Como tirar o DRT de bailarino?

Documentos Necessários

- Currículo comprovado

- Carteira de Trabalho

- Xerox do RG autenticado

- 2 fotos 3X4

- Comprovante de endereço

Faça sua inscrição no SINDDANÇA, na Rua Dona Maria Paula, 122 – 13º andar – Conjunto 1306 de 2ª a 6ª, horário das 9 às 13 e das 14 às 18 horas.

O currículo passará por análise e se for aprovado você será convocado perante uma banca examinadora para uma apresentação de um Solo ou Pas de Deux de qualquer modalidade com duração de 3 minutos.

Os atestados de capacitação expedidos pelo Sindicato para a Delegacia Regional do Trabalho poderão ser como:

- Dançarinos Provisórios: válidos por um ano (que deverá repetir a prova dentro do prazo para a aquisição do Título Permanente).

- Dançarinos com DRT permanente.

- Bailarinos Provisórios: válidos por um ano (que deverá repetir a prova dentro do prazo apara a aquisição do Título Permanente).

- Bailarinos com DRT permanente.

- Coreógrafos

- Maítre de Ballet

Mais informações

Email: sinddanca@sinddanca.com.br

Telefone: (11) 3106-6802

Fonte: www.sindanca.com.br

Paul Taylor

Paul Taylor nasceu em 1930 em Wilkinsburg, Pensilvânia. Ele viveu uma infância solitária, já que ele foi por muitas vezes separado de seus pais. Ele participou do Syracuse University, onde recebeu duas bolsas de estudo para a natação e pintura, mas logo depois decidiu retomar a dança na Juilliard School e da American Dance Festival no Connecticut College.

Em 1952, ele ganhou uma bolsa de estudos para o American Dance Festival. Ele chamou a atenção de Martha Graham, que o convidou para integrar a Martha Graham Dance Company. Ele também dançou para vários outros grandes coreógrafos modernos, incluindo Merce Cunningham e George Balanchine.

A Companhia de Dança Paul Taylor:

Em 1954, Paul Taylor fundou sua própria companhia de dança. O Paul Taylor Dance Company que tem uma história longa e distinta, tendo atuado em mais de 500 cidades em 62 países.

Ainda hoje, a cia passa a maior parte da temporada de desempenho em turnê pelas cidades americanas. Muitos bailarinos famosos surgiram a partir da cia, incluindo Twyla Tharp, Laura Dean e Dan Wagoner. Taylor coreografou mais de 90 danças para sua cia.

Dança Expressão de Paul Taylor:

Para distinguir a sua coreografia, Paul Taylor incorporava gestos cotidianos, em vez de movimentos de dança. Através de sua linguagem corporal, ele é capaz de transmitir suas emoções e imaginação.

Obras de Taylor são conhecidas por sua inteligência, simpatia, musicalidade e emoção. Suas obras tendem a ser sobre as pessoas, com foco em seus sentimentos e interações individuais com os outros.

Uma de suas obras mais famosas, “Esplanada”, é definida como música de Johann Sebastian Bach. Taylor coreografou a famosa peça ao receber uma contribuição do National Endowment for the Arts.

Paul Taylor continua a inspirar:

Paul Taylor embrulhado seus anos de realização durante a década de 1970. Suas contribuições para a dança moderna permanecem vivas. Agora, se aproximando de seu 80 anos, Taylor continua a inspirar as pessoas e bailarinos de todo o mundo. Embora ele não dance mais, Taylor continua se dedicando a direção de sua cia e ensinando outras pessoas a beleza e os rigores da dança.

Alessandra Régis, Jarbas de Mello, Carina Angélica

Coreografia deve ter um estilo!

Pense sobre o estilo da coreografia que você deseja criar – moderno, funk, hip-hop, jazz, tap ou clássica. Que impressão que você pretende deixar para o público? Você já pode ter uma determinada música para a coreografia, ou simplesmente uma idéia do tipo de desempenho que pretende desenvolver. Seja qual for o seu ponto de partida de inspiração, permanecer fiel ao seu estilo, escolhendo a coreografia da música, passos de dança, movimentos, iluminação, figurinos e adereços que vai expressar o seu tema de forma eficaz.

Música e coreografia!

A música é uma ferramenta importante que deve melhorar o desempenho, não dominá-lo. A música vai ter o estilo, ritmo e letra para apoiar a coreografia e deixá-la interessante e variada.

