Ballet é um estilo de dança com as suas origens na corte francesa, desenvolvida na França e na Rússia como uma forma de dança de concerto. É uma forma altamente técnica da dança com o seu próprio vocabulário. É utilizada principalmente com o acompanhamento de música clássica. Foi influente como uma forma de dança a nível mundial e é ensinado em escolas de balé ao redor do mundo que usam a sua própria cultura e sociedade. Os trabalhos de Ballet são coreografados, e incluem também a mímica, atuação e são ajustados à música (geralmente orquestral, mas ocasionalmente vocais). É mais conhecido na forma de balé clássico, notável por suas técnicas, tais como o trabalho de pontas e das pernas, sua graciosidade, fluindo, movimentos precisos, e suas qualidades etéreas. Desenvolvimentos posteriores incluem balé neoclássico e dança contemporânea.

A palavra “Ballet”

A etimologia da palavra “ballet” está relacionada com a história sob a forma de arte. O balé da palavra vem do francês e foi emprestado para o Inglês por volta do século 17. A palavra francesa, por sua vez tem suas origens na balletto italiano, um diminutivo de ballo (dança). Ballet em última análise, remonta a ballare latim, que significa a dança.

História

Ballet surgiu no final do século 15. O órgão jurisdicional da Renascença da Itália, como uma interpretação de dança de esgrima, e desenvolvido na corte francesa da época de Luís XIV, no século 17. Isso se reflete no vocabulário francês de balé. Posteriormente, após 1850, ballet floresceu na Dinamarca e Rússia. Foi a partir da Rússia, que retornou para a Europa Ocidental e, posteriormente, todo o mundo. Os Ballets Russos de Sergei Diaghilev e seus sucessores foram particularmente influentes durante este período. Ele continuou a ser enriquecida por danças folclóricas e das tradições da dança local.

No balé do século 20 continuou a se desenvolver e teve uma forte influência sobre a dança mais ampla. Por exemplo, nos Estados Unidos, o coreógrafo George Balanchine desenvolveu o que hoje é conhecido como balé neoclássico. Os desenvolvimentos posteriores agora incluem balé contemporâneo e dança pós-estruturais, visto no trabalho de William Forsythe, na Alemanha.

Ballet Clássico

O balé clássico é o mais formal dos estilos de balé, que adere à técnica do balé tradicional. Existem variações relativas à área de origem, como balé russo, balé francês, italiano. Os cinco estilos mais conhecidos do balé são o método Vaganova, ou Método Russo, depois de Agrippina Vaganova, o método Cecchetti, ou método italiano, depois de Enrico Cecchetti, o Método Bournonville, ou método dinamarquês, depois de Agosto Bournonville, o método Balanchine, ou School of American Ballet / New York City Ballet Método, depois de George Balanchine, e da Royal Academy of Dance Method, ou RAD Método, criado na Inglaterra.

Ballet Neoclássico

Balé neoclássico é um estilo de balé que usa o vocabulário do ballet tradicional, mas é menos rígido do que o balé clássico. O balé neoclássico é geralmente mais moderno e complexo do que no balé clássico. Embora a organização do balé neoclássico é mais variado, a ênfase na estrutura é uma característica definidora do balé neoclássico.

É o estilo do balé clássico do século 20 exemplificadas pelas obras de George Balanchine. Ele se baseia na técnica avançada do século 19 a dança da Rússia Imperial, mas priva-o da sua narrativa detalhada e cenário teatral pesado. Balanchine utiliza mãos flexionadas (e, ocasionalmente, pés), virou as pernas, fora das posições e fantasias não-clássicas (como colants e túnicas, em vez de tutus) a distanciar-se das tradições do ballet clássico e romântico. O que resta é a dança em si, mas sofisticada, elegantemente moderno, mantendo a estética sapatilha de ponta, mas abstendo-se o drama bem estofado.
Balanchine também trouxe bailarinas modernas na dança com sua companhia, a New York City Ballet, uma bailarina como foi Paul Taylor, que em 1959, realizado em Episódios de Balanchine. Balanchine também trabalhou com a dança moderna, a coreógrafa Martha Graham, ampliando sua exposição às modernas técnicas e idéias. Também durante este período, os coreógrafos como John Butler e Glen Tetley começaram a combinar conscientemente balé e modernas técnicas de experimentação.

