Técnica – A técnica seria na verdade, o lado objetivo e definido na arte. O conjunto de processos, que através da prática da disciplina diária do método, levam à especialização e fluência da linguagem artística em questão.

Técnica é a estrutura básica de ordenação e sistematização do trabalho (em nosso caso, o trabalho corporal), através do qual o corpo formará condições de resolver, desenvolver, operacionalizar e aprimorar uma linguagem de movimento específico.

Para que a leitura do movimento se resolva com clareza, é necessário manter a continuidade e o desenvolvimento do trabalho sobre a coluna dorsal do embasamento técnico, a partir do qual outras tendências podem vir a se desenvolver, ampliando as possibilidades de expressão, dentro do universo plástico e simbólico do movimento.

A técnica dentro do processo artístico deve ser encarada como um meio e não como um fim, pois esta última opção além de limitar a concepção integral do elemento artístico (interno – externo), limitaria também a linguagem e o encaminhamento artístico, dentro da corrente dinâmica da evolução histórica.

A estrutura básica acadêmica se torna Clássica, uma vez que sua concepção, seu conteúdo e sua função se tornam atemporais, sendo seu resultado de aplicação global e objetivo; desta forma, será estruturado um embasamento sólido, para que haja mais tarde, especificação de detalhes, nuances e tendências da linguagem plástica, que comporão o elemento de expressão, como um todo, dentro do processo artístico.

Ao se falar em técnica é importante falar em método, esclarecendo também, alguns pareceres a respeito de escola e estilo.

- Técnica: como já foi abordado, a técnica seria um conjunto de conhecimentos relativos a determinada linguagem artística.

- Método: seria a forma, o processo utilizado para transmitir pormenorizadamente a técnica, como estrutura básica, observando as etapas dinâmicas do aprendizado.

- Escola: esta por sua vez, surge pela absorção e assimilação depurada da técnica, criando-se uma personalidade quanto a linha de trabalho, levando-se em conta, ainda, as características sócio-político e culturais do meio no qual se desenvolveu.

Apesar das leituras individuais, que possam vir a ser feitas em cima de uma linha de trabalho, a resposta guardará constantes atemporais, que determinam a personalidade da escola.

- Estilo: o estilo, ao contrário da técnica, é temporal e diz respeito ao conjunto de qualidades e nuances de expressão, que caracterizam a arte, num dado período histórico.

Precedido sempre por fases de divergências, o estilo marca determinada época a partir da qual, ideias e características convergem numa só fase, impulsionando uma corrente artística que delineia e especifica o período.

O estilo reveste a técnica, sublinhando tendências e detalhes, tornando fluente a leitura artística do movimento, dentro da utilização de uma constante de recursos e construções, que caracterizam a fase estilística. O estilo confere ainda à arte a possibilidade de registrar o momento histórico, através de um filtro, de um prisma individual, que mesmo contendo matizes coletivos, tende a desaparecer simultaneamente ao desaparecimento do referencial criativo. O estilo possibilita ainda , ao criador, o desenvolvimento de tendências de estilos diferentes, no decorrer de sua produção artística, que virão a constituir fases distintas, sucedendo no tempo.

De forma abrangente, a ideia de estilo enfoca o princípio de “inter-relação” de constantes formais, na composição essencial da obra. Existem denominados particulares que atuam como pano de fundo estilístico, acomodando manifestações artísticas diferentes mas que, apesar das particularidades de estilo, refletem elementos comuns próprios da época que os reúne.

Articular a ideia de estilo, se torna um problema bem mais complexo, na medida em que constatamos a presença do sincretismo na composição do elemento artístico, não se prendendo a uma “pureza formal” de estilo.

