Data da Audição: 31 de agosto

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Responsável: Sueli Cherbino

E-Mail: sukacherbino@yahoo.com.br

Os artistas da dança moderna tem muito orgulho da sua história, tendo o pólo oposto do balé. Ballet é a história da organização, movimento simétrico, as tradições das cias, teatros, assim como indivíduos. Dança moderna, por outro lado, é quase totalmente a história das personalidades, bebidas espirituosas e corações de cada um dos bailarinos, que elaboram as suas próprias filosofias, e definir os seus próprios estilos. Estes estilos evoluem e são transmitidos aos estudantes que, em seguida, romper a criar algo novo e tão pessoal.

Dança Moderna na América

Dança Moderna começou na América no início do século 20 quando os antecessores dos artistas que hoje conhecemos, começou sua própria rebelião contra a formalidade do balé e da previsibilidade das populares mostras de dança do período.

As suas técnicas e estilos eram muito diferentes, o que eles tinham em comum era insatisfação com as opções disponíveis para bailarinos e, em seguida, o objetivo último de transmitir ao seu público um senso de realidade interior e exterior – um objetivo que ainda inspira bailarinos modernos hoje.

Os pioneiros da dança moderna na América pode ser atribuídos a Loie Fuller, Isadora Duncan, Ruth S., Dennis, Ted Shawn e Maude Allan.

A primeira geração de Dança Moderna

Durante a década de 1920, uma paixão pela dança interpretativa movimentava a América. Os estudos do excessivo gesto tinham crianças em idade escolar, estudantes universitários e pessoas em todo o país realizando uma espécie de balé simplificado em pés descalços e roupas largas.

Isadora Duncan e  Denishawn  tinham introduzido audiências e bailarinos similares ao conceito de uma nova forma de dança teatro. O terreno tinha sido estabelecido para o trabalho da primeira geração de bailarinos modernos que começou o desenvolvimento da arte, tal como a conhecemos hoje.

A primeira geração de dança moderna: Martha Graham, Doris Humphrey, Mary Wigman, Charles Weidman, Hanya Holm, Oskar Schlemmer, Agnes de Mille, Gertrude Bodenweiser, Kurt Joos, Helen Tamaris e Lester Horton.

A segunda geração de Dança Moderna

Até o final da II Guerra Mundial os fundadores da dança moderna tinham produzido uma cultura de talentosos estudantes que, como as crianças fazem muitas vezes, fazia com os seus “pais” bem-estabelecidas e teorias usadas para criar seu próprio tipo de dança.

A grande batalha pela posição e respeitabilidade já tinha sido vencida, não era necessário para a segunda geração de tomar si ou sua arte com a mesma seriedade mortal que tinha caracterizado os seus antecessores.

A segunda geração de dança moderna: Erich Hawkins, Merce Cunningham, Paul Taylor, Anna Sokolow, William Bales, Jane Dudley, Sophie Maslow, Jean Erdman, Jose Limon, Ann Halprin, Sybil Shearer, Alwin Nikolais, Glen Tetleym Alvin Ailey, Katherine Dunham , Pearl Primus, Anita Entra, Edwin Strawbridge Steve Paxton, Yvonne Rainer, Meredith Monk, Twyla Tharp e James Waring.

A Geração Moderna

As convulsões sociais e artísticas do final dos anos 1960 e 1970 sinalizaram ainda mais radicais da dança moderna. Dança moderna é hoje muito mais sofisticada, tanto em técnica e tecnologia, que começou a dançar pelos bailarinos clássicos. Os bailarinos nessas danças são inteiramente compostos de espírito, alma, coração e mente.

A preocupação com os problemas sociais e da condição do espírito humano ainda está lá, mas questões são apresentadas com uma teatralidade que teria chocado muitos dos primeiros bailarinos modernos, tão preocupados com o que estabelece como sérios artistas.

A essência da dança moderna é a de olhar em frente, não para trás. O conflito entre balé e dança moderna olha como se vai continuar a enriquecer a ambas as formas, mas também não é provável que perca a sua identidade no processo.

É impossível prever o que a dança moderna irá tonar no futuro, mas, se as modificações ocorridas durante os próximos 50 anos são tão radicais como as que ocorreram durante os últimos 50, a dança poderá encarar um momento interessante.