Tim Scholl, autor de De Petipa de Balanchine, considera Apollo, de George Balanchine em 1928 o primeiro balé neoclássico. Apollo representava um retorno à forma em resposta a balés abstratos de Serge Diaghilev.

Ballet Contemporâneo

O ballet contemporâneo é uma forma de dança influenciada por balé clássico e dança moderna. Leva a sua técnica e utilização do trabalho de ponta do balé clássico, embora permita uma maior amplitude de movimentos que podem não aderir às linhas de corpo estritamente estabelecidos pelas escolas da técnica do ballet. Muitos de seus conceitos vêm as idéias e inovações da dança moderna do século 20, incluindo trabalhos de chão.
George Balanchine é frequentemente considerado como o pioneiro do balé contemporâneo, através do desenvolvimento do balé neoclássico.

Um bailarino que dançou brevemente para Balanchine foi Mikhail Baryshnikov, um exemplo de Kirov Ballet de formação. Após a nomeação de Baryshnikov como diretor artístico do American Ballet Theatre em 1980, ele trabalhou com vários coreógrafos modernos, mais notadamente Twyla Tharp. Tharp coreografada Push Comes To Shove para ABT e Baryshnikov, em 1976, em 1986, criado no Cenáculo, para sua própria companhia. Ambas as peças foram consideradas inovadoras para o uso dos movimentos distintamente modernos, fundiu com o uso de sapatilhas de ponta e bailarinos de formação clássica – para o uso de “ballet contemporâneo”.

Tharp também trabalhou com a companhia Joffrey Ballet, fundada em 1957 por Robert Joffrey. Coreografou Deuce Coupe em 1973, usando a música pop e uma mistura de técnicas modernas e balé. O Joffrey Ballet continuou a executar várias obras contemporâneas, muitas coreografada pelo co-fundador Gerald Arpino.

Hoje existem muitas companhias de balé contemporâneo e explicitamente coreógrafos. Estes incluem Alonzo King, linhas de Alonzo King’s Ballet, Nacho Duato e Compa ia Nacional de Danza, William Forsythe, que já trabalhou extensivamente com o Ballet de Frankfurt e hoje dirige a Cia Forsythe e Jir n Kyli, atualmente diretor artístico da Nederlands Dans Theatre. Tradicionalmente “clássicos” das Cias, tais como o Ballet Kirov e o Ballet da Ópera de Paris, também executam regularmente obras contemporâneas.

American Ballet Theatre é uma companhia de balé, mas o núcleo teve início em 1927. Para compreender o seu crescimento a gente volta para conhecer um pouco de Mikhail Mordkin.

Mordkin nasceu em Moscou 1881. Juntou-se ao Ballet Bolshoi imediatamente após a formatura da escola. Mordkin deixou de participar na temporada de Diaghilev, em Paris, em 1909, então foi dançar com Pavlova. Ele deve ter sido uma pessoa muito interessante, porque ele abandonou Pavlova para criar o seu All-Star Ballet Imperial Russo para uma turnê pela América em 1911-1912.

Em 1917 ele foi nomeado diretor do Ballet Bolshoi. Ele deixou a Rússia após a Revolução de Outubro, e estabeleceu-se na América em 1924 onde se tornou um dos mais importantes pioneiros do American Ballet.

O Lago dos Cisnes

Em 1927 ele produziu o completo “Lago dos Cisnes”. Mordkin continuou a dança na Europa, e em 1937 iniciou outra cia formada por alunos de sua escola de Nova York.

Richard Pleasant, um agente de Hollywood, foi a Nova York para gerenciar o Mordkin Ballet Company. No verão de 1939, a Sra. Chase (bailarina Lucia Chase)  e Mr. Pleasant tinha decidido que o Ballet Mordkin era uma Cia muito  pequena  e começou a formular planos para uma companhia de balé de pleno direito.

A primeira temporada estreou no Theatre Centre, no Rockefeller Center em 1940. Os coreógrafos para a primeira temporada foram: Mikhail Fokine, Adolf Bolm, Mickhail Mordkin, Anton Dolin, Anthony Tudor, Howard, Agnes de Mille, Eugene Loring, Fernandez, Bronislava Nijinska, e Yurek Shabelevski.