Se usar mais do que uma música, pense na maneira como a sua coreografia vai refletir a mudança na música, seja sutil ou dramática. Considere a adequação da música ao estilo de coreografia. Ambos os elementos devem apoiar uns aos outros no transporte do tema geral. Ele pode ser eficaz para estilos de contraste de movimento e música, mas isso deve ser tratada com cuidado, pois geralmente é mais difícil.

Se quiser realmente uma mudança brusca, a iluminação pode ajudar.

O elenco!

Decida quantos bailarinos você vai trabalhar e avalie as suas capacidades. Perceber os limites dos bailarinos e do espaço em que será executado. Manter o número de bailarinos no palco ao mesmo tempo a um mínimo, é fácil criar coreografias dinâmicas em grupos menores.

Ao trabalhar com grandes grupos de bailarinos, os passos simples realizados em conjunto pode criar um impacto dramático dando um efeito muito bonito.

Para mostrar as etapas difíceis, trazer pequenos grupos de bailarinos no palco ao mesmo tempo. Em alternativa, chamar a atenção para um grupo central de dançarinos contrastando sua coreografia com a do resto do grupo. Por exemplo, dividir em grupos, cada um faz uma rotina diferente.

Eles dizem que uma equipa é tão forte quanto o seu membro mais fraco, por isso, quando trabalhar com bailarinos de diferentes capacidades, ter como objetivo criar um senso de igualdade através da coreografia. Movimentos simples realizados com precisão são muito mais eficazes do que os difíceis feitos sem “limpeza” necessária.

Variedade!

Variedade é a palavra chave para a coreografia ficar interessante. Alterações no ritmo, humor e movimento para criar profundidade e versatilidade como um show. Tente alguns desses elementos contrastantes:

* Mudanças de passos, etapas e lugares.

* Alta / baixa

* Rápido / lento

* Simples / elaborados

* Som / silêncio

Finalização!

Como coreógrafo, nunca perder visão geral do trabalho. Figurinos, iluminação e cenografia são todos elementos que podem ser utilizados para apoiar a coreografia, no entanto usado incorretamente o seu tema pode ficar distorcido. Mantenha-o simples e inclua apenas os elementos essenciais que irão reforçar a coreografia. Seja flexível, as mudanças são inevitáveis em todo trabalho, mas é tudo parte do processo de desenvolvimento. O que parece ser uma ótima idéia para melhorar a coreografia ou criar efeito pode ser bom para uma música, mas não para outra, use a criatividade!

E o mais importante de tudo: Divirta-se!

Tal como nas outras versões, My Sister Eileen (1955) segue duas irmãs, Ruth e Eileen Sherwood, que se deslocam de Ohio para um apartamento na vila onde encontraram algum “colorido” e excêntricos. Ruth (Betty Garrett) é uma escritora que tenta lutar para conseguir um emprego com editor Bob Baker (Jack Lemmon). Eileen (Janet Leigh) também está tendo dificuldades para encontrar emprego, mas ela não tem nenhuma dificuldade para encontrar pretendentes. Um dos homens que ela atende é Frank Lippencott, desempenhado por Bob Fosse, que também coreografou o filme.

Bob Fosse já estava estabelecido como um talentoso ator e bailarino quando ele assumiu o papel do coreógrafo acrescentados em meados dos anos 50. Ele recebeu um Tony Award em 1954 para The Pajama Game, o primeiro musical Broadway que ele coreografou. My Sister Eileen foi a primeira vez Fosse coreografou e atuou. De acordo com Kevin Boyd Grubb na Razzle Dazzle: A vida e obra de Bob Fosse, “Fosse na coreografia reforçou ainda mais as canções”.

My Sister Eileen Janet Leigh foi o primeiro musical no gênero, ela se reuniu várias semanas antes com Fosse e começaram a trabalhar com ela cantando e dançando. Mesmo apesar de serem ambos casados, no momento, Leigh admite não havia uma faísca entre eles: “Tanto Bobby e eu sabia, mesmo sem falar sobre ele, um assunto que teria acontecido se nós deixá-lo. Havia que muita electricidade entre nós “. Em sua autobiografia, Leigh somados a sua experiência de trabalho no My Sister Eileen: “Éramos jovens, corajosos, talentosos, ambiciosos com conglomeração de energias. Foi um período de seis meses de trabalho de amor. Ninguém queria que acabasse, e era um grupo que reuniu para a festa de despedida. ”

Confira o vídeo abaixo, parte do filme com Bob Fosse dando um show de talento!

