Red Wine in Green Glasses”.

Ao passo que o estúdio de Mary Wigman permaneceu mais intimista e ensinava apenas seu estilo Kolkswangschul e Jooss estava aberto a todas as técnicas e disciplinas. Uma aluna que se formou nesta escola vinte anos depois seria aliberdade, renascimento e da transformação da dança alemã: Pina Bausch. Pina Bausch deve muito a toda equipe de professores da escola de Jooss.

Em 1959, uma bolsa de estudos da Escola Juilliard a levou para Nova York. Em dois anos ela formou seu estilo sob os ensinamentos das principais figuras da dança moderna americana.

Jooss a chamou de volta à Alemanha para dançar em sua nova companhia “Folkswangtanz Theater”. Pina Bausch deixou seu país quando ainda estava destruído pelo desastre. Voltou e encontrou uma Alemanha à caminho da prosperidade. Mas na Alemanha o consenso nem sempre mascarou as cicatrizes, as feridas ainda abertas. As feridas que foram reveladas nas cores vibrantes dos artistas contemporâneos, notavelmente nos trabalhos de Joseph Benys e depois George Baselitz. O mundo de Pina Bausch também era cheio de feridas. Desde o início sua dança reunia veracidade e realidade.

Em 1973 ela fundou o “Wuppertal Tanz Theater”. Com uma companhia e um teatro que eram permanentes a partir de agora, ela levou a dança ao teatro além dos limites que parecia ser possível. Os silêncios tornaram-se mais decisivos que gritos, o corpo mais determinante que o texto, a produção teatral mais real que o dia a dia.

Sua matéria-prima eram as pessoas e as relações entre elas. As vidas de seus dançarinos freqüentemente criavam situações com as quais o espectador poderia se identificar. Mas como é que ela trabalha com seus dançarinos para poder captar uma intimidade que se torna universal na hora?

“The Seven Decolly Sins”, “Bluebeard”, “Kontalthof” ou “Vixtor”, todos tem momentos de apresentação que são sempre amarrados, totalmente controlados onde Bausch desenreda a humanidade, encontra suas verdades mais secretas, surpreende suas fraquezas, sustenta sua crueldade, revela seus fatos, tudo isso sem jamais perder de vista sua visão clara da ternura e da esperança.

Na época de Laban desejava-se conceber o gesto que fosse livre o que revelaria a alma.

Na época de Jooss procurava-se uma crença em uma sociedade mais justa que tornaria o homem.

Na época de Pina Bausch, mesmo que não seja mais possível ignorar o fato de que o coração do homem está corrompido para sempre é possível jogar luz nos belos “intervalos na Alemanha”.

Vista do exterior, a dança alemã parecia estar na crista da onda. No entanto, era obrigada a confrontar dificuldades econômicas e políticas que seriam fatais. A crise econômica trouxera grande sofrimento para a Alemanha. Em todas as classes da sociedade havia um ódio pelo poder do dinheiro e pelo capitalismo mundial misturado com o anti-semitismo. Com a ajuda de uma campanha de propaganda poderosa e cheia de mentiras, o Partido Nacionalista Socialista de Adolf Hitler estava pronto para subir no poder. No mundo da dança Kurt Jooss seria o primeiro a sofrer as conseqüências.

Nem Laban, nem Wigman deram muita atenção às questões sociais em seus trabalhos. Ao contrário, a coreografia de Kurt Jooss era um eco da realidade e mostrava uma crítica à ordem social. Em 1932, ela levantara a questão da diferença social em seu balé “Big City”, onde trabalhadores dançavam uma antiga valsa enquanto que a burguesia um Charleston da moda.

Havia um método de movimentos adequados a cada classe social. No entanto, “The Green Table” mais que todos permitiu a Jooss articular sua crítica à sociedade através da sátira. Esta peça o tornaria  famoso. “the Green Table” mostra o processo implacável que liga os mundos do dinheiro e da guerra. As figuras grotescas dos diplomatas ao redor da mesa em um jogo de roleta onde o destino da humanidade é apresentado. O desespero da mãe, a inocência vendida da garota, o idealismo destruído do jovem, a visão da guerra que torna o destino de cada homem feio e vil. O balé de Jooss retrabalhou as tradições medievais da dança grotesca. Nesta peça a figura da morte tinha as cores da guerra. A morte decidia o destino de cada homem.