Entre os bailarinos principais foram: Adolf Bolm, Patricia Bowman, Edward Caton, Lucia Chase, Karen Conrad, Leon Danielian, Valdimir Dokoudovsky, Anton Dolin, William Dollar, Viola Essen, Miriam de Ouro, Nana Gollner, Maria Karnakoski, Nora Kaye, Howard, Eugene Loring, Hugh Laing, Lyon Annabell, Dimitri Romanoff, Nina Stroganova, Mia Shabelevski, Anthony Tudor e Varkas. Oliver Smith tornou-se co-diretor com a Sra. Chase em 1945.

A primeira temporada do Ballet Theatre durou quatro semanas e definiu seus patrocinadores em uma quantidade considerável. Mais tarde a empresa deu algumas apresentações e em torno de New York City. Para manter intacta a cia se tornou a companhia de ballet oficial da ópera de Chicago para uma temporada. Eles tiveram a chance de apresentar doze noites de ballet.

No ano seguinte, eles começaram a sua segunda temporada, no Teatro Majestic. Em vez de ter um diretor, a cia substituiu-o com coreógrafos residêntes. Eles foram Anton Dolin, Antony Tudor, Eugene Loring e Agnes de Mille. Naquele verão, a cia passou um tempo trabalhando em ballets novo.

Em 1946, eles realizaram na Inglaterra, no Covent Garden, e foi um grande sucesso. Isso foi antes de haver um Royal Ballet.

Em seu retorno aos Estados Unidos, George Balanchine remontou “Giselle”, com novo cenário e figurinos de Eugene Berman.

Mais tarde, o Ballet Theatre mudou seu nome para American National Ballet Theatre, e novamente em 1957 a American Ballet Theatre. É difícil de acreditar, mas naquele tempo a ABT conseguiu criar um estilo definido americano, que desafia uma definição precisa. Digamos que foi marcado pela vontade americana de auto-expressão, circunscrita por um rigoroso treinamento clássico.

Referências Importantes Para a Dança Clássica

*Pierre Beauchamps (1639 – 1705) – Bailarino e mestre de ballet, formulou as 5 posições básicas da dança clássica.

*Louis Dupré (1697 – 1774) – Bailarino francês.

*Marie Sallé (1705 – 1756) – Celebrizou-se por sua inteligência. Introduziu naturalidade e sobriedade na endumentária.

*Maria Camargo (1710 – 1770) – Primeira bailarina a obter grande fama como profissional devido à sua inteligência, técnica brilhante e estilo. Foi a primeira a usar malhas.

*Jean Georges Neverre (1727 – 1809) – Professor de Maria Antonieta em Viena e renovador, lançando as bases do ballet como espetáculo teatral.

*Caetano Yestris (1729 – 1808) – Um dos maiores bailarinos do Ópera de Paris, considerado “Deus da Dança”, foi professor de Luis XIV. Famoso por sua elegância.

*Salvatore Vigano (1769 – 1821) – Criou mais de 40 bailados.

*Marie Taglioni (1804 – 1884) – Italiana que emocionou Paris dançando La Sylphide; ela se caracterizou por sua mensagem e beleza espiritual, com movimentos e expressões etéreos.

Romatismo

*Taglioni: Rainha das Pontas: Marie Tagloni é a culpada pela primeira dança nas pontas. Mas ninguém sabe ao certo se foi ela mesma que em 1832 dançou pela primeira vez todo o “La Sylphide” nas pontas. É quase certo que outras bailarinas já tivesem dançado antes nas pontas, pois há referências em jornais antigos de bailarinas com “dedos fantásticos”. Pensam até que Maria Camargo a precedeu com um século de diferença. Mas o mérito todo foi mesmo para Taglioni, que desenvolveu a técnica e revolucionou o ballet. Ela criou a dança dos dedos, e transformou algo que antes parecia somente atração de circo em uma expressão artística e dramática através das técnicas dos pés. Sua graça, beleza, elevação e estilo ganharam público e favorecem uma brilhante carreira. Na Rússia, os fãs de Taglioni a amavam tanto que cozinharam suas sapatilhas e as comeram com salsa!!!

*Fanny Elssler (1810 – 1884) Mais viva e humana que Taglioni, mais sensual e conhecida como a dançarina “pagã”, enquanto Taglioni era a dançarina “cristã”. Levou para o ballet a tarantela, gitana, cachucha.

