Os artistas da dança moderna tem muito orgulho da sua história, tendo o pólo oposto do balé. Ballet é a história da organização, movimento simétrico, as tradições das cias, teatros, assim como indivíduos. Dança moderna, por outro lado, é quase totalmente a história das personalidades, bebidas espirituosas e corações de cada um dos bailarinos, que elaboram as suas próprias filosofias, e definir os seus próprios estilos. Estes estilos evoluem e são transmitidos aos estudantes que, em seguida, romper a criar algo novo e tão pessoal.

Dança Moderna na América

Dança Moderna começou na América no início do século 20 quando os antecessores dos artistas que hoje conhecemos, começou sua própria rebelião contra a formalidade do balé e da previsibilidade das populares mostras de dança do período.

As suas técnicas e estilos eram muito diferentes, o que eles tinham em comum era insatisfação com as opções disponíveis para bailarinos e, em seguida, o objetivo último de transmitir ao seu público um senso de realidade interior e exterior – um objetivo que ainda inspira bailarinos modernos hoje.

Os pioneiros da dança moderna na América pode ser atribuídos a Loie Fuller, Isadora Duncan, Ruth S., Dennis, Ted Shawn e Maude Allan.

A primeira geração de Dança Moderna

Durante a década de 1920, uma paixão pela dança interpretativa movimentava a América. Os estudos do excessivo gesto tinham crianças em idade escolar, estudantes universitários e pessoas em todo o país realizando uma espécie de balé simplificado em pés descalços e roupas largas.

Isadora Duncan e  Denishawn  tinham introduzido audiências e bailarinos similares ao conceito de uma nova forma de dança teatro. O terreno tinha sido estabelecido para o trabalho da primeira geração de bailarinos modernos que começou o desenvolvimento da arte, tal como a conhecemos hoje.

A primeira geração de dança moderna: Martha Graham, Doris Humphrey, Mary Wigman, Charles Weidman, Hanya Holm, Oskar Schlemmer, Agnes de Mille, Gertrude Bodenweiser, Kurt Joos, Helen Tamaris e Lester Horton.

A segunda geração de Dança Moderna

Até o final da II Guerra Mundial os fundadores da dança moderna tinham produzido uma cultura de talentosos estudantes que, como as crianças fazem muitas vezes, fazia com os seus “pais” bem-estabelecidas e teorias usadas para criar seu próprio tipo de dança.

A grande batalha pela posição e respeitabilidade já tinha sido vencida, não era necessário para a segunda geração de tomar si ou sua arte com a mesma seriedade mortal que tinha caracterizado os seus antecessores.

A segunda geração de dança moderna: Erich Hawkins, Merce Cunningham, Paul Taylor, Anna Sokolow, William Bales, Jane Dudley, Sophie Maslow, Jean Erdman, Jose Limon, Ann Halprin, Sybil Shearer, Alwin Nikolais, Glen Tetleym Alvin Ailey, Katherine Dunham , Pearl Primus, Anita Entra, Edwin Strawbridge Steve Paxton, Yvonne Rainer, Meredith Monk, Twyla Tharp e James Waring.

A Geração Moderna

As convulsões sociais e artísticas do final dos anos 1960 e 1970 sinalizaram ainda mais radicais da dança moderna. Dança moderna é hoje muito mais sofisticada, tanto em técnica e tecnologia, que começou a dançar pelos bailarinos clássicos. Os bailarinos nessas danças são inteiramente compostos de espírito, alma, coração e mente.

A preocupação com os problemas sociais e da condição do espírito humano ainda está lá, mas questões são apresentadas com uma teatralidade que teria chocado muitos dos primeiros bailarinos modernos, tão preocupados com o que estabelece como sérios artistas.

A essência da dança moderna é a de olhar em frente, não para trás. O conflito entre balé e dança moderna olha como se vai continuar a enriquecer a ambas as formas, mas também não é provável que perca a sua identidade no processo.