Fonte: O Ballet e seu contexto teórico

Você gostaria de começar a praticar algum estilo de dança? Quer mexer o esqueleto apenas ou até se tornar uma bailarina? Então vamos lá! Cada tipo de dança é composta por técnicas que precisam ser praticadas e dominadas. Seus objetivos como bailarina vão te ajudar a decidir qual o estilo de dança é ideal para você.
Se você estiver considerando aprender a dançar, você tem vários estilos de dança para você escolher. Talvez você já saiba que dançar é um grande exercício e também muita diversão. Ou talvez você já ouviu falar que a dança é uma atividade social maravilhosa, assim como um desafio para o corpo. Quaisquer que sejam suas razões para querer aprender a dançar, primeiro você deve escolher um estilo de dança. Como saber qual o estilo de dança é ideal para você?  
Se você já viu um tipo de dança que gostou muito, provavelmente você está inclinado a escolher esse. Muitas pessoas se inspiram em aprender a dançar depois de ver outras pessoas dançando, na televisão, em filmes, no palco, ou mesmo na pista de dança de uma baile. Mas antes de se inscrever em uma aula de dança, dê uma olhada em alguns estilos para ter certeza o que é ainda mais atraente para você.

Seu objetivo

Considere suas razões para querer aprender a dançar. Você deseja dançar na Broadway? Ou você quer ser um dançarino da Britney Spears? Ou quer ter um corpo saudável e mais atraente? Seus objetivos vão te ajudar a decidir um estilo. Se você quer dançar profissionalmente, você provavelmente terá de se inscrever em uma variedade de aulas, incluindo o balé. Se seu objetivo é atrair a atenção na pista de dança, uma aula de hip-hop pode ser tudo o que você precisa. Se você dançou quando era mais jovem e está voltando para ela, você pode escolher até onde você parou. Alguns adultos decidem retomar a aulas de balé, depois de ano, mesmo depois de ter tido filhos. A idade não é obstáculo para você começar a dançar.

Dúvida?
Se você não sabe que tipo de dança que você gostaria de aprender, a melhor coisa a fazer é experimentar. Ás vezes assistindo uma dança você acha que seria maravilhoso aprender, mas na pratica pode ser o contrário. Você pode achar que flaps e shuflfles são sua paixão, mas na pratica pode simplesmente não funcionar para você. Você nunca vai saber realmente até que você tente, de modo a tentar e tentar novamente. Você pode se surpreender!

Qual o seu estilo de dança?

Responda esse teste de personalidade do divertimento da dança e descubra qual o estilo de dança que melhor se adapta à sua personalidade. Você tem mais o estilo do TAP, do Ballet ou do Hip-Hop? Este quiz de dança consiste de 10 perguntas simples, vamos lá?

Pergunta: Que tipo de música você gosta de ouvir?

a) Rap

b) Pop / Top 40

c) Clássico

Pergunta: Qual é o seu filme de dança favorito?

a) Ela Dança, Eu Danço

b) Dança, Fama e Paixão

c) A Última Dança

Pergunta: Como você costuma usar seu cabelo?

a) Curto e descolado

b) Para cima e longe do seu rosto

c) Arrumado e elegante

Pergunta: Que tipo de calçado você prefere usar?

a) Tênis

b) Sapato

c) Sapatilhas

Pergunta: Quais são alguns de seus movimentos de dança favorito?

a) Moonwalk e Locking

b) Flaps e wings

c) Piruetas

Pergunta: O adjetivo que melhor descreve você?

a) Descolada

b) Antenada 

c) Sofisticada

Pergunta: Quem é o seu bailarino preferido?

a) Britney Spears

b) Gene Kelly

c) Anna Pavlova

Pergunta: Qual show você pagaria para ver no palco?

a) Eminem

b) Lord of the Dance

c) Giselle

Pergunta: Qual a roupa mais confortável que você está vestindo?

a) Calça larga com bolso lateral

b) Jeans e camiseta

c) Calças e jaquetas

Pergunta: Que tipo de livros você gosta de ler?

a) Qualquer coisa de ficção

b) Suspense

c) Romance

RESULTADO

Se você teve mais respostas A, sua personalidade é o Hip-Hop!

Sua personalidade é tão única como a sua dança. Expressiva, mas você nunca perde a calma. Você não dança para mostrar, mas para se destacar. Você ansiosamente aceita desafios, seja na pista de dança ou fora dela. Vamos para a pista!

Se você teve mais respostas B, sua personalidade é o Tap Dance!

Energia é o seu nome do meio. Está sempre em movimento, e seus pés parecem nunca parar de se mover. Você pode sapatear ao som de qualquer canção. Sua dança é intensa, e você nunca para de sorrir. Continue a sapatear na vida! No bom sentido!