Adolf Hitler chegou ao poder em Janeiro de 1933. em Fevereiro ele usou o incêndio do Reichstag como pretexto para acabar com a oposição comunista. Em Março ele tomou todas as rédeas do poder. Em Maio os direitos de assembléia e de liberdade de expressão foram eliminados. A escola Bauhaus foi fechada. As primeiras leis sobre a segregação racial excluíram os judeus de toda vida intelectual e social. Marcaram o início dos “pogroms”, as batidas nos guetos judeus. A Alemanha foi dominada pelo Nacional Socialismo.

A música para “The Green Table”, foi composta por Gritz Cohen. Os nazistas exigiram que Jooss rompesse com ele e com todos seus colegas judeus. Ele se recusou e a partir de então era abertamente anti-facista e pacifista. A violência havia afastado muitos de seus colegas judeus e então Jooss aproveitou uma turnê ao exterior para emigrar com sua companhia.

Muitos intelectuais e artistas emigraram na mesma época: Fritz Lang, Mas Rheinhardt e Bruno Walter. Após viajar por um tempo Jooss e sua família foram bem recebidos em Dartington Hall na Inglaterra. Dartington era uma casa medieval. Uns milionários utópicos a transformaram em um centro progressista de agricultura, educação e criatividade artística. Não demorou para Jooss e Leeda montarem outra escola, um Folkswangschule na utopia. Seu balé teve uma grande repercussão e a escola logo tornou uma dimensão internacional. Em Dartington, nestas condições ideais, Jooss criou várias peças novas: “Spring Tale”, “Chrônica” e “Ballade”. Enquanto isso Laban e Wigman, ficaram na Alemanha.

Desde 1930 Laban era o mestre de Balé da Ópera de Berlim. Ele ainda era um artista oficial. Quando Jooss se exilou, Laban estava coreografando “Tannhauser”, dirigido por Toscanini para o Festival de Bayreuth. Em 1934 ele foi nomeado diretor do Deutsche Tanzbuline, mas os corpos que tornaram vivos através de sua dança livre foram transformados pelo Nazismo, em corpos submissos de ginastas.

Em 1936 a abertura dos jogos olímpicos foi realizada em Berlim. Laban presidiu o festival internacional de dança. As danças que preparara para a ocasião foram feitas por dançarinos de toda Alemanha. Todos eram treinados em cinetografia, uma forma de escrever a coreografia inventada por Laban. Era baseada nos modelos de partituras e permitia uma leitura instantânea dos movimentos. Goebbels veio ao ensaio geral e proibiu a apresentação. No entanto, havia um interesse claro dos Nazistas por seu sistema de escrita coreográfica.

A cinetografia era perfeita para o estilo dos shows de Hitler, suas procissões de bandeiras, exibições de ginásticas e paradas místicas monumentais. Laban foi convidado a colaborar oficialmente com o regime. Ele se recusou. Necessitado, ele fugiu a Jooss na Inglaterra.

No início dos anos 30, Mary Wigman ainda era a maior representante da dança expressionista na Alemanha. Seus trabalhos eram repletos de grandes mitos românticos alemãs, que eram reivindicados pelo Nacional Socialismo e pela perda do destino individual em função do poder da vontade coletiva. Ela apresentou uma peça com coro em grande escala, “A Dança da Morte”, para a segunda parte da abertura da Olimpíada do jovem, ao passo que na primeira parte Herald Kreutzberg apresentou “A Dança das Armas”. Também foi convidada para coreografar uma peça que glorificasse Hitler. Antes de poder recusar, o Partido Nacional Socialista a isolou.

Sua escola foi posta sob supervisão e seus trabalhos foram declarados decadentes. No entanto, Mary Wigman resolveu não deixar a Alemanha. A repressão ideológica se intensificou em 1937 quando uma exposição dupla foi organizada. A arte oficial que era “autenticamente alemã”, foi comparada à, “arte degenerada” que reunia os pintores abstratos e expressionistas como Klee, Kandinsky, Grozz e Kokoshka.

Os eventos seguiram. Em 1938, com o “Anshluss”, a Áustria foi ocupada. No dia 1º de setembro de 1939 a Polônia foi invadida. Dois dias depois a guerra foi declarada. A guerra no continente começou. Em 1942 sob o bombardeio dos aviões aliados Mary Wigman coreografou “tans der Biobe” (A Dança de Niobe) e fez sua ultima apresentação no palco em “Abschied und Dank” (Uma Despedida e um Agradecimento). No mesmo ano Hitler decretou a “solução final”, o frenesi de um louco tornara-se coletivo.

A guerra deixou um mundo em ruínas. Milhões de rapazes mortos e uma geração inteira destruída.