NOVA YORK, EUA, 27 Jul 2009 – O coreógrafo Merce Cunningham, considerado um dos grandes nomes da dança contemporânea, faleceu em Nova York aos 90 anos na madrugada desta segunda-feira.

“É com grande pesar que informamos o falecimento de Merce Cunningham, que morreu serenamente em sua casa durante a noite por causas naturais”, declarou a Fundação Cunningham Dance Foundation e a Merce Cunningham Dance Company em seu comunicado conjunto.

Merce Cunningham, nascido em Centralia, Washington, começou suas aulas de dança e teatro na Escola Cornish (agora Cornish Colégio das Artes), em Seattle. De 1939 a 1945, ele era um solista da companhia de Martha Graham. Ele apresentou o seu primeiro solo com a Nova Iorque John Cage, em Abril de 1944. Merce Cunningham Dance Company foi formada no Black Mountain College, no Verão de 1953. Desde então Cunningham coreografou quase 200 obras de sua empresa. Em 1973 ele coreografou Un jour para o Ballet da Ópera de Paris, com música de John Cage e design por Jasper Johns. O Ballet da Ópera de Paris foi também realizado um revival em 1990. Seu trabalho também foi apresentado pelo New York City Ballet, American Ballet Theatre, Ballet Boston, White Oak Dance Project, Pacific Northwest Ballet, Pennsylvania Ballet, Ballet Zurique, e Rambert Dance Company (Londres), entre outros.

Cunningham trabalhou extensivamente em filme e vídeo, em colaboração com Charles Atlas primeiro e mais tarde com Elliot Caplan. Em 1999, com a Atlas foi retomado com a produção do documentário Merce Cunningham: Uma Vida de Dança. Em 2004/2005 eles colaboraram novamente em uma nova peça cuja forma final é, em duas versões. Esta foi financiada por uma subvenção de The Andrew W. Mellon Foundation; novos projetos ao abrigo deste subsídio inclui filmes de Split Sides (2003) e Oceano (1994, reviveu 2005). Cunningham tem interesse na tecnologia contemporânea, levou-o a trabalhar com o programa de computador DanceForms, que ele tem usado na tomada de todas as suas danças desde Trackers (1991). Em 1997 ele começou a trabalhar no movimento captura com Paul Kaiser e Shelley Eshkar de leito de rio Media para desenvolver a decoração para bípede, com música de Gavin Bryars, realizados pela primeira vez em 1999 no Zellerbach Hall, Universidade da Califórnia em Berkeley. Outro grande trabalho, Interscape, em 2000, Cunningham reunificado com o seu início colaborador Robert Rauschenberg, que projetou tanto decoração e figurinos para a dança, que tem música de John Cage.

“Se um dançarino-dança que não é o mesmo que ter teorias sobre dança ou que desejam dançar ou está tentando dançar ou recordar em seu corpo de outra pessoa, mas dança-se a dançarina dança, está tudo lá. . . Nossa dança em êxtase vem do possível dom da liberdade, o emocionante momento em que esta exposição nua da energia nos pode dar. O que se entende não é licença, mas liberdade. . “.

Merce Cunningham (1952)

Em Agosto de 2001 Merce retornou ao palco nas apresentações teatrais de John Cage, no Festival de Edimburgo, com compromissos em Berlim, Champaign-Urbana (Illinois), Berkeley, Califórnia, e Perth, Austrália Ocidental. No relançamento da Como Pass, Kick, Fall e Run (1965), realizados pela primeira vez no Lincoln Center Festival 2002 no New York State Theater, Merce Cunningham, juntamente com David Vaughan, lia as histórias de acompanhamento por John Cage. Na temporada 2002-03 a Merce Cunningham Dance Company celebrou o seu 50 º aniversário, começando com performances em 2002 o Lincoln Center Festival em Nova York, e terminando no Brooklyn Academy of Music’s Next Wave Festival, em outubro de 2003, quando um novo trabalho com música por duas bandas de rock, Radiohead e Sigur Ros, Split Sides, foi apresentada. A decoração foi feita por Robert Heishman os fotógrafos e Catherine Yass, com figurinos de James Hall e iluminação por James F. Ingalls. No Verão de 2005 MCDC novamente apareceu no Lincoln Center Festival, apresentando um relançamento do trabalho Oceano 1994. Cunningham do último trabalho, eyeSpace, foi apresentado no Joyce Theater em Nova Iorque, em Outubro de 2006.