Se você teve mais respostas C, sua personalidade é o Ballet!

Refinados e sofisticados. Sua autoconfiança é evidente na forma como você se comporta, cabeça para o alto e ombros para trás. Piruetas perfeitas nos corredores de um shopping e tendus na fila do supermercado. Fique clássico!

Como qualquer sapateador pode dizer-lhe, escolher um par de sapatos de sapateado não é uma pequena questão. Seus sapatos afetam diretamente o seu som e seus movimentos, para não mencionar os seus pés! Então, antes de comprar, você precisa ter certeza de exatamente o que você necessita. Há muitos tipos diferentes de sapatos. Muitas vezes, o tipo de dança que você planeja fazer irá determinar quais são os melhores sapatos. Você também deve considerar o modo como você irá utilizar os seus sapatos – em outras palavras, se você vai precisar deles para a apresentação ou para uso diário ou semanal, em ensaios e aulas.

Orçamento                               
Antes de começar, escolha o seu orçamento. Pode passar qualquer coisa a partir de R$50 a R$250 sobre um par de sapatos de sapateado. Para começar, você deve decidir qual o tipo de material que serão os seus sapatos. Os couros, que  eram discriminados no passado, foi tendo sucesso ao longo do tempo e são de alta qualidade, as mais caros mas os que duram. Depois de determinar a sua gama de preços, você pode considerar qual o tipo de calçado é o mais adequado para suas necessidades.

Altura
É importante para determinar a altura desejada do calcanhar. Os sapatos estão disponíveis nas alturas baixo, médio ou alta  e não se esqueça de considerar o seu nível e seu conforto. Você também deve consultar com o seu professor sobre a sua decisão. Os saltos menores são adequados para bailarinos de todas as idades e níveis. Os saltos médios são geralmente recomendados para teen bailarinos ou mais, embora muitos saltos altos só devem ser utilizados para mostrar efeitos e não para o uso diário. Embora saltos baixos tendem a ser mais fácil e talvez o mais confortável para dançar em, um salto maior pode, muitas vezes, ajudar as jovens bailarinas sapateadoras a desenvolver o hábito de manter o seu peso para frente e fora do seu eixo. Eles também podem criar uma aparência elegante e feminina para performances.  

Estilo
Se o seu professor ou academia não requer sapatos no uniforme para todos os bailarinos, então você tem várias opções em termos de estilo. Os sapatos de sapateado de amarram são frequentemente populares ou para os jovens bailarinos de nível iniciante. Um dos mais populares estilos entre os novatos e profissionais é o Oxford, um sapato de couro. Do mesmo modo, esses sapatos proporcionam um bom apoio e um forte som. Alguns sapateadores avançados podem preferir um sapato de sapateado com o meio do pé flexível. Estes sapatos permitem mais movimento do pé, mas são geralmente melhor para dançar jazz do que para sapateado, uma vez que fornecem menos suporte para a ponta do pé e calcanhar, criando um som mais suave. Os sapatos de salto alto são frequentemente utilizados no teatro musical, mas tenho visto um retorno nos últimos anos por profissionais do sexo feminino.

Chapinhas/Plaquinhas
Dependendo do seu nível, você pode querer escolher sua própria chapinha. Para iniciantes, qualquer padrão de alumínio normalmente irá funcionar e a maioria dos sapatos já vem equipado com chapinhas. A mais popular entre os sapateadores tende a ser a “Teletone” (chapinhas importadas da Capézio), que permitem o sapateador de apertar e desapertar os parafusos para ajustar o som. No entanto, diferentes chapinhas estão disponíveis a partir de uma variedade de empresas e os sapateadores avançados devem experimentar e conversar com outros sapateadores para descobrir o que irá atender as suas necessidades. Se você está comprando suas chapinhas separadamente, você deve ter certeza de que elas são do tamanho certo para o seu sapato. Além disso, é geralmente melhor ter um sapateiro para ajudá-lo a ajustar as chapinhas para os sapatos.