*Carlota Grisi (1819 – 1889) – Possuía qualidades  etéreas, vivas e sensuais. Theóphile Gautier escreveu para Carlota o Libreto de Giselle.

*Jules Perrot (1810 – 1892) – único homem a se destacar na época romântica.

*Carlo Blasis (1803 – 1878) – Firmou bases técnicas da dança clássica com seu “Código de Terpsicore” publicado em 1830.

*Sergei Diagev – Primeiro homem do ballet do século XX, que trouxe para o mundo as obras de: Marius Petipa, Mickel Fokine, e a beleza dos movimentos de Ana Pavlova e Vaslav Nijinsky.

Marius Petipa ainda estava atuando como bailarino em St. Petersburg Ballet em 1862, quando criou o seu primeiro ballet para o czar da imperial teatro, O Pharoh’s Daughter, uma incrível fantasia que incluía tais acontecimentos como múmias egípcias e serpentes venenosas, como um filme de Indiana Jones.

Petipa em 1869 assumiu o cargo de mestre no Ballet Imperial. No seu papel de liderança Petipa criou muitos ballets e coreografias para apresentação nos estádios da Rússia imperial. Em 1869 ele foi para Moscou e criou Dom Quixote para o balé do Teatro Bolshoi, em Moscou. Depois, em 1877 ele criou La bailarina para o Teatro Bolshoi, em St. Petersburg, (houve um Bolshoi, em Moscou, e outro em St. Petersburg).

Também em 1877 coreografou Lago dos Cisnes, de Tchaikovsky definir o seu primeiro grande balé e também considerado o primeiro dos “três grandes” do Balé Russo. Inicialmente fixado pelo austríaco Wenzel Reisinger, (1827-1892), Lago dos Cisnes foi reformulado por muitas pessoas, incluindo Joseph Hansen, (1842-1907) e, em seguida, novamente por Petipa em 1895.

Durante os anos 1880 na Rússia, Petipa criou dois ballets que bem sucedidos em Paris. O primeiro foi Giselle e o segundo Coppelia, (originalmente apresentado em 1870). Com Petipa como mestre, os russos foram conhecidos em todo o mundo como bailarinos de extrema qualidade.

Em 1890 a bailarina Carlotta Brianza, (1867-1930), foi escolhida por Petipa para dançar protagonizar o ballet  A Bela Adormecida. Com música de Tchaikovsky composto para o ballet de Petipa, esta é a segunda obra do balé da Rússia das “três grandes” e é uma das grandes obras balé clássico.

Depois, continuando em seu rolo de sucesso, em 1892 Petipa, Tchaikovsky, Ivan Vsevolozhsky designer, e assistente de ballet Lev Ivanov, (1834-1901), criou o quebra-nozes. O terceiro dos “três grandes” O quebra-nozes teve enorme popularidade em centenas de versões diferentes como um “balé de Natal.”

Em 1895 Petipa remontou O Lago dos Cisnes incluindo grandes coreografias. Uma delas com trinta fouetté, duas voltas na Coda do pas de deux da cena do baile.

Em 1898 Petipa coreografou seu último ballet. Raymonda é um ballet  de três atos com música de Alexander Glazunov. Similar em estilo ao Tchaikovsky. É um ballet muito difícil de executar, porque ele mostra uma impressionante variedade de dança.

Como o novo século começou, as pessoas começaram a ficar cansadas das idéias de Petipa e o ballet começou a ter olhos pra outras idéias. Até agora, o balé russo tinha ultrapassado o ballet francês e muitos bailarinos russos tinham-se tornado estrelas internacionais. Provavelmente a mais notável desta vez foi a bailarina Anna Pavlova, (1881-1931).

Em 1909 Sergei criou os Ballets Russos. O Le Pavillon d’Armide ballet foi o primeiro a ser mostrado e ele tinha uma forte influência francesa. Um dos bailarinos que dançou em Le Pavillon d’Armide tanto em São Petersburgo e Paris foi Vaslav Nijinsky, (1889-1950), que é conhecido como um dos melhores saltadores de todos os tempos.

Em 1913, Nijinsky criou um novo balé chamado O Rito da Primavera. A última grande produção dos Ballets Russos em Paris foi em 1921 e 1922, quando Diaghilev recoreografou Petipa na versão 1890 de A Bela Adormecida.