Morre a coreógrafa alemã Pina Bausch aos 68 anos, na manhã da terça-feria dia 30 de junho. Considerada um dos nomes mais importantes da dança contemporânea do século XX, a autora da celebrada peça “Café Müller” que há apenas cinco dias ficou sabendo que sofria de cancer.

“É uma perda irreparável. Desaparece uma das grandes criadoras universais do século XX. E há algo da criação desse século e da passagem para o século XXI que morre com ela. Com ela aprendi muito, inclusivamente para o meu cinema, ao nível da montagem, da utilização da música e dos sons. Ao ver como as ideias se iam montando e surgindo na sua cabeça. Vai-me ser difícil fazer o luto, do ponto de vista pessoal, por causa da grande amizade que tinha com ela”.

Fernando Lopes, realizador e autor do documentário “Lissabon Wuppertal Lisboa” (1998)

“Pina Bausch marca todo o discurso a partir do final dos anos 1970 e nós todos somos de algum modo filhos e netos [da sua obra]. (…) Se hoje estamos com uma linguagem de dança emancipada, com um discurso de autor e uma teatralidade em perfeita unidade com o corpo devemos à Pina Bausch”

Rui Horta, coreógrafo, bailarino e director do centro disciplinar O Espaço do Tempo

“Vi-a, pela primeira vez, em 1982, num espectáculo em Londres, e pude conhecê-la pessoalmente. Ficámos amigos desde essa altura. Ela deixa um legado importantíssimo, inacreditável mesmo, principalmente na revolução que faz na linguagem da dança e do teatro, e na aproximação entre ambas.”

Jorge Salavisa, director artístico do Teatro S. Luiz

Nascida em 27 de julho de 1940, na cidade industrial de Solingen, na Alemanha, Pina Bausch, uma vez disse, “eu não sou uma aluna.” Começou os seus estudos aos 14 anos sob a direção de Kurt Jooss na Folkwang School, a partir do qual ela formou-se em 1959. Jooss foi um dos mais notáveis professores e coreógrafos do período pré-Hitler, um espírito liberal, um monumento contra a guerra. Seu espírito deve ter influenciado grandemente para o desenvolvimento da Bausch.

A segunda grande influência veio da cidade de Nova York, onde desembarcou aos 19 anos. Ela foi uma das poucas bailarinas alemã a irem para o estrangeiro, com uma bolsa e foi para Nova York por meio do Programa de Intercâmbio Alemão Americana para o E.U.A.. Ela estudou na Juilliard School of Music com os professores, tais como Louis Horst, Josea Limogn, Paul Taylor e Antony Tudor e dançou com o Paul Sanasardo e os Danya Feuer Dance Company. Ela se tornou um membro da New American Ballet e do Metropolitan Opera Ballet. Mas foi a própria cidade, a sua multifacetada vida, que impressionou vivamente Bausch. Ela considerou que a direção da sua vida futura foi determinada nos dois anos de sua estada nesta cidade. “Nova York é como uma selva, mas ao mesmo tempo que lhe dá uma sensação de liberdade total. Nestes dois anos eu encontrei-me.”

Bausch retornou à Alemanha em 1962, e tornou-se bailarina principal com o recém-fundado Folkwang-Ballett. Em 1968 ela começou a coreografar para o Folkwang-Ballett e no ano seguinte assumiu a liderança da Cia. Em 1973, partiu para o Tanztheater Wuppertal Wuppertal e fundou, para a qual ela criou todo o comprimento de cerca de 30 produções. Ela colocou voz nos bailarinos, rabiscos e uma pequena palestra, como na sua peça Waltz. Ela usou isso também no O Rito da Primavera. Neste pedaço ela abrangia todo o palco com turfa, para que um só não podia ver e ouvir, mas também o cheiro era a caracteriza esta produção.

Ela logo se tornou convencida de que a arte deve ser um veículo de crítica social, que nunca deve ser um mero meio para embelezar a vida. Ela nunca foi interessada em contar uma história dramática ou bonita embelezando com passado de ornamentos. Dela não eram histórias contadas, mas as experiências encenadas. Suas obras não foram psicoterapia ou fisicamente poético. Qualquer que seja ela tentou transmitir, levantado fora de qualquer contexto pessoal e principalmente lhe deu um significado sócio-político. Sua abordagem foi de um coreográfico psicológico apenas na medida em que surgiu a partir da profundidade de seu (sua e bailarinos “) estar. Assim, as suas criações artísticas da Gestalt atingiu a validade universal.