Tamanho
Seu sapato você deve caber confortavelmente; embora talvez sinta um pouco menor do que um sapato normal. Se as suas chapinhas estiverem muito frouxas  você terá menos controle sobre os sons que você está fazendo e ela se tornará mais difícil de executar os passos avançados. Certifique-se de tentar, em vários tamanhos e garantir que os sapatos são certos para você. Se você pretende comprar seus sapatos on-line, ainda é necessário que você vá a uma loja primeiro e experimente alguns sapatos para você ter uma idéia do tamanho. Quando estiver certo do tamanho e estilo que você precisa, você pode comprar seus sapatos através da Internet ou de um catálogo.

A coisa mais importante a lembrar, se você está comprando o seu primeiro par de sapatos, é que o calçado deve ser adequado ao seu estilo individual e ser confortável. O tipo de dança que você faz, o número de horas que você vai ensaiar, e da maneira que você quer crescer como um sapateador deve ser considerado antes de fazer uma compra. Certifique-se de falar com os professores, amigos e desconhecidos, mesmo se não tiver certeza e não ter medo de experimentar um par de sapatos até encontrar o par que está certo para você.

O Versátil Jazz Dance: Aperfeiçoamento dos Quatro Estilos de Jazz

O bailarino de jazz de hoje tem de ser versátil, a fim de agarrar as oportunidades que vêm no seu caminho. A boa notícia é que a Broadway adora os bailarinos de jazz. A melhor maneira de aumentar suas chances de ser visto é o de reforçar o jazz e a técnica para aperfeiçoar os quatro principais estilos de jazz, que são clássicas, latim, lírica e teatral.

Alguns excelentes exemplos destas quatro técnicas de jazz na história realmente se destacam. Jack Cole desenvolveu a técnica de jazz clássica quando ele usou a sua dança moderna colocou na música jazz. Juntamente com Jack Cole entrou Bob Fosse e Jerome Robbins, que realmente desencadeou-se quando adicionado à técnica teatral. Eles traduziram para o palco e para o filme também. Então entra Jose Limon que fez uma enorme marca na técnica, bem como com o seu charme latino. Vimos também o jazz evoluir para uma técnica lírica, com movimentos mais leves, um fluido de movimento, mas que ainda era considerado  “jazz dance”. Como resultado, conhecidos coreógrafos, como Mia Michaels tornou a sua marca na história do jazz lírico.

Todos as quatro destas técnicas são agora exigidas do bailarino de jazz. Não é o suficiente ser um especialista apenas no jazz clássico. Uma formação e o conhecimento geral da modalidade é essencial: tem de saber a sua maneira de contornar o jazz de todos os estilos! É uma boa idéia para ter um estilo latino dançado pelo bailarino de jazz e saber se deslumbrar com um chapéu e bengala. A técnica do ballet é igualmente importante para a bailarina de jazz lírico é como um toque para o bailarino de jazz clássico. Cada um dos seguintes estilos é vital para uma bailarina seguir a carreira no jazz dance.

O jazz clássico como conhecemos hoje é muito envolvido. Um bailarino tem que ir para além da competição, usar “truques” para realmente entrar na técnica. Saltos, pernas altas e giros não são tudo que existe. Um bailarino tem que chegar dançar com a alma, a fim de encontrar o ritmo e a profundidade do estilo. O mais interessante e atraente nos movimentos podem ser as transições e os acentos. Ela não precisa ser um show de habilidade, apesar de saber fazer os grandes saltos e curvas são realmente importantes para um profissional. Jazz clássico é lustroso, dominador e sensual. É preciso viver e amar cada movimento.

Jazz Theatre cria toda uma outra dinâmica para o mundo do “Jazz”. Temos agora de pensar em chapéus, bengalas e movimentos musicais. Um elemento do jazz teatral que deve ser desenvolvida é a capacidade de encarnar uma personagem. A bailarina tem que saber como é encantador, divertido e envolvente entrar na personagem, podendo até fazer um papel ridículo. Estamos tão habituados a ser retratado como sensual e belo através do nosso movimento que nos esquecemos que o jazz pode não ser sensual, existem personagens de toda forma. O uso de adereços também torna bastante importante para jazz teatral para estas mesmas razões. Para se preparar realmente para o jazz teatral, uma bailarina deve saber como dançar com cadeiras, descer escadas, dançar com um grande chapéu e movimentar com glamour um bengala. O jazz teatral envolve muitas vezes movimentos mais delicados em se tratando dos cantores. Falando de cantar, não é uma má ideia ao saber que também o jazz teatral é o caminho escolhido.