Um jovem bailarino e coreógrafo com do Ballets Russos foi Georgi Melitonovitch Balanchivadze, (1904-1983), posteriormente chamado de George Balanchine. Ele coreografou várias obras para o Ballets Russos, o mais famoso foi Apollon Musagète em 1928, que se tornou um clássico do neo-clássico bailado.

Em 1961 o mundo mudou o foco para Rudolf Nureyev. Depois de iniciar tarde no Ballet Academy em Leninegrado, Nureyev se apaixonou completamente pelo ballet.

Durante a década de 1930, em Leninegrado uma bailarina da antiga Imperial Ballet, Agrippina Vaganova, começou a fazer a sua fama. Foi em 1935 que o balé se tornou o Kirov Ballet.

Durante seu tempo como diretora artística Vaganova teve de lidar com as regulamentações e fazer coisas como mudar o fim do Lago dos Cisnes de trágico para moralizante.

Depois desse momento o Kirov Ballet começou a turnê, Vaganova tinha morrido. E sabemos que ela através de métodos de seu livro, Fundamentos da Dança Clássica, e uma vez que foi traduzido para o Inglês se tornou uma “bíblia” da dança

Após Nureyev ter se formado no  Kirov Academy ele começou a se apresentar com o balé Kirov, e tornou notícia em todo o mundo como o “próximo Nijinsky.

Nureyev se apresentou com Margot Fonteyn, parceira dele em muitas cias em todo o mundo, incluindo o Balé Nacional do Canadá e do Australian Ballet, tornando-se conhecida como “Rudi e Margot”.

Richard Pleasant, (1906-1961), se uniu  com Lucia Chase, (1897-1986), para formar o Ballet Theatre. Esta Cia existe até hoje e é conhecida como uma das mais prestigiadas do continente, o American Ballet Theatre.

Antony Tudor, um bailarino e coreógrafo Inglês chegou em Nova York e começou a trabalhar com o Ballet Theatre. Provavelmente a mais famosa peça coreografada por ele foi Fancy Free, sobre marinheiros na cidade de Nova York. Balanchine também montou várias peças para o Ballet Theatre.

Em 1946 Balanchine e Kirstein formaram o Ballet Sociedade. Os figurinos eram muito restrito, menores e muito mais simples do que costumavam usar, que foram rejeitados, e os bailarinos chamou esses figurinos de figurinos de ensaio. Esse estilo se tornou comum nos ballets de Balanchine.

O Ballet Sociedade chamou a atenção do diretor da cidade de Nova Iorque, que convidou o Ballet Teatro Sociedade para trabalhar juntamente com o New York City Opera. Com a bailarina Maria Tallchief e Jerome Robbins, com produções de Firebird, (1949), e Lago dos Cisnes, (1951). 

O American Ballet Theatre ganhou estabilidade e Antony Tudor e alguns dos bailarinos dele voltaram pra Cia, mas alguns permaneceram com o NYCB. As duas Cias tomaram rumos diferentes. O NYCB apresentou-se inteiramente novo e remontando peças antigas e a ABT apresentou alguns ballets clássicos e contemporâneos. A ABT também contou com grandes nomes como Eric Bruhn, (1928-1986) e Rudolf Nureyev.

Deve ser mencionado ainda que George Balanchine é responsável pelo “Balanchine corpo” que é imagem de bailarinos extremamente magros. Esta imagem levou alguns bailarinos a muitos transtornos alimentares. Ele um físico perfeito e relativamente magro. A contribuição de Balanchine para o ballet na América foi enorme. Traçando um estilo próprio, mais moderno e contemporâneo.

A Era Pré-Romântica

No século XIX o balé entrou numa fase de transição, a fase pré-romântica. Durante a pré-época romântica bailarinos atingiram seu pico. Um dos estudantes da Viganò, Carlo Blasis, (1797-1878), ensinou a próxima geração de bailarinos para avançar muito além da geração anterior, e ele publicou o seu trabalho nos manuais na Itália, na Inglaterra.

Foi durante a pré-época romântica que bailarinas começaram a dançar nas pontas dos pés (en pointe).