Tal como Bertolt Brecht, Bausch queria espectadores a refletir sobre o que via e ouvia e para tirar suas próprias conclusões. Ela esperava um veredito de condenação por muitas injustiças da vida, especialmente as que afetam as mulheres. No palco, se não for bastante na vida, ela se tornou um ativista feminista. Ela defendeu a mulher contra o sexo masculino, uma vez que, nos seus olhos, o macho foi uma parte da sociedade agressiva.

Em suas obras ela dançava para superar limites técnicos e conceituais. O seu aparecimento na cena internacional de dança era exemplar, inspirando muitos outros coreógrafos na Europa. Sua maior ação foi a de ter encontrado uma nova dimensão original na arte da dança, rompendo através de todas as barreiras do que era até então conhecido como pós-moderna, utilizando todos os meios teatrais e dramatúrgico para impor uma idéia – que, por sua vez, também influenciou o teatro Europeu, abrindo o caminho para um novo movimento da qualidade no palco.

Bausch principalmente trabalhou em um espírito de desconfiança ou de um clima de defesa, criando assim inesperados contrastes. Em conceitos e gestos que ela poderia tornar-se agressivo a ponto de suscitar rejeição do espectador. Mas ela só poderia suscitar indignação e protesto. Ela fez isso claro quando disse: “É um trabalho quase insignificante que se verifica um entendimento público. Um tem de fazê-lo porque um acredita que é a coisa certa a fazer. Nós não estamos aqui apenas para agradar, não podemos ajudar a desafiar o espectador. ”

Esse pensamento foi ampliado conforme a realidade de seu esforço criativo, e seu rico repertório provou a sua filosofia de vida. Anda, dança comigo, por exemplo, as pesquisas para a felicidade humana em um mar de futilidade. Também não há fim à frustração no seu Bluebeard. Simbolicamente, isso ocorre em uma sala coberta por folhas mortas. Bailarinos e bailarinas incessantemente alcançavam um ao outro, mas as suas tentativas de abraçar e acariciar tornavam dolorosamente claro que não existe uma verdadeira comunicação. É um trabalho impressionante, questionando o velho cliche sobre o amor e demonstrando o nosso desejo desesperado por ele. Para Nelken, Bausch cobriu o chão com rosa cravos.

Café Muller, com música de Henry Purcell, é uma história de alienação e solidão, embora ela não contém nenhuma real parcela. Bausch foi um mestre em dramatizar a monotonia da vida cotidiana. Em um estádio cheio com cadeiras, uma mulher de vestidos e ininterruptamente de roupas intimas; uma jovem aos beijos e argumenta incessantemente, um homem entra e sai, fazendo avanços sexuais para ambos os sexos; outro jovem bash coloca mutuamente contra o muro, enquanto outra figura permanece totalmente imóvel no o plano de fundo. Nada mais acontece, mas estamos dolorosamente lembrando das realidades da vida. Seu rito de Primavera é a forma de horror, fora do escuro desespero, o sacrifício da virgem para a chegada da primavera tem uma sensação de brutais verdades que nós pagamos para a vida com a morte.

O Window Washer, co-produzido pelo Goethe-Institut Hong Kong e de Hong Kong Arts Festival Society, estreada em 1997. Em finais de 1996, Bausch trouxe 29 bailarinos de 14 países para Hong Kong para três semanas para absorver a atmosfera e a cultura e, em seguida, retornou ao Wuppertal para criar a peça.

Bausch tenta espelhar as várias estações da nossa existência na pantomima e dançou apoiado por música e imagens da palavra falada. É um longo caminho da paixão de Wuppertal para Getsêmani. Há também uma luz em poucos instantes em seu trabalho, mas muitos mais momentos em que para fazer uma pausa e olhar em silêncio com espanto em um mundo perdido, que não podem encontrar-se. Pina Bausch faleceu dia 30 de Junho de 2009. Cinco dias depois de saber que estava com câncer.

Pilobolus (cristalino) é um zigomiceta folotrópico – um fungo que adora o sol e que aparece nos currais e pastos. Ele cresce em um pedúnculo como uma pequena bexiga, pressurizada por alvéolos de seiva e encimado por um minúsculo chapéu preto cheio de esporos.