O Jazz Latino porém, é uma das mais antigas formas de jazz. O estilo do Jazz Latino inclui movimentos de quadril que exige por vezes o oposto de um movimento do jazz clássico. Aprender a salsa, merengue, samba, mambo, é uma excelente forma de se aperfeiçoar nesse estilo. Desenvolver essa sutileza Latina dentro do jazz dance irá certamente garantir mais oportunidades e mais sucesso nas audições! Certifique-se de aprender a dançar em saltos altos, isso é essencial!

O Jazz Lírico é um dos mais novos estilos na dança jazz, ela decorre do balé e dança moderna contemporânea. Lyrical Jazz envolve uma grande dose de equilíbrio, ampliação e leveza. Os movimentos são fluídos e ligados, em vez de estacato, abrupta e repentina. A melhor coisa que uma bailarina de jazz lírico pode fazer é trabalhar na sua técnica do balé! Isto apenas significa que a técnica do balé deve ser sólida. Considere como uma mistura dos dois – ballet e jazz. A capacidade de exibir emoção é uma prioridade da bailarina lírica. O corpo deve ser um oráculo do sentimento bruto, deve demonstrar uniformemente a circulação e possuem uma especial profundidade de interpretação através do movimento e da flexibilidade.

O bailarino de Jazz de hoje deve ser inteligente e cheio de recursos ser um excelente bailarino nem sempre é suficiente. Adaptar-se aos novos estilos na técnica de jazz como “pop jazz”, um popular estilo de vídeo-clips, irão ajudar a no seu repertório. Estar preparado, atencioso e antenado nas novidades pode significar toda a diferença no sentido de obter uma grande oportunidade. Não se esqueça, o elemento mais importante: divirta-se! Mantenha um sorriso e um coração cheio de fé e sentimento de fazer um belo show!

Tal como nas outras versões, My Sister Eileen (1955) segue duas irmãs, Ruth e Eileen Sherwood, que se deslocam de Ohio para um apartamento na vila onde encontraram algum “colorido” e excêntricos. Ruth (Betty Garrett) é uma escritora que tenta lutar para conseguir um emprego com editor Bob Baker (Jack Lemmon). Eileen (Janet Leigh) também está tendo dificuldades para encontrar emprego, mas ela não tem nenhuma dificuldade para encontrar pretendentes. Um dos homens que ela atende é Frank Lippencott, desempenhado por Bob Fosse, que também coreografou o filme.

Bob Fosse já estava estabelecido como um talentoso ator e bailarino quando ele assumiu o papel do coreógrafo acrescentados em meados dos anos 50. Ele recebeu um Tony Award em 1954 para The Pajama Game, o primeiro musical Broadway que ele coreografou. My Sister Eileen foi a primeira vez Fosse coreografou e atuou. De acordo com Kevin Boyd Grubb na Razzle Dazzle: A vida e obra de Bob Fosse, “Fosse na coreografia reforçou ainda mais as canções”.

My Sister Eileen Janet Leigh foi o primeiro musical no gênero, ela se reuniu várias semanas antes com Fosse e começaram a trabalhar com ela cantando e dançando. Mesmo apesar de serem ambos casados, no momento, Leigh admite não havia uma faísca entre eles: “Tanto Bobby e eu sabia, mesmo sem falar sobre ele, um assunto que teria acontecido se nós deixá-lo. Havia que muita electricidade entre nós “. Em sua autobiografia, Leigh somados a sua experiência de trabalho no My Sister Eileen: “Éramos jovens, corajosos, talentosos, ambiciosos com conglomeração de energias. Foi um período de seis meses de trabalho de amor. Ninguém queria que acabasse, e era um grupo que reuniu para a festa de despedida. ”

Confira o vídeo abaixo, parte do filme com Bob Fosse dando um show de talento!

Estilo

O Estilo do Steven resultou da sua experiência em várias modalidades de dança. Considera o sapateado, sobretudo, como uma forma de dança, dando ênfase particular na parte “dance” das palavras “Tap dance”. Na prática, isso não traduz como “muitos braços”; só quer dizer que sapateado é dança e que dança implica primeiramente o corpo como um todo, incluindo os braços, e não só os pés.