É impossível prever o que a dança moderna irá tonar no futuro, mas, se as modificações ocorridas durante os próximos 50 anos são tão radicais como as que ocorreram durante os últimos 50, a dança poderá encarar um momento interessante.

Em 1945, no final da guerra, a Alemanha foi julgada. A dança alemã tornara-se impopular devido ao Nazismo. A guerra acabara com o movimento expressionista. A derrota dos “nacional socialistas” foi a gota d’água. A dança expressionista ficou na obscuridade. Obrigada a dançar em condições cada vez difíceis Dore Hoyer cometeu suicídio.

Na Alemanha Oriental, Gret Palucca continuou trabalhando. Mas sua arte se estagnou sob as restrições da arte oficial. As últimas chamadas do Expressionismo arderam com os últimos trabalhos importantes de Mary Wigman. “The Rite of Spring” e “Orpheus”.

Em seu estúdio em Berlim Ocidental ela passou adiante toda a sua herança até a sua morte. O novo curso do mundo parecia ter aproveitado tudo, de uma extraordinária vida criativa. Jooss voltou à Alemanha em 1949, para se tornar mais uma vez, diretor de sua escola em Essen. Ele continuou a lecionar como havia feito Dartington onde treinara muitos novos artistas. Entre eles havia Birgit Cullberg. Esta coreógrafa e Estocolmo criaram um estilo satírico o qual sua peça: “Red Wine in Green Glasses”.

Ao passo que o estúdio de Mary Wigman permaneceu mais intimista e ensinava apenas seu estilo Kolkswangschul e Jooss estava aberto a todas as técnicas e disciplinas. Uma aluna que se formou nesta escola vinte anos depois seria aliberdade, renascimento e da transformação da dança alemã: Pina Bausch. Pina Bausch deve muito a toda equipe de professores da escola de Jooss.

Em 1959, uma bolsa de estudos da Escola Juilliard a levou para Nova York. Em dois anos ela formou seu estilo sob os ensinamentos das principais figuras da dança moderna americana.

Jooss a chamou de volta à Alemanha para dançar em sua nova companhia “Folkswangtanz Theater”. Pina Bausch deixou seu país quando ainda estava destruído pelo desastre. Voltou e encontrou uma Alemanha à caminho da prosperidade. Mas na Alemanha o consenso nem sempre mascarou as cicatrizes, as feridas ainda abertas. As feridas que foram reveladas nas cores vibrantes dos artistas contemporâneos, notavelmente nos trabalhos de Joseph Benys e depois George Baselitz. O mundo de Pina Bausch também era cheio de feridas. Desde o início sua dança reunia veracidade e realidade.

Em 1973 ela fundou o “Wuppertal Tanz Theater”. Com uma companhia e um teatro que eram permanentes a partir de agora, ela levou a dança ao teatro além dos limites que parecia ser possível. Os silêncios tornaram-se mais decisivos que gritos, o corpo mais determinante que o texto, a produção teatral mais real que o dia a dia.

Sua matéria-prima eram as pessoas e as relações entre elas. As vidas de seus dançarinos freqüentemente criavam situações com as quais o espectador poderia se identificar. Mas como é que ela trabalha com seus dançarinos para poder captar uma intimidade que se torna universal na hora?

“The Seven Decolly Sins”, “Bluebeard”, “Kontalthof” ou “Vixtor”, todos tem momentos de apresentação que são sempre amarrados, totalmente controlados onde Bausch desenreda a humanidade, encontra suas verdades mais secretas, surpreende suas fraquezas, sustenta sua crueldade, revela seus fatos, tudo isso sem jamais perder de vista sua visão clara da ternura e da esperança.

Na época de Laban desejava-se conceber o gesto que fosse livre o que revelaria a alma.

Na época de Jooss procurava-se uma crença em uma sociedade mais justa que tornaria o homem.

Na época de Pina Bausch, mesmo que não seja mais possível ignorar o fato de que o coração do homem está corrompido para sempre é possível jogar luz nos belos “intervalos na Alemanha”.