Em outubro de 2005 recebeu o Merce Cunningham Praemium Imperiale em Tóquio. Outras homenagens e prêmios incluem: a Dorothy e Lillian Gish Prize (2000); o Handel Medalhão da Prefeitura da Cidade de Nova Iorque (1999); o Bagley Wright Fundo Instituído Artistas Award, Seattle (1998); a Nellie córnico Artes Achievement Award de sua alma mater, Cornish Colégio das Artes, Seattle (1996); o Golden Lion a Bienal de Veneza (1995); e os Wexner Prémio do Wexner Center for the Arts na Ohio State University, Columbus (com John Cage, postumamente, 1993). Cunningham também foi um destinatário da Medalha Nacional de Artes, em 1990, e do Kennedy Center Honors, em 1985, ano em que ele também recebeu um prêmio Laurence Olivier, em Londres, e um MacArthur Fellowship. Na França, ele foi feito Comendador da Ordem das Artes e das Letras em 1982 eo primeiro Chevalier (1989) e, em seguida, Officier (2004) da Légion d’Honneur. Cunningham tem colaborado em dois livros sobre sua obra: Changes: Notas sobre Coreografia, com Francisca Starr (Something Else Press, New York, 1968), e The Dancer e da Dança, entrevistas com Jacqueline Lesschaeve (Marion Boyars, Nova York e Londres, 1985). Este último, publicado originalmente em francês, também tem sido traduzido para o alemão e italiano. Merce Cunningham / Dançando no espaço e no tempo, uma coleção de ensaios críticos editado por Richard Kostelanetz (segunda edição), foi publicado em 1998 pela Da Capo Press. Merce Cunningham: Cinqüenta Anos, crônicas e comentários por David Vaughan, arquivista da Cunningham Dance Foundation, foi publicado em 1997 pela Aperture e tradução em francês por Edições Plume. Um suplemento digital (CD-ROM), intitulado Merce Cunningham: Cinqüenta Reencaminhar foi produzido pela Cunningham Dance Foundation, em 2005. Aperture publicado um livro de Cunningham’s desenhos e revistas, sob o título de outros animais, na Primavera de 2002.

Uma grande exposição sobre o seu Cunningham e colaborações, curadoria de Germano Celant, foi visto na Fundació Antoni Tàpies de Barcelona em 1999 e, posteriormente, na Fundação de Serralves, Porto, Portugal, 1999; o Museu Ludwig Stifftung Moderner Kunst, Viena, 2000; e o Museo d’Arte Contemporanea, Castello di Rivoli, Turim, 2000. Um trio de exposições dedicada a John Cage, Robert Rauschenberg, e Merce Cunningham, curada por Ron Bishop, foram mostrados na Primavera de 2002 na Galeria de Belas Artes, Edison College, Fort Myers, Flórida. Merce Cunningham: Dança na ponta, uma exposição de concepção recente para MCDC, aberta no Museu de Arte Contemporânea, North Miami, em janeiro de 2007. A maior exposição Invenção: Merce Cunningham & Colaboradores na Biblioteca Pública de Nova York para as Artes Cênicas será encerrada em 13 de outubro de 2007.

Curso de Férias de Jazz Musical

Com o professor, coreógrafo, bailarino Adenis Vieira

Dias 27, 28, 29 e 30 de Julho

Horário: 19h30 as 21h00

Local: Ballet Coppélia

Divirta-se!

Rua: Macarani, 79 – Jardim Saúde (ao lado do Shopping Plaza Sul)

Telefone: (11) 5077-2709

Nas aulas vocês vão aprender algumas coreografias de grandes musicais da Broadway e ainda dicas de como se preparar para uma audição de musical!

Existem diversos programas de formação que um bailarino pode seguir no caminho para se tornar um bailarino profissional. Três dos maiores programas são as Cecchetti, russo Vaganova e Royal Academy of Dance (RAD. Eles têm todos os níveis para todos os bailarinos do iniciante ao aluno mais experiente e que todos eles têm suas vantagens e desvantagens.

A técnica Cecchetti foi desenvolvida a partir dos ensinamentos do grande ballet Enrico Cecchetti pela Sociedade Cecchetti. É um completo programa desenhado para treinar bailarinos para o trabalho profissional. A notável ênfase no programa de Cecchetti é que o fluxo de armas e de mistura de posição para a posição mais do que qualquer outra técnica. Foi a técnica de Cecchetti que formou o núcleo do programa no National Ballet School do Canadá, durante muitos anos, mas agora passou a ser a técnica russa.