Os pintores do grupo “Die Brucke” e outros., Max Beckmann e Otto Dix, entre eles ficaram marcados para sempre e deram ao expressionismo alemão uma nova direção mais dura e agressiva e cheia de desespero. Notavelmente, a trilogia de Dix repleta de soldados mutilados, expondo a ruína do mundo. As trincheiras feriram a face da Europa, uma lesão psicológica que deixaria cicatrizes durante décadas. O dadaísmo foi formado em 1915, o ano da Batalha de Verdun. Seu culto provocativo pelo nada provocou uma onda de protestos nos meios literários e artísticos da Europa. Toda a miséria de uma Europa destruída estava embutida no discurso de Picabia. “A honra é comprada e vendida como uma nádega: Dada sente nada; é nada, nada, nada. Como suas esperanças, é nada, como seu paraíso é nada, como seus ídolos é nada, como seus políticos, nada.”

Laban Kurse – Laban voltou à Alemanha. Ele foi nomeado diretor do Balé Nacional. Foi seu primeiro cargo oficial. Após 1921 ele se mudou para Hamburgo e foi diretor de uma escola e companhia chamada “tanzbuhne Laban”. Foi nesta companhia que Kurt Jooss foi visto pela primeira vez. Ele ainda não era um dançarino. Mesmo assim Laban o inscreveu em sua companhia. Sua personalidade era mais forte que sua técnica. Logo Jooss se tornou seu colaborador.

Ele trabalhava dentro das escalas de Laban, e se concentrava na expressão do movimento. Foi nomeado coreógrafo de um teatro público onde conheceu sues futuros colegas, o compositor Fritz Cohen e designers Hein Heckeoth. Ele divulgou as teorias de Laban nos circuitos profissionais, e pela primeira vez introduziu o termo “Teatro Dança”, “Tanz Theater”.

Em 1927 com Sigurd Leider, criou um departamento de dança na Academia de Essen, o “Folswangshule”. Suas aulas integravam elementos do balé clássico. Na mesma época fundou sua própria companhia.

Em 1928 ele organizou o congresso dos dançarinos alemãs: ele acreditava que a dança deveria ter elementos de sua herança inclusive os clássicos, ao passo que Mary Wigman achava que as danças expressionista e clássica era incompatíveis. Wigman morava em Desden e criou uma escola e uma companhia. Ela continuou a usar o espaço como Laban lhe ensinara e acrescentou a este conceito a música de seu instinto e uso mais dramático dos gestos. O mesmo romantismo alemão era visto a coreografia de Wigman como nas produções teatrais de Max Rheinhardt e no cinema de Murnau, Fritz Long e Pabst. Os mesmos contrastes de luz, os mesmos gestos dramáticos, a mesma fascinação pelo irracional.

Após a derrota dos Espartacistas que haviam semeado a esperança segundo a revolução russa, as grandes cidades da Alemanha tornaram-se um centro de modernidade. No futuro, Berlim se tornaria uma metrópole, atraindo intelectuais e artistas, entre eles, Francis Bacon. A cada dia, novos teatros e cabarés surgiram. As pessoas se emocionavam com Anita Berber a “!Deusa da Morte” com um desespero elegante e se divertiam com Waleska Gerdt que levou sua sátira política ap palco contemporâneo. O dinamismo de Berlim na época foi retratado no livro “Alexanderplatz” de Alexander Doblin e no filme de Steinberg “O Anjo Azul”.

O ritmo frenético do início do século e seu interesse exagerado pela psique forma substituído por um desejo de clareza. A Alemanha seria reconstruída e isto seria feito usando os novos princípios da arquitetura da escola Bauhaus. Para seu primeiro diretor, Walter Gropius a arquitetura era tornar uma sociedade industrializada, doméstica e ele a integrava no dia a dia. Para os membros da Bauhaus os excessos da mecanização se tornaram material criativo. Desta aliança entre o homem e a máquina, nasceu a arte industrial.

Klee, Kandisnky e Moholy Nagy lecionavam na Bauhaus e também o pintor Oskar Schlemmer, fundador de uma companhia de balé incrível. Inspirado pela impessoalidade do fantoche, ele combinou a forma geométrica e o movimento abstrato no “Triadic Ballet”.

Wigman estava ciente desta tendência. Sua coreografia era caracterizada por gestos decididos, simples e estilizados.