Acredita que, qualquer que seja sua classificação estilística (hoofer, flash, class, Broadway, etc), nenhum grande sapateador jamais empolgou uma platéia com uma mera demonstração de técnica, imóvel, ausente de estilo e carisma. Estes são conseqüências da maneira que o sapateador se move e transmite os passos para seu público.

Seus sapateadores favoritos são Jimmy Slide, Honi Coles, Bill “Bojangles” Robinson e Fred Astaire. Todos esses bailarinos considerados “carismáticos”.

Nasala de aula, Steven enfatiza o feeling e o impulso que precede a produção do som propriamente dito, dissecando e explicando a mecânica corporal dos passos, para que seus alunos possam adquirir precisão, velocidade e mobilidade. Dá atenção especial a cada um e orienta-os, ao mesmo tempo, para que possam encontrar estilo próprio, individualidade e presença cênica.

Passos e Seqüências

Como diz Jimmy Slide: é preciso conhecer a base. Entende-se com isso o vocabulário de passos que formam a linguagem tradicional do sapateado. Nas aulas iniciantes esses passos tradicionais (time steps, buffalo, cincinati, essence, paddle, roll, etc) e seqüências clássicas (Shim Sham, B.S. Chorus, etc) são ensinadas e explicadas no seu contexto histórico.

Nos níveis intermediário e avançado são enfatizaods: a velocidade, o trabalho de pé (footwork), flash steps, giros, pull backs, etc…

Uso da Música e Ritmos

Sapateado é dança mas também é música. Cada som, cada ritmo tem que se encaixar “dentro” da música e não simplesmente “na” música. Forte ênfase é cada à musicalidade, aos contrastes dinâmicos e à colaboração dos sons.

Steven gosta de trabalhar particularmente com três tipos musicais: jazz, funk (soul e hip hop) e música brasileira (principalmente samba, bossa nova e chorinho). Alunos são levados a entender conceitos rítmicos como colcheis, divisões, síncopes, etc, e como usar esse conceito para melhor realçar a música.

Abordagem da Aula

Steven acredita na arte de explicar. Acredita que se o aluno não entendeu bem é porque provavelmente o professor não explicou direito.

É uma aula rápida, cheia de energia e bem humorada. Steven espera muito dos seus alunos, embora cada um seja tratado no seu nível e com atenção personalizada. Ele acredita que essa é a melhor maneira de se criar um ambiente agradável e proveitoso para todos, professores e alunos.

Na Índia, a dança é considerada uma antiga tradição. Uma terra de diversas culturas, tradições e línguas, o país tem dado origem a um grande número de danças clássicas, moldado pela influência de um determinado período e ambiente. Estas danças foram preservadas através dos séculos e se tornaram uma parte importante da nossa cultura atual. Todos e cada dança clássica da Índia é considerada a especialidade de uma determinada região ou tribo e segue o seu próprio ritmo, seja ele em termos de música, passos, fantasias ou estilo. A Dança Clássica Indiana pode ser rastreada até 400 aC, aos tempos de Natya Sastra de Bharata Muni. Na verdade, Bharata’s Natya Sastra, considerada a Bíblia da Índia, é a fonte mais importante para determinar as características das danças. Atualmente, algumas das danças populares clássicas da Índia são Bharatnatyam, Kathak, Kathakali, Kuchipudi, manipuri, Mohiniattam e Odissi. Essas danças trouxeram uma sensação de bem como os países ocidentais. Hoje, cada uma das danças clássicas indianas tem uma identidade própria e cruzamento de todos os limites, e é reconhecido mundialmente.