O primeiro registro de mulheres dançando nas pontas é de Fanny Enviesamento em 1821. No entanto, a mulher que é tradicionalmente creditado como sendo a primeira bailarina a dançar nas pontas é a italiana Marie Taglioni, (1804-1884), e sabemos que ela dançou nas pontas quando tinha apenas dezoito anos de idade.

E foi La Sylphide, um dos primeiros grandes ballets que ela dançou. Em La Sylphide Taglioni usou um vestido com um sino e um corpete. Isto tornou-se a plataforma sobre a qual o tutu romântico foi construído cinquenta anos mais tarde.

A Era Romântica

A era romântica começou com a encenação de Giselle, na Ópera de Paris em 1841, com música composta por Adolphe Adam, que trabalhou estreitamente com o balé comandantes, Coralli e Jules Perrot, (1810-1892).

O papel de Giselle foi interpretado por uma nova bailarina da Itália, Carlotta Grisi, (1819-1899). Nesse tempo as mulheres estavam mais presentes nos balés do que os homens. Alguns dos homens que não marcaram muito foram Jules Perrot, que o balé coreografado Pas de Quatre, Arthur Saint Leon, (1821-1870), que não só era um excelente dançarino, mas também foi um excelente violinista, e Lucien Petipa, ( 1815-1898), cujas habilidades como um virtuose parceiros foram bem procuradas depois.

Na Rússia e na Dinamarca, o balé continua a ser apoiada pelo tribunal da realeza. O dinamarquês, que fez uma das maiores marcas em balé foi Auguste Bournonville. Após a formação na Dinamarca e em Paris, em seguida, dançando com o balé da Ópera de Paris, Bournonville retornou à Dinamarca. Uma vez lá ele produziu sua própria versão de La Sylphide em 1836, com novas coreografias e novas músicas e dezesseis anos de idade.

Durante a era romântica, os russos tem sobre o balé uma grande fama. E tal como o francês havia séculos antes de serem importados muito do talento. Um das mais notáveis bailarinas foi Maria Danilov, que realizou muito bem na ponta, é lembrada como “Taglioni da Rússia”, e morreu com 17 anos em 1810. Giselle foi o primeiro ballet realizado na Rússia um ano após a sua estréia em Paris com Elena Andreyanova, (1819-1857), como Giselle. Ela dançou com  Johnasson Cristão, (1817-1903), e Marius Petipa, duas das maiores figuras do balé russo.

Em 1738 a Rússia estabeleceu a Monarquia St. Petersburg – a segunda escola de ballet mais antiga do mundo.

Após 1735 a Inglaterra começou dando muito mais atenção para o ballet. Foi durante este tempo em que o Inglês John Weaver, (1673-1760), criou ballet d’action – balé sem palavras faladas. Toda a história é retratada através da dança e da pantomima. Seu mais ambicioso projeto foi o Loves de Marte e Venus, que estrelou Louis Dupré, John Weaver e Santlow Hester, (1690-1773), Inglaterra, a primeira bailarina.

Embora bem recebido, o Loves de Marte e Venus foi esquecida e Weaver não obteve o crédito que ele merecia. Na verdade, ballet d’acção provavelmente teria morrido com Weaver se o italiano Gaspero Angiolili, (1731-1803), e o franco-suíço Jean Georges Noverre, (1727-1810), não tivesse prosseguido este estilo de ballet.

Devido as enormes fantasias usadas pelos bailarinos, era difícil para eles dançarem, e porque eles usavam máscaras de couro, era difícil para eles agir. Noverre obrigado a  mudar o tradicional traje de bailarinos e encenado em 1763 e Medeia e Jason. Ele colocou tecidos mais leves e deixou os rostos a mostra e era possível enxergar as expressões faciais dos bailarinos e por vezes era chocante para o público.

Uma das bailarinas dessa época é Maria Madeleine de Crespé, (1760-1796), é uma parte importante da história balé, porque ela e seu marido Jean Dauberval, (1742-1803), encenou o primeiro bailado em Bordéus em 1789. Que foi o ballet de repertório Le Ballet de la Paille, (O Ballet da Palha), foi de cerca de uma mãe a tentar arranjar um casamento rentável para a sua filha. Este ballet é agora conhecido como La Fille Mal Gardée.