Em 1929, ela entrou em uma nova fase com o grande afresco coral: “Totenmal”. Grandes massas de figuras eram levadas pelos palcos para criar uma performance completa e convulsiva. Era quase uma visão religiosa do teatro, através da qual a aspiração alemã pro algo maior que a comunidade começou a surgir. No início dos anos 30 a dança moderna tinha uma posição mais importante que o balé clássico na Alemanha. Isto era singular na Europa. Pela primeira vez uma dança experimental era seita no circuito oficial de teatros públicos e de ópera. Laban estava na pole. Seus alunos fundaram escolas em Venesa, Budapeste, Roma, Anvers. Os “Ballets Jooss” foram um sucesso na Broadway e a escola em Essen se tornou internacional. Wigman era diretora de duas escolas na Alemanha e uma de suas alunas fundou  outro na América. Dançarinas treinadas pro Wigman divulgaram a dança alemã no mundo todo: Yvonne Georgi, Gret Palucca e Harald Kreutzberg que ligaria a força do expressionismo com o contraste do clássico.

1990 – Desde o início desde século o balé clássico encontrou um rival na dança expressionista do Norte da Europa. Foi Rudolf Von Laban quem fundou esta nova forma. Ele nasceu em 1879 em Bratislava, no coração do Império Austro-Húmgaro.

O Império dos Hasburgo era um mosaico de várias culturas, raças e tradições. Laban era filho de um oficial militar e por isso viajou por todo o império. Desde cedo ficou fascinado com a diversidade das danças e a variedade de movimentos e expressões corporais. Seu pai queria que se alistasse. Mas laban preferiu à vida boêmia às manobras militares e a pintura à arte da guerra.

Ele estudou Belas Artes em Munique em Paris. Em 1907 ele voltou à Viena.

O Império estava prestes a viver um apocalipse.

Nietzsche havia proclamado: “Deus está morto”.

Isto o levou a uma reavaliação da ordem estabelecida. Em Viena, Wittgenstein elaborou suas primeiras teorias incentivadas por Kraus. Ambos questionavam os limites da linguagem.

Em Viena, Freud denunciou os poderes da razão para explorar as profundezas da psique. Em Viena os escritores Schitzler Hugo Von Holfmanstaht e Zweing e os pintores Kokoshka, Klimt e Schiele revelaram a fragilidade do indivíduo e a sua desintegração.

Outra vez em Viena o compositor Schoemberg revolucionou a harmonia tradicional ao libertar a música de suas estruturas formais de tons.

A industrialização se acelerou. Houve uma reação violenta contra a ameaça da sociedade e da máquina.

Isto se manifestou em um retorno à natureza a um corpo livre e saudável. Neste clima as americanas Isadora Duncan e Ruth St Dennis fizeram muito sucesso. Queriam livrar o corpo de qualquer repressão.

Sua discípula mais conhecida como Greta Wiesenthal.

Neste ambiente Laban lançou as bases para uma nova dança. Primeiramente elaborou os componentes essenciais: espaço, tempo e peso.

A dança evoluíra em espaço plano, ilimitado pela platéia. Laban eliminou isto e desenvolveu do espaço e a sua profundidade. Ele concebeu o movimento através do espaço em um volume cujo, a forma seria um icosaedro, ou seja, um volume com múltiplas direções. O espaço tornou-se um parceiro móvel para o dançarino, movendo-se ao mesmo tempo. Depois, tratou do ritmo e do tempo do movimento.

Finalmente tratou o peso. O bailarino clássico lutava contra a força da gravidade através do equilíbrio e da força. Laban fez uso do peso. Ele determinava a dinâmica do movimento e as mudanças contínuas entre o equilíbrio e desequilíbrio. Ele percebeu que para toda contração muscular havia um relaxamento. Laban libertou o movimento de todas suas restrições. Ele o emancipou da música da arte dramática e de qualquer noção de passos.

Sua busca por uma harmonia total entre alma e espírito através de movimento tinha analogias com idéias de “Der Blane Reiter” ou o “Cavaleiro Azul”. Um grupo de pintores que se formou em Munique em 1913, junto à Wassily Kandinsky e franz Marc, diziam que a arte tem de tornar invisível em visível.

Após o verão de 1913, Laban deu aula e palestras na Suíça, à margens do Lago Maggiore no Monte Verita. Lá, Raither Maria Rirhé, James Joyce e Hugo Ball poderiam ser encontrados juntos aos anarquistas russos. Todos seguros numa sociedade em harmonia com a natureza e no clima da reforme. Laban encontrou lá as condições certas para experimentar suas idéias.

No meio de um lindo e quente verão chegou Maru Wisgman. Ela vinha de outra comunidade utópica: “Hellerau” onde seu professor Jaques Dalcroze.