O russo é nomeado após a técnica de Vaganova e derivadas dos ensinamentos de Agrippina Vaganova, que foi a diretora artística do Kirov Ballet, durante muitos anos. No método Vaganova, os bailarinos trazem a atenção para as suas mãos num fluxo não invisível de uma posição para a próxima, como no método Cecchetti, as mãos vão ficar para trás e virar no último momento. No método Vaganova os exercícios para cada nível não estão definidos como elas são para o RAD ou Cecchetti . Cada professor monta a sua própria aula, de acordo com as orientações dadas a eles e os alunos em sua classe. É o método Vaganova que constitui o núcleo do programa no Royal Winnipeg Ballet School.

A Royal Academy of Dance (RAD), foi fundada em 1920 por um grupo de professores de ballet. Ao longo do tempo, estes cinco professores e seus sucessores criaram um sistema para ensinar a dança para os alunos que tem crescido sendo um dos mais populares programas de dança no mundo. Existem atualmente mais de 190.000 alunos que estudam o RAD Programa a ser ensinado por 5.800 professores registrados em 82 países.

A School of American Ballet ensina o método Balanchine. Criado por George Balanchine na School of American Ballet, o método permite Balanchine aos bailarinos dançarem as coreografias de Balanchine muito mais facilmente do que outros bailarinos. No método Balanchine as mãos são detidas novamente diferente de qualquer dos outros sistemas.

Cada técnica tem também o seu próprio sistema de nomeação para a direção da face, as posições dos braços, arabesques, e alguns passos da dança. Por exemplo, a posição do braço conhecida como “bras bas” no RAD é conhecido como “quinto en bas” no Cecchetti e como “preparatória” no Vaganova. No entanto, as cinco posições básicas dos pés são as mesmas em todos dos métodos.

MAURICE BÉJART

Nascido em Marselha, no dia 1º de janeiro de 1927, Maurice Béjart aprendeu o básico de sua dança, aos 14 anos, com os professores Madame Egorova, Madame Rousanne e Léo Staats. Em sua primeira aula de dança fez sua primeira coreografia. Para montar suas coreografias ele analisa em 1º lugar o bailarino, o intérprete para depois pensar nas músicas, idéias, cores e sentimentos. Mas o primordial é o corpo humano, cada um deve encontrar sua própria linguagem. Sua formação clássica se deve a Jainne Charrat e Roland Petit, em Vichy, e em Londres, no Internacional Ballet. Béjart estreou em Paris, como primeiro bailarino e mais tarde como coreógrafo. Em 1954, funda na capital francesa sua primeira companhia, O Ballet de I’Étolie, que passa a se chamar Ballet-Théatre de Paris em 1957. Dois anos depois, monta sua versão da Sacre du Printemps (A sagração da Primavera), inspirada na música de Stravinsky para o Théatre Royal de La Monnaie a pedido do diretor Maurice Huisman.

A produção rende-lhe um convite para criar uma companhia de dança em Bruxelas. O ballet du XX Siécle é fundado em 1960 e se estabelece na cidade por 25 anos. Em Bruxelas, obras importantes como L’Oiseau de Feu (Pássaro de Fogo) e Bolero (Bolero), somam-se a Sacre du Printemps. Ainda na capital belga, Béjart estabelece a escola Mudra, em 1970, depois em Dakar, a partir de 1977 e, enfim, em Lausanne, em 1992.

BÉJART VIVE NOVA FASE CRIATIVA EM LAUSANNE

A transferência da companhia pra Lausanne foi o marco inicial de uma nova etapa do seu trabalho criativo com a fundação do Béjart Ballet Lausanne. As produções de Béjart tornaram-se notáveis pelo teor de dramaticidade contida nas interpretações e pelas inovações feitas no casamento entre músicas tradicionais e dança freqüentemente inusitada e polêmicas. O coreógrafo abriu novas perspectivas para a dança, influenciando toda uma geração. Em suas criações, música e expressão corporal unem-se na busca de uma forma-mensagem.

Maurice Béjart e seu ballet nos trazem uma mensagem estética que busca expressão através de suas formas-movimentos, uma mensagem de vida e de perplexidade diante de um mundo. A matéria-prima é o homem e suas ilusões, frustrações, amores e esperanças. A perda do bailarino Jorge Donn, a quem várias de suas criações foram dedicadas, evidenciou o trabalho passional de Béjart. Entre os seus principais trabalhos destacam-se Symphonie pour um homme Seul (1955), Orphée (1957), La Sacrée du Printemps (1959( e Messe pour lê temps présent (1967).