Nesta altura, a Revolução Francesa começou a solicitar que Dauberval ficasse em Bordéus. Lá, ele ensinou o italiano nascido e formado Salvatore Viganò, (1769-1821), e sua esposa. Seu gênio teatral foi dito estar em um nível com Shakespeare’s e Beethoven escreveu o seu único balé. A partir de desenhos de Viganò e sua esposa, vemos que, com a Revolução Francesa foi uma revolução no estilo do ballet. Os figurinos de Viganò eram muito mais leves e com sua esposa usavam luz fluindo os vestidos com um corte similar ao Império Francês, e ambos os bailarinos usavam sapatos macios flexíveis!

Em 1661 Louis XIV instituiu o Academie Royale de Danse, uma organização profissional para bailarinos profissionais. Ele parou de dançar em 1670, e os seus cortesãos seguiram o seu exemplo. A partir daí o balé  foi dando lugar à dança profissional. Inicialmente todos os bailarinos eram homens, e homens com máscaras dançavam papéis de mulheres. As primeiras bailarinas a dançar profissionalmente em um teatro foi em 1681 no ballet chamado Le Triomphe de l’Amour .

A técnica da dança do período, escrito pelo francês Raoul Feuillet em seu livro Choreographie (1700), incluiu várias etapas e posições reconhecidas até hoje. Uma nova forma teatral desenvolvida: a ópera-ballet, que colocou ênfase na igualdade de cantar e dançar e, geralmente composta de uma série de danças ligadas por um tema comum. Uma famosa ópera-balé, foi feita pelo compositor francês Jean Philippe Rameau, The Gallant Índias, 1735.

Bailarinos do século XVIII usavam  máscaras, perucas e grandes adereços  e sapatos.

A Ópera de Paris, durante a segunda metade do século XVIII  foi dominada pelos bailarinos do sexo masculino, francês virtuoso Vestris e seu filho Auguste Vestris, famoso pelos seus saltos e pulos.. E as mulheres, como a alemã Anne, a primeira mulher a fazer dupla pirueta, também foram ganhando boa técnica.

O mais famoso do século XVIII, defensor do balé dramático foi o francês Jean Georges Noverre, cujas cartas em Dança e Ballets (1760) influenciaram muitos coreógrafos durante e mesmo depois da sua vida. Ele utilizou movimentos que eram naturais e de fácil compreensão e enfatizou que todos os elementos de um balé devem trabalhar em harmonia.

Noverre encontrou uma saída para suas idéias em Stuttgart, na Alemanha, onde ele produziu seu primeiro mais famoso balé, Medeia e Jason (1763).

Noverre incluiu os alunos do francês Jean Dauberval, no balé La fille mal gard, e aplicando novas idéias para um tema cômico. Dauberval  aluno do italiano Salvatore Vigan, que trabalhava no La Scala, um teatro em Milão, desenvolveu uma variedade de movimentos expressivos realizados no tempo para a música.

As primeiras apresentações de Ballet aconteceram no Renascimento Italiano, eram umas coreografias que eles intercalavam com os números de ópera para entreter os convidados.

Estes espetáculos uniam pintura, poesia, música e dança feitos em grandes salas que eram usadas também para banquetes e bailes.

Uma dança feita em 1489 realmente foi realizada especialmente para o banquete, e a ação foi estreitamente relacionado com o menu.

Le Ballet Comique de la Reine (The Queen’s Ballet Comédia), o primeiro balé realizado em Paris em 1581. Foi encenada por Balthazar de Beaujoyeux, um violinista e bailarino no castelo da Rainha Catarina de Medicis. Foi dançado por amadores aristocratas em uma sala com a família real, com um trono em uma extremidade e espectadores nas galerias em três lados, como  um teatro  de arena.

O palco foi adotado na França em meados da década de 1600, e dançarinos profissionais fizeram sua primeira aparição para o rei e cortesãos.

O balé atingiu o seu auge durante o reinado (1643-1715) de Louis XIV, cujo título o Sun King ( O Rei Sol).

Muitos dos ballets apresentados em sua corte foram criados pelo compositor francês Jean-Baptiste Lully e do coreógrafo francês Pierre Beauchamp, que inventou as cinco posições dos pés.

Também durante este tempo, o dramaturgo Moliere escreveu, die-ballet, em que dançou coreografias alternadas com cenas faladas.