Seu “Eurythmics” era um grande sucesso na Europa e deu a Nijinsky a inspiração para o “Rite of Spring”.

Mas o método Dalcroze que subordinava o movimento à música, não era mais interessante para Mary Wisgman e os solos que ela coreografou sem música não comoveram Dalcroze. Em Hellerau ela conheceu uns pintores de Dersden que usavam as dançarinas como seus modelos. Influenciados pela arte negra e por Edward Munch, eles sonhavam em unir a arte a vida em uma explosão de cores.

Eram quatro. Seu grupo era chamado “Die Bruck” (A Ponte), e marcou uma nova etapa do expressionismo nas artes plásticas. Gmilnolde que era próximo ao grupo, era amigo de Wigman. Segundo seu conselho ela procorou Laban. Como ela, Laban se inspira no movimento em si e não na música. Wigman tornou-se sua aluna e depois sua assistente. Laban precisava ser desafiado por uma dançarina e Mary Wigman o fez. Iniciaram o período de experimentação intensa. Wigman apresentou seus primeiros solos nos quais usava o conceito do espaço Labaiano.

Laban e Wigman estavam em Monte Verita até o final do verão. Quando a guerra estourou, mudaram a escola para Zunique. Junto com os dadaístas da guerra e aguçaram seu espírito de Desden.

Dada se preocupava com a literatura criativa que também interessava à Laban e Wigman. Wigman criou um estranho ego dos dadaístas. Para ela era uma questão de inventar um novo discurso onde a força precursora do “Cabaret Voltaire”, onde Wigman se apresentava com freqüência.

Enquanto isso, o resto da Europa era destruído.

A Dança veio para a Grécia a partir de cerca de 1400 aC civilizações em Creta, que provavelmente foram influenciados pelos egípcios.

Embora os gregos não terem contribuído muito para a técnica de dança, o que eles fizeram foi contribuir para o vocabulário do teatro, nomeadamente o Körös, (coro), orkestra, (a volta à pista de dança onde dançaram coro), o skene, (a área coberta por trás da orquestra), e os proscênio.

Este vocabulário e serviu de base para a construção da cena teatral, onde o balé tomou forma.

Os gregos também falaram da dança em sua mitologia.

Por exemplo, no Ajax de Sófocles o grande deus Pan é falado como uma dança do mestre, e é dirigida por Phoebus Pindar como “o príncipe dos bailarinos.

Mesmo Zeus foi representado “movendo graciosamente e dançando no meio da multidão”.

Os romanos dançam e tratam da mesma forma como os gregos – que era uma atividade para toda a gente até os mais “decadentes” do império.

O ponto no tempo em que as pessoas começaram a dança é muito vago, na verdade, é mais como uma nuvem do que um ponto.

Na verdade, existem pessoas que acreditam que o homem tem dançado desde antes da espécie sapiens. Isto é verdade no fato de que antes eles tinham o poder do discurso antigo, homens encaminhando pensamentos, desejos e emoções através de ações, assim como fazemos nos nossos ballets modernos de hoje. No entanto, vamos considerar o começo da dança quando o homem dançou para entretenimento ou rituais espirituais.

O primeiro registro da dança, pela nossa definição, está entre as civilizações antigas do Oriente Médio e Índia e entre a população aborígene da América, Austrália e África.

O deus hindu Shiva, conhecida como Nataraja, o Senhor da Dança, é retratado como um número de braços equilibrado em uma perna.

E forma real de dança parece ter sido criado na Índia cerca de 6000 aC.  Ao estudar a Primeira Dinastia do Egito, (cerca de 3000 aC), arqueólogos encontraram um registro mostrando uma espécie de dança ou linguagem corporal, e como a cultura no Egito avançado, pinturas foram feitas mostrando músicos e dançarinos.

Nas Américas, Austrália e África a população aborígene dançou tanto para razões espirituais e para entretenimento.

Teriam de dança para quase tudo, desde comemorações até o funeral.

Suas danças ainda influenciam a dança hoje.  Por exemplo, tem havido muitos ballets realizados na América do Norte, baseado na dança e lendas das Primeiras Nações, a equipe realiza uma coreografia baseado na dança dos Aborígenes da Austrália, o afro-jazz é uma forma reconhecida de dança ao redor do mundo.

Dança, em sentido geral, é a arte de mover o corpo segundo uma certa relação entre tempo e espaço, estabelecida graças a um ritmo e a uma composição coreográfica.