Dança Clássica Indiana

Bharatnatyam
Nativo de Tamil Nadu (um estado no sul da Índia), Bharatanatyam é uma das formas mais populares da dança clássica indiana. Foi anteriormente referido como Sadir, Dasiattam e Thanjavur Natyam. A dança exige forma incondicional e total dedicação a partir do lado do ator.
Kathak
Kathak, que teve origem no norte da Índia, representa um dos oito tipos de danças clássicas indianas. O nome Kathak foi derivado da palavra sânscrita “Katha”, que significa história. Kathak incide mais sobre o trabalho dos pés do dançarino.
Kathakali
No pitoresco estado de Kerala Índia é conhecido como uma dança dramática conhecida como Kathakali. Embutido em histórias da epopéias, Ramayana, Mahabharata e do Puranas (antigas escrituras), essa dança crê-se que tiveram origem no século 16.
Kuchipudi
Kuchipudi foi introduzido como uma dança teatro, mas hoje tem história completamente diferente. Ele foi reduzida para apenas uma dança, com o drama completamente ausente. Os bailarinos de Kuchipudi fazem hoje a apresentação individual da dança.
Manipuri
Manipuri é a dança clássica do Manipur na região Nordeste. Muito religiosa e associado ao culto de Vaishnav, hinduísmo, esta forma de arte essencialmente descreve episódios da vida do deus Vishnu. Manipuri é o estilo de dança multifacetada e varia entre os suaves movimentos masculino para o feminino.
Mohiniatam
Mohini, segundo a mitologia indiana, é uma mulher muito bonita, que atrai as pessoas instantaneamente. Ela é considerada como uma feiticeira, e assim, Mohiniattam é a dança da feiticeira.
Odissi
Baseada em Natya Shastra, Odissi é considerada uma das mais antigas formas sobreviventes dança da Índia, com indícios arqueológicos bem preservados. Foi originado de Orissa e sua história pode ser rastreada até o 2 º século aC. Essa dança foi amplamente representada nas esculturas do templo Brahmeswara e no Templo Konark.

BALLET CLÁSSICO

O Ballet Clássico é o mais formal dos estilos de ballet, que adere à técnica tradicional do ballet. Existem variações relacionadas à área de origem, como o russo balé, balé francês, balé italiano. Embora a maior parte do balé dos últimos dois séculos é, trabalhada sobre os ensinamentos de Blasis.

Os cinco estilos mais conhecidos do ballet clássico são os estilos: Método de Ballet Vaganova, ou Método Russo, após Agrippina Vaganova, o método Cecchetti, ou método italiano, depois de Enrico Cecchetti, o Método Bournonville , ou Método Dinamarquês, após Bournonville, o Método Balanchine, ou do American Ballet School / New York City Ballet, depois de George Balanchine, e do Método Royal Academy of Dance, criado na Inglaterra.

NÉOCLÁSSICO

O Ballet Neoclássico é um balé que usa o estilo que usa o vocabulário do ballet tradicional, mas é menos rígido do que o balé clássico. Por exemplo, muitas vezes os bailarinos dançam em tempos mais extremos e executam movimentos mais livres.

O neoclássico é geralmente mais moderno e complexo do que o ballet clássico.

É o estilo do século 20. Inspira-se na avançada técnica de século 19. Balanchine utiliza movimentos de mãos (e, ocasionalmente, pés), transformou as posições das pernas e os trajes (com túnicas em vez de tutus) para distanciar-se do balé clássico e tradicionalmente romântico. O que sobra é a dança em si, mais sofisticada e moderna, mantendo a sapatilha de ponta, mas evitando a pantomina e o drama característica do ballet tradicional.

A dança moderna de Balanchine também trouxe mais bailarinos para dançar em sua Cia, a New York City Ballet, uma delas foi Paul Taylor em 1959. Balanchine também trabalhou com dança moderna, com a coreógrafa Martha Graham, expandindo às modernas técnicas e idéias. Também durante este período, os coreógrafos, como John Butler e Glen Tetley começaram a combinar conscientemente balé e técnicas modernas de experimentação.

O Tap Dance (sapateado) tem uma série de antepassados. É uma mistura do sapateado inglês, dança irlandesa e a dança africana com tambores, ritmos e movimentos. As danças africanas estão diretamente ligadas à natureza do sapateado com brincadeiras de danças rítmicas com batidas de tambor.

O sapateado também contém os movimentos populares realizados no estilo Swing e Lindy Hop, e a leveza tão comum da valsa e Foxtrot. Então, basicamente, é uma mistura de vários elementos.

A dança dos escravos foi adicionada ao início de vaudeville e esta é a forma como o tap dance se tornou conhecida. O sapateado foi visto pela primeira vez no “trovador show” seções de concursos de dança.