Quando o tempo e o Pilobolus estão maduros, todo esse esporágio é expelido com força e os pequenos sacos de esporos podem ser atirados sobre uma vaca como palhaços lançados por um canhão. É relatado que a aceleração – de 0-45 mpg no primeiro mm de vôo – é a segunda mais rápida na natureza.

Pilobolus, o organismo artístico, germinou no solo fértil de uma sala de aula no Dartmouth College em 1971. O que emergiu foi um processo coreográfico colaborativo e um enfoque único de compartilhamento em uma parceria, que deu à jovem companhia um novo conjunto de habilidades não-tradicionais mãos poderosas para criar coreografias.

O grupo foi logo aclamado por sua surpreendente mistura de humor e invenção. Assim, o Pilobolus não tardou a tornar-se uma organização auto-suficiente, com seus membros coreografando, dançando, gerenciando e criando a publicidade de seus próprios programas.

O Pilobolus desenvolve-se a partir desse coletivo de dança rumo a uma organização única nas artes norte-americanas, com três ramos principais de atividade: Pilobolus Dance Theatre, uma companhia itinerante integrada por sete pessoas; o Pilobolus Institute, um guarda-chuva para toda a programação educacional; e o Pilobolus Creative Services, uma estrutura administrativa que permite coordenar atividade criativa tanto com as organizações comercias quanto artísticas fora da companhia.

Hoje, o Pilobolus é reconhecido como uma das principais companhias de dança americanas de Prestígio internacional. Ele não abandonou, porém, seu ímpeto original.

A companhia mantém um profundo esforço colaborativo com um diretor executivo, três diretores artísticos e sete bailarinos contribuindo para um dos mais populares e variados repertórios do gênero. Suas muitas décadas de consistente atividade artística colocam-se agora como um testamento da notável fecundidade e longevidade do grupo.

Todos os setores da companhia estão amarrados a esta missão: criar e manter uma organização artística dedicada à coreografia e à apresentação de obras de teatro dançando no mais elevado nível de imaginação e energia; e metodologia criativa para estimular, educar e expandir o público da dança através da inovação, colaboração e serviço público.

O Pilobolus é uma corporação isenta de taxas, não-lucrativa, parcialmente mantida por fundos da Comissão de Cultura e Turismo de Connecticut e por um prêmio do Nacional Endowment for the Arts, além de donativos. A Met Foundation é o patrocinador oficial das turnês do Pilobolus Dance Theatre.

Uma das mais importantes companhias de dança norteamericanas, pioneira da dança acrobática, chega ao Brasil em maio para apresentações em seis capitais.

Bailarinos que são também acorbatas ou vice-versa, corpos que se fundem a outros ou a materiais inusitados criando formas surpreendentes, tudo isso é uma marca da dança contemporânea, explorada por diversas companhias.

Mas ninguém faz de forma tão original e inovadora quanto o Pilobous Dance Theatre. Pilobous foi criada há 38 anos e pioneira no estilo, a grande responsável por uma revolução no cenário da dança moderna.

Aqui no Brasil eles vão mostrar um programa que vai surpreender e encantar a todos, reunindo cinco de suas principais coreografias, criadas em épocas diferentes da trajetória da companhia, a primeira criada em 1973 e a última em 2008.

Pilobous foi fundada por Moses Pendleton, que mais tarde criou o Momix, e Jonatham Wolken, que foi o primeiro grupo moderno que juntou a dança técnica de força física com improvisação cênica e muitos efeitos visuais e de luz, apresentando ao público coreografias abstratas muito diferentes dos padrões tradicionais da dança.

Em 2007 foram convidados para se apresentar na cerimônia do Oscar, vista por mais de 1 bilhão de pessoas em todo os mundo.

Programa (sujeito a alterações)

Rio de Janeiro

Local: Vivo Rio

Datas: 22/05 a 24/05/09

Vendas: (21) 3235-8545

Brasília

Local: Teatro Nacional Cláudio Santoro

Data: 28/05/09

Vendas: (61) 3325-6256

São Paulo

Local: Via Funchal

Datas: 30/05 e 31/05/09

Vendas: www.viafunchal.com.br

Salvador

Local: Teatro Guairá

Data: 03/06/09

Vendas: (71) 3339-8014

Curitiba

Local: Teatro Guairá

Data:  05/06/09

Vendas: (41) 3315-0808

Porto Alegre

Local: Teatro Bourbon

Datas: 06/06 e 07/07/09

Vendas: (51) 8401-0555