Bolero ainda é visto como sua principal marca registrada, especialmente na densa interpretação de Jorge Donn. Lê Presbytére na rien perdu de son charm, ni lê jardin de son éclat (1997), uma homenagem a Donn e a Fred Mercury, fez sucesso estrondoso em todo o mundo, inclusive no Brasil. Além do trabalho com seus grupos, Maurice Béjart dirigiu teatro, criou danças para óperas e fez cinema, baseando-se na Filosofia, disciplina em que se graduou. Da tradição oriental, tirou inspiração para vários trabalhos, inclusive Khabuki, um grande sucesso do mestre francês.

ALGUMAS DE SUAS COREOGRAFIAS

“Sinfonia para um homem só”

“Sagração da Primavera”

Mikhael Fokine (1880-1942) é um dos mais conhecidos coreógrafos do século XX. Nasceu em São Petersburgo em abril de 1880 e estudou no Teatro Imperial. Formou-se com 18 anos, ingressou no Teatro Marynsky e em 1904 tornou-se solista. Começou a ensinar no colégio Imperial em 1902 e fez sua primeira coreografia para uma apresentação dos estudantes. Em 1907, criou o solo A Morte do Cisne, com música de Camille Saint-Saens para Anna Pavlova. Este solo tornou-se um dos mais famosos de Pavlova, contava a história do último vôo de um cisne, antes de sua morte. O primeiro ballet coreografado por Fokine, para o Teatro Marynsky foi Le Pavillon d’Armide, que também estava no repertório do Ballet Russo de Diaghilev, em Paris, em 1918. Tornou-se então primeiro o coreógrafo de Diaghilev, apesar de continuar a dançar na Rússia até 1918.

Fokine foi considerado o fundador do ballet moderno, baseando sua coreografia no antigo sistema de treinamento, mas eliminando tradições rígidas. Era um bailarino forte, mas será mais lembrado pelas grandes contribuições nas mudanças do ballet.

Emigrou em 1929 para os Estados Unidos, onde formou várias companhias e conduziu uma escola de ballet.

Em 1932 tornou-se cidadão americano. Casou com Vera Antonovna e seu filho Vitale, tornou-se professor em nova York. Entre aproximadamente os setenta ballets criados por Fokine estão: Príncipe Igor, O Pássaro de Fogo, Sherazade, O Espectro da Rosa e Petrushka.

Trabalhou como coreógrafo chefe para o empresário Serge Diaghilev, Fokine conquistou Paris e toda a Europa quando Ballet Russo de Serge Diaghilev estreou na capital francesa em 1909.

Pelos próximos 20 anos a companhia de Diaghilev dominaria o mundo do ballet. O maior de seus coreógrafos era Fokine, cujo Pretrushka (1911) combinava a música de Igor Stravinsky, a decoração de Aleksandr Benois e a dana de Vaslav Nijinsky ( o novo Deus da dança), Tamara Karsavina e Enrico Cecchetti. A maestria de Fokine em valores e seus efeitos da dança-mímica criaram um novo estilo teatral. Seus ballets incluíam La Sylphides (1909, originalmente Chopiniana, 1907), Le Pavillion d’Armide (19807), Le Carnaval (1910), e  L’Oiseau de Feu (Pássaro de Fogo, 1910). Numerosos dançarinos eram associados à Companhia de Diaghilev: Adolf Bolm, Alexandra Danilova, Arton Dolin, Alicia Markova e Olga Spessivtesa.

A bailarina russa Anna Pavlova dançou pouco na companhia de Diaghilev; com sua própria trupe ela viajou todo o mundo educando audiências na dança clássica. Do período de Diaghilev uma tradição de grande valia nasceu.

Tantos coreógrafos mundialmente conhecidos como Vaslav Nijinsky, sua irmã Bronislaava Nikinska, Leonid Massine e George Balanchine foram todos patrocinados por Diaghilev. Contribuições esplendorosas feitas por Benois, Leon Bakst, Michel Larionov e Natalia Goncharova, assim como por artistas na escola moderna francesa, incluindo Fernand Leger, George Braque, Pablo Picasso e Henri Matisse.

O maior compositor de ballet deste século, Stravinsky começou sua carreira com o Ballet Russo.

Fokine faleceu  na cidade de Nova York em 1942.