Os bailarinos pintavam seus rostos de preto e dançavam em volta dos negros imitando suas danças. Este tipo de desempenho era conhecido como “Black comedy”. O primeiro show Black comedy estreou com uma dança com o famoso bailarino Thomas Rice. Este desempenho foi diferente das anteriores por causa das solas que tinham placas metálicas na parte inferior do seu sapato.

Seus movimentos foram então imediatamente imitados por outros dançarinos, e se tornou um tipo de sapateado aceito na forma de comédia.

Três estilos de dança-sapateado surgiram neste momento no vaudeville. Havia o coro de meninas, o Charleston. O som era mais alto durante estas danças, mas a platéia gostava. Havia a buck-e-wing apresentando uma dança rápida no estilo holandês, com sapatos de holandês, e um estilo conhecido como o soft-show, ou um leve toque criado pela sola dura do couro do sapato ao andar.

Quando estes três estilos misturaram, o sapateado se tornou uma dança com uma batida regida pelo som, com um sapato de couro e metal nas solas.

E o sapateado começou a ser regido pelos bailarinos famosos como, John Bubbles e “Slap e Feliz” (Daniel e Leslie Howard Irvin).

Tap dance tornou-se mais e mais popular durante os anos 1900. Bailarinos como Gene Kelly, Fred Astaire, Eleanor Powell, Shirley Temple fizeram do sapateado uma peça essencial do sonho americano

Filmes, em especial, usado para personificar o sapateado. Famosos filmes que incluem sapateado são: “Brigadoon”, “Um Americano em Paris”, “Tudo o que é Jazz”, “The Band Wagon”, “Tostões do Céu”, “The Little Colonel”, “Swing Time” e “Viva por amor”.  A mistura de jazz com o sapateado tornou uma forma artística.

Os mais famosos passos de sapateados surgiram nessa época, e ainda hoje existem: o shuffle, ball change, padlle, side tap, flap, e cramp roll, e as variações para tornar mais complexas e com movimentos. Tap Dance também tem aparecido em várias produções da Broadway. “Black and Blue” e “The Cotton Club” são exemplos de integração bem sucedida do sapateado para o palco.

Fosse cresceu em meio ao Cabaret boates e foi exposto a este meio  logo em seus primeiros anos de vida. Com 15 anos montou a sua primeira coreografia de Cabaré, um número onde os bailarinos usavam penas de Avestruz como um traje, que era muito picante para a época. Este tipo de conotação sexual mais tarde tornou-se parte do seu estilo.

Após anos de atuação, Fosse passou a desempenhar na Broadway. Fosse também tinha sonhos de fazer grandes musicais em Hollywood e ele viajou e fez alguns filmes, incluindo um papel na dança ‘Kiss me Kate “.

Depois de mergulhar os pés em Hollywood Bob volta para Broadway e acabou tornando-se famoso. Fosse começou a ter mais e mais trabalho e devagar iniciou um edifício com o próprio nome no circuito da Broadway.

Ele desejava ter um grupo de bailarinos e conseguiu. Começou a montar seus números de mais sucesso com esse grupo. Ele foi muito simplista mas poderosos no seu estilo e movimentos. Ele fazia os bailarinos mover-se muito lentamente, devagar mexendo um dedo ou uma sobrancelha inserindo nesses pequenos movimentos o seu estilo. Em qualquer número de Fosse é fácil você encontrar cigarros, meias, luvas e um chapéu. Ele usava muita sensibilidade em sua coreografia e movimentos pélvicos e pesados.

O Bob Fosse é sinônimo de um estilo único de coreografia bastante diferente de qualquer outro.

Apenas os mais talentosos e versáteis conseguiam experimentar a dança no estilo Fosse. Para Fosse um bailarino deve possuir uma sólida técnica (especialmente no balé), juntamente com um profundo entendimento dos estilos de sapateado, jazz e ballet. Uma aptidão para o canto e atuação também seria um dever. Estes bailarinos seriam obrigados a cantar e capazes de expressar-se com seus corpos como qualquer ator poderia utilizar a fala para passar a mensagem.

“Fosse”, o musical da Broadway, é uma homenagem a ele e aos famosos números de dança que ele fez. Adorado por uns, odiado por outros, esta homenagem imortaliza um dos lendários da Broadway.